“十一五”全国高等院校艺术设计专业规划教材：摄影艺术教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李凌恒 著

图书标签:

• 摄影艺术
• 艺术设计
• 高等教育
• 教材
• 规划教材
• “十一五”
• 摄影教程
• 视觉艺术
• 艺术类
• 专业教育

出版社： 北方联合出版传媒（集团）股份有限公司 ，

ISBN：9787538162837

版次：1

商品编码：10473211

包装：平装

开本：16开

出版时间：2010-03-01

用纸：铜版纸

页数：135

正文语种：中文

内容简介

随着科学技术的发展，摄影观念在不断更新，摄影在人们日常生活中的地位越来越重要。为了适应高等院校摄影教育的发展需要，本教材以摄影学习进程为主线，分别从技术与艺术的角度进行阐述。教材具有理论联系实际、实用与艺术相融合的特点，适用于高等院校摄影及相关专业，也适用于广大摄影爱好者。《摄影艺术教程》内容通俗易懂、贴近生活、便于理解，具有科学性、实用性。整体结构由浅入深，使读者对摄影的逐步发展由基础理论到摄影的造型能力、艺术表现力有较为全面的了解。本教材图文并茂，给读者以更直观、明晰和生动的感受。通过《摄影艺术教程》研读，可以学会提高摄影艺术表现能力的方法与手段。

目录

第一章 照相机及其附件
第一节 照相机
一、照相机的种类
二、照相机的结构
第二节 常用摄影附件
一、三角架
二、遮光罩

第二章 感光材料
第一节 黑白感光材料
一、胶片结构
二、胶片的类型和尺寸
三、胶片特性
第二节 彩色感光材料
一、光和色
二、物体的颜色
三、色彩的三要素
四、三原色与三补色
五、色光的组成原理
六、彩色胶片
七、色彩平衡

第三章 摄影曝光
第一节 摄影曝光
一、什么是摄影曝光
二、摄影曝光的测光方法
第二节 测光表的工作原理及测光模式
一、测光表的工作原理
二、什么是18％灰色
三、照相机的几种常用测光模式
四、互易率失效

第四章 摄影用光
第一节 摄影用光的意义
一、光是什么
二、色是什么
第二节 摄影用光的基本特征
一、自然光
二、人工光
第三节 摄影用光的作用及运用
一、光在摄影造型中的作用
二、摄影用光的运用
第四节 画面的影调
一、影调的定义
二、影调的分类

第五章 黑白暗房工艺
第一节 黑白胶片的洗印
一、黑白感光片冲洗
二、暗室
第二节 黑白图像的制作
一、制作黑白照片需要什么
二、放大用相纸

第六章 摄影构图
第一节 摄影构图的目的和方法
一、摄影构图的目的
二、摄影构图的方法
第二节 影响摄影构图的因素
一、拍摄距离与角度
二、前景与背景
第三节 创作与构图
一、主题的形成
二、主题与构图的关系
第四节 摄影画面的构成
一、主体
二、陪体在画面的地位和作用
三、环境对烘托主体的作用
四、空白的留取
五、画面要达到整体的均衡
六、线条的表现力
第五节 构图的形式法则借鉴
一、对称和均衡在画面中的运用
二、构图中的主次关系
三、构图中“黄金分割”的运用
四、对比
五、色彩节奏与色彩重点运用
六、反复与渐变

第七章 数码影像
第一节 数码影像的由来和发展历程
一、数码影像的由来
二、数码影像的发展历程
三、数码影像的发展趋势
四、数码影像时代的含义
第二节 基础数码影像专业知识
一、像素
二、数码相机的像素
三、图片处理编辑软件
四、模拟机世纪静态影像信号捕捉、制作、输出
第三节 数码相机基础知识
一、感光材料
二、数码相机的主要性能指标及自身特点
三、数码相机与传统相机的区别
第四节 数码影像艺术
一、数码影像艺术
二、数码影像创作语言的特征

第八章 大画幅相机使用
第一节 大画幅相机概述
一、大画幅相机简介
二、大画幅相机的基本结构
三、大画幅相机的镜头
四、大画幅相机的数码化
第二节 大画幅相机应用原理
一、大画幅相机基本操作
二、大画幅相机的调焦与曝光控制
第三节 大画幅相机使用技巧
一、透视的调整
二、旋转
三、莎姆弗鲁格定律

