摄影的极简主义 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[英] 史蒂夫·约翰逊 著，张靓 译

图书标签:

• 摄影
• 极简主义
• 构图
• 光影
• 黑白摄影
• 简约
• 艺术
• 摄影技巧
• 视觉
• 美学

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787517900498

版次：1

商品编码：11398341

包装：平装

开本：32开

出版时间：2014-01-01

用纸：铜版纸

页数：192

字数：130000

正文语种：中文

编辑推荐

　　

　　极简主义是一种看似简单实为追求，它秉承了一种简约的设计风格。这类摄影作品在感官上会带给你简洁之美，但细细品味却更多地体现了一种思想上的优雅。

内容简介

　　《摄影的极简主义》包含了极简主义摄影的全部内容，证明了使用相对便宜的设备也完全可以拍摄出好照片。
　　在随后的章节中，作者对各类相机的论述，会使你明白为何最大或最昂贵的器材并不总是最好的，也会使你了解到极简主义摄影的拍摄工作流程。此外，本书还对摄影史做了简短的讲解，并就未来摄影艺术形式进行了阐述。

作者简介

　　史蒂夫·约翰逊，一位爱摄影的画家。在过去的10年中，他已经成了一名专业摄影师，其独特的极简主义风格源于他的摄影理念，即被摄主体本身并不像诸如构图、色调和线条等美学因素那样重要。
　　史蒂夫曾在大西洋和中东学习视觉艺术，并进行了有关商业艺术项目的创作。他与他的妻子梅格·沃尔夫拥有一家专门从事绘画和摄影的艺廊，其作品也曾在美国和英国展出，是一位在美国中西部生活和工作的英国人。

内页插图

目录

前 言
第一章 你
因此你希望拍摄更好的照片
为什么你想要拍摄照片？
你现在是哪种类型的摄影师？
你会成为哪种类型的摄影师？
影廊1：仅限本质

第二章 极简主义方法
器 材
工作流程
我的工作流程
拍摄对象和构图
观 察
取 景
影廊2：表面

第三章 基本原理
何谓摄影？
曝光说明
孔 径
快门速度
感光度
相机怎样知道该让多少光线进入？
涉及曝光的色调的重要性
光线测量方法
平均测光
点测光
中央重点测光
场景/ 评价测光及其他
实用范例
一位极简主义摄影师眼中的曝光原理
影廊3：铁轨

第四章 相机
摄影器材产业
相机评论
选择你的相机（不要让它挑选你）
相机类型
数码单反相机
全自动相