第九章 广告摄影
第一节 广告摄影概述
一、广告摄影的概念与特征
……
第十章 时装摄影
第十一章 建筑摄影
第十二章 摄影艺术表现
参考文献

精彩书摘

目前，我们很多人都在使用照相机，照相机已经成为我们生活中的一部分。照相机是用于摄影的工具。物体反射的光线经过照相镜头和控制进光量的快门以后，被摄物体在暗箱内的感光材料上形成潜像，经冲洗处理（即显影、定影）形成固定的影像，这种技术称为摄影术。
最早的照相机结构十分简单，仅包括暗箱、镜头和感光材料。现代照相机比较复杂，具有镜头、光圈、快门、取景、测光、输片、计数、白拍等功能，是一种结合光学、化学、电子技术、精密机械技术的复杂产品。
在公元前400年前，墨子所著《墨经》中已有针孔成像的记载；13世纪，在欧洲出现了利用针孔成像原理制成的映像暗箱，人走进暗箱观赏映像或描画景物；1550年，意大利的卡尔达诺将双凸透镜置于原来的针孔位置上，映像的效果比暗箱更为明亮清晰；1558年，意大利的巴尔巴罗又在卡尔达诺的装置上加上光圈，使成像清晰度大为提高；1665年，德国僧侣约翰设计制作了一种小型的可携带的单镜头反光映像暗箱，因为当时没有感光材料，这种暗箱只能用于绘画。
1822年，法国的尼埃普斯在感光材料上制出了世界上第一张照片，但成像不太清晰，而且拍摄一张照片需要八个小时的曝光。1826年，他又在涂有感光性沥青的锡基底版上，通过暗箱拍摄了一张照片。
1839年，法国的达盖尔发明摄影术，他制成了第一台银版照相机，这台照相机是由两个木箱组成，把一个木箱插入另一个木箱中进行调焦，用镜头盖作为快门，来控制长达30分钟的曝光时间，能拍摄出比较清晰的图像。
一、照相机的种类
随着科技的不断发展和进步，照相机的种类不断推陈出新。目前，常见的照相机分类标准有以下几种。
（一）按胶片画幅
1.小画幅相机
小画幅相机指135相机和APS相机。
常用的为135相机，135相机有单镜头反光照相机和旁轴取景式两种机型。
A。PS照相机可拍摄全幅底片的尺寸为16.7mm×30.2mm的胶片，它可以传递传统摄影所传递的信息影像，但基本上不属于专业摄影领域里的摄影器材。APS是.Advanced Photo System的缩写，是柯达、尼康、佳能、富士、美能达五家公司联手开发的先进摄像系统。其主要特点是机型小巧，使用方便，在扩印或放大时能获得正确的数据，保证了扩放质量和速度。

前言/序言

　　随着科学技术的发展，摄影观念在不断更新，摄影在人们日常生活中的地位越来越重要。为了适应高等院校摄影教育的发展需要，本教材以摄影学习进程为主线，分别从技术与艺术的角度进行阐述。教材具有理论联系实际、实用与艺术相融合的特点，适用于高等院校摄影及相关专业，也适用于广大摄影爱好者。本书内容通俗易懂、贴近生活、便于理解，具有科学性、实用性。整体结构由浅入深，使读者对摄影的逐步发展由基础理论到摄影的造型能力、艺术表现力有较为全面的了解。本教材图文并茂，给读者以更直观、明晰和生动的感受。通过本书研读，可以学会提高摄影艺术表现能力的方法与手段。
　　参加本书编写的人员还有：崔博老师（第七章）、马莹老师（第十章、第十一章）。在本教程编写过程中，参阅了大量中外相关著作，也选用一些国内外摄影家以及天津理工大学艺术学院摄影系学生的作品。此外，张磊老师和贾凡同学也对本书的编写给予很大帮助，在此对他们深表感谢！同时还要感谢辽宁科学技术出版社的编辑以及相关工作人员的大力支持。
　　由于笔者学识所限，时间紧迫，疏漏之处在所难免，恳请同行、专家、读者给予指正。

《摄影艺术教程》 内容简介 本书是一部系统阐述摄影艺术基本理论、技术技法和创作实践的专业教材，旨在为高等院校艺术设计专业的学生提供扎实的摄影基础，培养其独立思考和创新表达的能力，从而适应当代视觉文化发展对摄影人才日益增长的需求。本书内容涵盖了摄影的起源与发展、相机的工作原理、曝光控制、镜头运用、构图法则、色彩理论、光影塑造、后期处理以及不同题材的摄影实践与分析，力求做到理论与实践相结合，兼顾科学性与艺术性，帮助读者建立完整的摄影知识体系。 第一章：摄影的视觉语言：起源、发展与理论溯源 本章将带领读者回顾摄影艺术的诞生与演进历程，从最初的“光影的艺术”出发，深入剖析摄影如何从一种技术手段逐渐发展成为一种独立的艺术门类。我们将追溯摄影在不同历史时期所扮演的角色，以及其如何受到社会、文化、科技等多种因素的影响而不断变革。内容将涉及早期摄影家对摄影语言的探索，如达盖尔、塔尔博特等人的贡献；19世纪末20世纪初，摄影作为一种独立的艺术形式被确立的过程，以及“绘画主义”与“直觉主义”等摄影思潮的兴衰。 随后，我们将聚焦于摄影艺术的核心——视觉语言。这一部分将深入探讨摄影的特有表达方式，例如： 视点与视角： 不同的拍摄角度和高低如何影响画面的空间感、叙事性和情感表达。 焦距与景深： 如何利用不同焦距的镜头选择景物，以及通过景深控制来突出主体、虚化背景，引导观者视线。 光线的捕捉与运用： 光是摄影的灵魂，本节将分析不同性质的光线（自然光、人造光、顺光、逆光、侧光等）如何塑造形体、渲染氛围，并为后续章节的光影塑造打下基础。 色彩的感知与表现： 探讨色彩在摄影中的心理效应和情感传达作用，以及如何运用色彩对比、和谐来增强画面的表现力。 此外，本章还将简要介绍一些重要的摄影美学理论，如“决定性瞬间”（布列松）、“摄影眼”（斯特兰德）、“观看的政治”（贝尔格）等，帮助读者理解摄影作品背后蕴含的哲学思考和艺术理念，从而提升其对摄影艺术的鉴赏能力。 第二章：相机与器材：掌握记录世界的工具 本章是摄影技术实践的基石，旨在帮助读者全面了解和掌握摄影器材的工作原理及使用方法。我们将从最基础的相机类型讲起： 胶片相机与数码相机： 深入对比两者的成像原理、优缺点，以及在现代摄影中的应用差异。 单反相机（DSLR）与无反相机（Mirrorless）： 详细介绍这两种主流数码相机的结构、工作流程、操控特点，以及各自的适用场景。 镜头系统： 涵盖广角镜头、标准镜头、长焦镜头、定焦镜头、变焦镜头等各类镜头的功能特性，以及它们如何影响画面的视角、景深、畸变等。我们将分析不同焦距镜头的最佳使用范围和典型应用，例如风光摄影中的广角、人像摄影中的长焦等。 测光系统与对焦系统： 讲解相机内置测光表的类型、工作原理，以及如何正确理解和使用测光模式（如评价测光、点测光、中央重点测光）来获得准确的曝光。同时，深入阐述自动对焦与手动对焦的模式、对焦点选择以及如何实现精确对焦，尤其是针对运动物体和低光照环境的对焦技巧。 闪光灯与附件： 介绍内置闪光灯和外接闪光灯的使用，包括离机闪光、色温控制、闪光灯指数等。还将涉及三脚架、反光板、滤镜等常用摄影附件的作用和选购建议。 本章的重点在于引导读者通过实践理解器材的性能，学会根据拍摄需求选择合适的器材，并熟练掌握相机各项功能的操作，为后续创作打下坚实的硬件基础。 第三章：曝光的艺术：精准控制光线的奥秘 曝光是摄影技术的核心环节，关乎照片的明暗程度和细节表现。本章将对曝光的原理和控制进行深度剖析： 曝光三角（光圈、快门速度、ISO感光度）： 详细讲解这三个要素之间的相互关系，以及它们如何共同决定最终的曝光量。 光圈（Aperture）： 解释光圈值（f值）的意义，以及大光圈和小光圈对景深、通光量和画面锐度的影响。我们将通过实际案例展示如何利用光圈控制景深来突出主体或营造虚化效果。 快门速度（Shutter Speed）： 阐述快门速度的含义，以及高速快门和慢速快门在定格瞬间、表现运动模糊等方面的作用。我们会提供一些拍摄运动物体（如流水、人物、车辆）的技巧，以及如何利用慢门拍摄星轨、车流等效果。 ISO感光度（ISO Sensitivity）： 讲解ISO值与传感器对光线的敏感程度的关系，以及高ISO带来的噪点问题。我们将讨论如何在光线不足的情况下平衡ISO、光圈和快门速度，以及如何通过后期处理来减轻噪点。 测光模式与曝光补偿： 再次强调不同测光模式的应用场景，并深入讲解曝光补偿的作用。我们将通过示例说明在面对复杂光线环境（如逆光、高光比场景）时，如何通过曝光补偿来获得理想的曝光效果。 直方图分析： 介绍直方图作为判断曝光准确性的重要工具，并讲解如何解读直方图来避免过曝和欠曝，从而保留更多的画面细节。 白平衡（White Balance）： 讲解不同光源下的色温差异，以及白平衡设置如何影响照片的色彩表现。我们将介绍自动白平衡、预设白平衡和自定义白平衡的使用方法，并讨论如何在后期调整白平衡。 本章的目的是让读者深刻理解曝光的内在逻辑，掌握精准控制光线的技巧，避免照片出现曝光不足或过曝的情况，为拍摄出清晰、细节丰富的照片奠定基础。 第四章：构图的语言：构建视觉秩序与情感 构图是摄影作品的骨架，决定了画面的结构、引导了观者的视线。本章将系统介绍构图的基本法则和高级技巧： 黄金分割与三分法： 讲解这两种最常用且有效的构图法则，以及如何将画面划分为若干区域，将主体放置在交叉点或线上，以获得和谐、平衡且富有动感的画面。 引导线（Leading Lines）： 介绍如何利用画面中的线条（如道路、河流、建筑线条）来引导观者的视线，使其自然地聚焦于画面主体。 框架构图（Framing）： 讲解如何利用前景的元素（如门框、窗户、树枝）来创造一个“画中画”的效果，增强画面的层次感和纵深感。 对称与平衡： 探讨对称构图带来的稳定感和秩序感，以及如何打破常规的对称来营造动态的平衡。 留白与负空间（Negative Space）： 解释留白的作用，如何通过大面积的留白来突出主体，营造宁静、简洁的氛围。 透视（Perspective）： 讲解如何利用低角度、高角度、仰视、俯视等不同的拍摄角度来改变画面的透视效果，从而产生视觉冲击力或营造特定的情感氛围。 重复与图案： 介绍如何捕捉画面中的重复元素和形成的图案，以增强画面的节奏感和视觉吸引力。 节奏与韵律： 探讨如何通过元素的排列、色彩的运用、光影的对比来营造画面的节奏感和视觉韵律。 本章将结合大量范例，深入浅出地讲解各种构图方法，鼓励读者在实践中尝试和创新，逐渐形成自己独特的构图风格。 第五章：光影的塑造：捕捉与创造视觉张力 光影是摄影表现力的关键，它不仅能勾勒物体的轮廓，更能营造氛围，传达情感。本章将深入探讨光影在摄影创作中的运用： 不同光线的特性与应用： 自然光： 详细分析不同时段（日出、日落、正午）的自然光特点，以及散射光、直射光的区别。例如，午后柔和的侧光适合人像拍摄，早晨或傍晚的金黄光线适合风光摄影。 人造光： 介绍室内光、灯光等各种人造光源的特性，以及如何利用它们来控制光线方向、强度和色温。 光线的方向与效果： 顺光（Front Light）： 优点是曝光均匀，色彩饱和，适合记录细节；缺点是缺乏立体感。 侧光（Side Light）： 能够突出物体的质感和立体感，制造阴影，增加画面的戏剧性。 逆光（Back Light）： 能够勾勒出物体的轮廓，产生剪影效果，或营造“轮廓光”和“发丝光”，增加梦幻感。 顶光（Top Light）： 容易造成眼部阴影，显得人物不精神，需要谨慎使用或进行补光。 底光（Bottom Light）： 产生戏剧性的恐怖效果，不常用。 阴影的运用： 阴影是光影不可分割的一部分，本节将讲解如何利用阴影来增加画面的深度、暗示物体的体积感，以及营造神秘、压抑或宁静的氛围。 光线的质感： 区分硬光（如阳光直射）和软光（如阴天或通过柔光罩的光线），以及它们对画面细节、色彩和氛围的影响。 光影的创造与引导： 讲解如何通过道具、反光板、柔光布等辅助工具来控制和塑造光线，以及如何利用光影的明暗对比来引导观者的视线，突出主体。 本章将强调光影不仅是记录，更是塑造。通过对光影的深入理解和巧妙运用，读者将能够赋予照片更强的艺术表现力和情感张力。 第六章：色彩的语言：调和视觉情感的基石 色彩是摄影作品中最直观、最有感染力的元素之一。本章将带领读者深入理解色彩的原理及其在摄影中的应用： 色彩的基本理论： 色相、明度、饱和度： 讲解色彩的三要素，以及它们如何影响我们对颜色的感知。 三原色与三间色、二次色： 介绍色彩混合的基本原理，并将其与摄影中的色彩表现联系起来。 色彩的心理学效应： 探讨不同颜色所引发的心理感受，例如红色代表热情、危险，蓝色代表冷静、忧郁，黄色代表温暖、愉悦等。 色彩的搭配法则： 对比色： 讲解互补色、冷暖色对比如何产生强烈的视觉冲击力和动感。 同类色与邻近色： 介绍相近的颜色搭配如何营造和谐、统一、宁静的氛围。 渐变色： 探讨色彩由浅入深或由深至浅的变化，如何增强画面的层次感和流动感。 色彩的氛围营造： 举例说明如何运用特定色调（如暖色调、冷色调、单色调）来营造特定的情感氛围，例如温暖的黄昏、冷峻的冬景。 白平衡与色彩倾向： 再次强调白平衡对色彩准确性的重要性，并讨论如何在拍摄或后期中调整色彩倾向，以达到预期的艺术效果。 后期色彩调整： 简要介绍后期处理软件中调整色彩的工具，如色相/饱和度、色彩平衡、曲线等，以及如何运用它们来增强或改变照片的色彩表现。 本章的目标是让读者不仅能“看到”色彩，更能“理解”色彩，并学会运用色彩这个强大的视觉工具来表达情感、烘托主题。 第七章：摄影的实践：探索不同题材的创作路径 理论与实践并重，本章将聚焦于摄影创作的实际应用，通过分析不同摄影题材的特点和创作方法，引导读者进行有针对性的练习。 人像摄影： 肖像摄影： 探讨如何捕捉人物的表情、神态，以及通过构图、用光、背景的选择来塑造人物形象。 环境人像： 学习如何将人物置于特定的环境中，以表现人物的身份、职业或生活状态。 艺术人像： 探索更具实验性和创意性的人像拍摄手法，如创意化妆、道具运用、抽象表达等。 风光摄影： 自然风光： 学习如何捕捉山川、河流、森林、海洋等自然景观的壮丽与秀美，关注光线、季节、天气变化对画面的影响。 城市风光： 探讨拍摄城市建筑、街道、夜景的技巧，以及如何表现城市的活力与节奏。 抽象风光： 鼓励读者尝试用独特的视角和构图来表现风光作品的内在意境。 纪实摄影： 新闻摄影： 强调新闻摄影的时效性、客观性和故事性，学习如何快速捕捉关键瞬间。 社会纪实： 探讨如何通过镜头记录社会现象、人物命运，表达人文关怀。 街头摄影： 鼓励在日常生活中发现和记录有意思的瞬间，捕捉人与环境的互动。 静物摄影： 产品摄影： 学习如何清晰、准确地展示产品的特点和质感，满足商业需求。 艺术静物： 探讨如何通过对物体摆放、光影的艺术处理，赋予静物画面以生命和意境。 食物摄影： 学习如何通过构图、光线和后期来拍摄诱人的食物照片。 其他题材： 简要介绍建筑摄影、运动摄影、微距摄影、星空摄影等，并提供入门级的指导。 本章的重点在于引导学生从模仿走向创造，鼓励他们结合自身兴趣，选择特定的摄影方向，并通过大量的实践来巩固所学知识，形成自己的创作风格。 第八章：后期处理：数字时代的影像魔法 数字技术极大地拓展了摄影的表现力，后期处理已成为现代摄影不可或缺的环节。本章将介绍后期处理的基本流程和常用技法： 摄影后期处理的理念与伦理： 探讨后期处理的目的是完善和提升，而非凭空捏造。强调在尊重事实的前提下进行艺术加工。 常用后期处理软件介绍： 重点介绍Adobe Photoshop和Adobe Lightroom两款主流软件的基本界面、工作流程和核心功能。 RAW格式的重要性： 讲解RAW格式相对于JPEG格式在后期处理中的优势，以及如何优化RAW文件的导出设置。 基础图像调整： 曝光与对比度： 学习如何精细调整画面的明暗关系，提升层次感。 白平衡与色彩： 掌握准确还原或调整色彩的方法，运用色彩平衡、色相/饱和度等工具。 裁剪与矫正： 学习如何通过裁剪优化构图，以及如何矫正镜头的畸变和倾斜。 锐化与降噪： 讲解如何在不损失过多细节的情况下提高图像的清晰度，以及如何减轻噪点。 局部调整与蒙版： 介绍如何使用选区、蒙版等工具对图像的局部区域进行精细调整，实现更具创意的效果。 图层与混合模式： 深入理解图层的概念，以及不同混合模式的应用，为复杂图像的合成和创意处理打下基础。 人像后期： 重点介绍皮肤修饰（磨皮、祛痘）、眼神光、美颜等技巧，以及如何避免过度修饰。 艺术效果与创意合成： 简要介绍如何运用滤镜、笔刷、素材合成等方法，创作具有独特艺术风格的作品。 输出与归档： 讲解照片在不同媒介（屏幕显示、打印输出）下的色彩管理和文件格式选择，以及如何进行有效的图像归档。 本章旨在帮助读者掌握数字影像的后期处理技能，使其能够充分发挥数字相机的潜力，创造出更具表现力和艺术感染力的摄影作品。 结语 《摄影艺术教程》旨在为每一位热爱摄影、致力于在艺术设计领域发展的学子提供一份坚实可靠的指引。通过对本书内容的深入学习和反复实践，我们相信读者将能够逐步掌握摄影的精髓，培养敏锐的观察力、独特的审美眼光和创新的艺术思维，成为一名优秀的视觉创作者。摄影是一场永无止境的探索之旅，愿本书成为您在这条道路上重要的起点和可靠的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《摄影艺术教程》，就有一种如获至宝的感觉。作为一本由全国高等院校艺术设计专业规划教材，它的内容质量和专业性毋庸置疑。我之前接触过的很多摄影书籍，要么过于注重器材介绍，要么就过于偏向个人风格，而这本书却恰恰找到了一个很好的平衡点，它既有扎实的理论基础，又有丰富的实践指导。我尤其欣赏书中对于“构图”的讲解，它不仅仅是罗列了各种构图原则，更重要的是，它引导我去思考“为什么”要这样构图，不同的构图方式会带来怎样的视觉感受和情感传达。书中通过大量不同风格的优秀摄影作品，分析了构图如何引导观者的视线，如何突出主体，如何营造画面的平衡感和节奏感。我记得其中有一张关于建筑摄影的作品，作者巧妙地利用了垂直线条和重复的几何形状，来强调建筑的宏伟和秩序感，这让我对构图有了更深的理解。此外，书中对于“用光”的讲解也极其到位，它不仅仅介绍了各种用光技巧，更重要的是，它引导我去思考“光线”本身所能带来的情感和情绪。比如，它分析了如何利用柔和的光线来营造温馨的氛围，如何利用硬光来突出物体的质感和力量感。这本书让我觉得，摄影不仅仅是记录，更是通过光影和构图来表达作者思想和情感的艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本《摄影艺术教程》的封面设计就散发出一种沉静而专业的学术气息，暗色的主调搭配简洁的字体，让人一眼就能感受到其作为“十一五”全国高等院校艺术设计专业规划教材的权威性。翻开书页，首先映入眼帘的是清晰的目录，将整个摄影艺术的学习脉络梳理得井井有条，从最基础的相机操作、曝光原理，到构图、用光、色彩，再到各类摄影题材的深入探讨，最后辅以影像后期处理和摄影史的概述，每一个环节都显得那么重要且不可或缺。我尤其喜欢它在讲解基础知识时，并没有一味地堆砌理论，而是大量运用图例进行辅助说明，那些来自不同年代、不同风格的优秀摄影作品，不仅直观地展示了理论的实际应用，更激发了我对摄影创作的无限想象。当我阅读到关于景深控制的部分，书中详细解释了光圈、焦距和物距如何影响景深，并且配上了不同景深效果的对比图片，让我这个之前对这些概念感到模糊的初学者，一下子茅塞顿开，仿佛掌握了一项重要的魔法。同时，书中对于摄影师心理素质的培养，以及如何在快节奏的现代生活中寻找拍摄灵感，也进行了细腻的阐述，这让我意识到，摄影不仅仅是技术，更是一种生活态度和观察世界的方式。我还在“用光”这一章节中，学习到了如何利用自然光和人造光来塑造画面氛围，书中关于“伦勃朗光”、“蝴蝶光”等经典布光方式的讲解，配以详细的打光示意图，让我对光影的理解提升了一个维度。总而言之，这本书为我打开了一扇通往摄影艺术殿堂的大门，它既有严谨的学术深度，又不失对艺术情怀的培养，是一本真正能带领我从“按下快门”走向“创作思考”的优秀教材。

评分☆☆☆☆☆

这本《摄影艺术教程》对我来说，就像是黑暗中的一盏明灯，指引着我在摄影的道路上前进。我之前学习摄影，总觉得自己在技术上好像懂了一些，但一到实际拍摄，就抓不住重点，拍出来的照片总是显得平淡无奇。这本书的出现，让我看到了症结所在。它的内容非常全面，而且讲解得非常透彻。我最喜欢的部分是关于“构图”的讲解，它不仅仅是列举了各种构图法则，更重要的是，它引导我去思考“为什么”要运用某种构图。书中通过大量不同风格的摄影作品，分析了构图如何影响画面的节奏、情绪和故事性。我记得其中有一张静物摄影作品，作者巧妙地运用了黄金分割比例，将主体放置在视觉黄金点上，并通过背景的虚化和前景的引导线，让画面显得既和谐又富有张力，这让我对构图有了全新的认识。这本书还非常注重对摄影师“观察力”和“审美力”的培养。它鼓励我去留意生活中的细节，去发现那些容易被忽略的美。比如，在讲到“光影”的时候，它让我意识到，光影不仅仅是简单的明暗对比，更是能够塑造画面情绪和表达主题的重要元素。书中关于“侧光”的运用，如何通过塑造物体的立体感和纹理，来增强画面的质感和表现力，这一点对我来说非常有启发。总之，这本书让我觉得，摄影是一门需要不断学习和实践的技艺，而这本书，无疑是我提升摄影水平的绝佳助手。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在校的艺术设计专业的学生，我接触过不少摄影类的书籍，但不得不说，这本《摄影艺术教程》是我迄今为止阅读过的最系统、最专业的一本。它不仅仅是一本“如何拍照”的书，更是一本“如何思考摄影”的书。书中的内容涵盖了摄影的方方面面，从最基础的相机原理、曝光补偿，到复杂的构图技巧、色彩理论，再到不同题材的拍摄方法，几乎无所不包。我特别喜欢它对于“构图”的讲解，不仅仅停留在表面规则的介绍，而是深入到构图背后所传达的情感和意义。比如，在讲解“引导线”的时候，它就分析了不同的引导线是如何将观众的视线引向画面的主体，从而增强画面的纵深感和故事性。书中大量的图例，都是经过精心挑选的优秀摄影作品，并且配有详细的讲解，让我能够直观地理解理论知识在实践中的应用。我记得其中一张照片，是拍摄海边日落的，书中分析了如何利用海岸线作为引导线，如何运用色彩的渐变来营造出宁静而壮丽的氛围，这让我对“情境”的营造有了更深的理解。此外，书中对于“用光”的讲解也极其深入，它不仅仅介绍了顺光、侧光、逆光等基本用光方式，更重要的是，它引导我去思考“光线”本身所能带来的情感和情绪。比如，它分析了如何利用柔和的光线来营造温馨的氛围，如何利用硬光来突出物体的质感和力量感。这本书让我觉得，摄影不仅仅是记录，更是通过光影和构图来表达作者思想和情感的艺术。

评分☆☆☆☆☆

我一直对摄影有着浓厚的兴趣，但总感觉自己停留在“拍得清楚”的层面，无法拍出真正有感染力的照片。这本《摄影艺术教程》的出现，就像为我打开了一扇新世界的大门。它的内容非常丰富，而且讲解得深入浅出，每一个知识点都配有大量的插图和案例分析，这对于我这样一个视觉型学习者来说，简直是福音。我最开始被吸引的是关于“曝光控制”的那一部分。书中用非常形象的比喻，比如“水桶取水”来解释快门速度、光圈和ISO之间的关系，让我一下子就明白了它们如何协同工作来决定一张照片的曝光程度。而且，它不仅仅是讲解了“如何曝光”，更重要的是讲解了“为什么这样曝光”，以及不同的曝光设置会带来怎样的画面效果。比如，在讲解大光圈小景深的时候，它给出了大量人物肖像的范例，如何通过模糊背景来突出人物的立体感和主体性，这让我之前对虚化背景的困惑迎刃而解。这本书还非常注重对摄影师“观察力”的培养。在“捕捉决定性瞬间”的章节里，它分析了许多经典街头摄影作品，教我如何去留意生活中的细节，如何预判事物的发生，以及如何在瞬间按下快门，捕捉到那个最具冲击力和故事性的时刻。这一点对我来说非常有启发，让我意识到摄影不仅仅是技术，更是一种对生活的敏锐感知。我还特别喜欢书中关于“黑白摄影”的讲解，它不仅仅是简单地把彩色照片去色，而是深入分析了黑白摄影如何通过光影、线条和质感来传递情感，如何让画面更具形式感和抽象美。这本书让我觉得，摄影是一门需要不断学习和实践的艺术，而这本书，无疑是我学习道路上最宝贵的启蒙老师。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本《摄影艺术教程》之前，对摄影的理解还停留在“能拍清楚”的阶段。这本书的出现，彻底颠覆了我的认知。它的内容非常丰富，而且讲解得深入浅出，每一个知识点都配有大量的插图和案例分析，这对于我这样一个视觉型学习者来说，简直是福音。我最开始被吸引的是关于“曝光控制”的那一部分。书中用非常形象的比喻，比如“水桶取水”来解释快门速度、光圈和ISO之间的关系，让我一下子就明白了它们如何协同工作来决定一张照片的曝光程度。而且，它不仅仅是讲解了“如何曝光”，更重要的是讲解了“为什么这样曝光”，以及不同的曝光设置会带来怎样的画面效果。比如，在讲解大光圈小景深的时候，它给出了大量人物肖像的范例，如何通过模糊背景来突出人物的立体感和主体性，这让我之前对虚化背景的困惑迎刃而解。这本书还非常注重对摄影师“观察力”的培养。在“捕捉决定性瞬间”的章节里，它分析了许多经典街头摄影作品，教我如何去留意生活中的细节，如何预判事物的发生，以及如何在瞬间按下快门，捕捉到那个最具冲击力和故事性的时刻。这一点对我来说非常有启发，让我意识到摄影不仅仅是技术，更是一种对生活的敏锐感知。我还特别喜欢书中关于“黑白摄影”的讲解，它不仅仅是简单地把彩色照片去色，而是深入分析了黑白摄影如何通过光影、线条和质感来传递情感，如何让画面更具形式感和抽象美。这本书让我觉得，摄影是一门需要不断学习和实践的艺术，而这本书，无疑是我学习道路上最宝贵的启蒙老师。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我近段时间在艺术设计领域遇到的最令我惊喜的一本教材了。作为一名正在学习摄影课程的学生，我之前接触过的很多摄影书籍，要么过于偏重技术参数的堆砌，显得枯燥乏味；要么就过于强调艺术感，但缺乏系统性的指导。而这本《摄影艺术教程》却恰恰找到了一个绝佳的平衡点。它的内容编排非常注重逻辑性，从摄影的起源讲到当代的摄影发展，再到具体的拍摄技巧和后期处理，层层递进，循序渐进，让我这个基础薄弱的学习者也能毫不费力地跟上节奏。我尤其欣赏书中对于“构图”部分的讲解，它不仅仅是罗列了三分法、黄金分割等常见的构图原则，更重要的是，它引导我去思考“为什么”要这样构图，构图的不同方式会对画面传达的情感产生怎样的影响。书中通过大量不同类型的优秀摄影作品，分析了构图如何引导观者的视线，如何突出主体，如何营造画面的平衡感和动感。我记得其中有一个案例，分析了一张街头纪实摄影作品，通过对画面中人物眼神、肢体语言以及背景元素巧妙的构图，生动地展现了一个故事的瞬间，这让我深刻体会到构图不仅仅是形式上的规则，更是内容传达的有力工具。此外，书中对于“色彩”的阐述也极其到位，它不仅仅讲解了色彩理论，更重要的是结合摄影实践，分析了不同色彩搭配在照片中可能产生的心理效应和艺术效果，并提供了大量色彩运用得当的范例，让我对如何运用色彩来提升画面的感染力有了全新的认识。这本书让我觉得，摄影不再是遥不可及的艺术，而是可以通过系统学习和反复练习，掌握的实用技能，并且能够深刻地表达自己内心世界的语言。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得摄影是一门既神秘又充满魅力的艺术，但苦于没有系统性的指导，总是不得其法。这本《摄影艺术教程》的出现，彻底改变了我的困境。它就像一本摄影百科全书，包含了从入门到进阶的方方面面。我特别喜欢书中关于“色彩理论”的讲解，它不仅仅是讲解了冷暖色、对比色等基本概念，更重要的是，它结合了大量的摄影作品，分析了色彩在画面中如何影响情绪、传递信息，以及如何运用色彩来营造特定的氛围。比如，它分析了一张夕阳下的风景照，如何利用暖色调来渲染出温馨、浪漫的感觉，而一张阴雨天的街景照，则通过冷色调来表现出城市的疏离和压抑。这种将理论与实践相结合的讲解方式，让我受益匪浅。此外，书中对于“光线”的运用也进行了非常细致的讲解。它不仅仅介绍了自然光和人造光的特点，更重要的是，它引导我去思考如何利用光线来塑造物体的质感、立体感，以及如何利用光影来营造画面的戏剧性。我记得书中有一张关于人物肖像的照片，摄影师巧妙地利用侧光，勾勒出人物面部的轮廓和眼神的光泽，让画面充满了故事感。这本书让我觉得，摄影是一门需要不断学习和探索的艺术，而这本书，无疑是我探索艺术道路上的最佳指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的厚度和内容质量，完全对得起它“十一五”全国高等院校艺术设计专业规划教材的 title。翻开这本书，首先感受到的是一种严谨而系统的编排。它不是一本随意拼凑的摄影技巧集，而是将摄影艺术从理论到实践，从基础到进阶，都进行了非常扎实的梳理。我尤其欣赏的是它在讲解基础理论时，对于“曝光三角”的阐述，用了很多生动形象的比喻，比如“水杯盛水”，让我这个之前对光圈、快门、ISO三个参数总是傻傻分不清的人，一下子就豁然开朗，明白了它们之间微妙而又重要的联系。而且，这本书不仅仅是告诉你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做”。比如，在讲解“景深”的时候，它不仅仅介绍了光圈大小如何影响景深，还深入分析了不同景深效果在不同题材摄影中的应用，比如人像摄影中常使用的大光圈来营造虚化背景，突出主体，而风光摄影中则多使用小光圈来保证画面清晰度和景深。大量的优秀摄影作品作为案例，配合详细的分析，让我能够真正地“看懂”照片，理解摄影师的意图。我记得书中有一张关于城市夜景的拍摄，书中详细分析了如何通过调整曝光和白平衡来捕捉城市的光影魅力，以及如何通过构图来展现城市的繁华与孤独。这本书让我觉得，摄影不仅仅是按下快门，更是一种对世界的观察、理解和再创造。

评分☆☆☆☆☆

收到这本书的时候，我就被它厚实的体量和精美的排版所吸引。作为一本全国高等院校艺术设计专业规划教材，它的内容组织果然是严谨而系统的。我非常喜欢它从最基础的相机操作和摄影原理讲起，循序渐进，一点点地引导我进入摄影的世界。书中对于“曝光”的讲解，用了非常多的图示和表格，让我这个之前对曝光组合感到头疼的学生，能够非常清晰地理解光圈、快门速度和ISO三者之间的关系，以及它们如何共同影响照片的最终效果。而且，它不仅仅是讲解了“如何控制曝光”，更重要的是，它引导我去思考“为什么”要这样曝光，不同的曝光设置会带来怎样的画面意境。我记得书中有一页专门讲到“利用景深来突出主体”，配上了多张不同光圈设置下的人物照片，清晰地展示了背景虚化的程度，让我瞬间明白了如何运用景深来引导观众的视线，突出拍摄对象。这本书还对各种摄影题材进行了深入的分析，比如人像摄影、风光摄影、静物摄影等等，并且提供了大量的优秀作品作为范例，让我能够学习到不同题材的拍摄技巧和表现手法。我尤其对书中关于“街头摄影”的讲解印象深刻，它不仅教我如何捕捉瞬间，更强调了对社会现象和人文关怀的观察，这让我觉得摄影不仅仅是技术，更是一种记录和表达社会的方式。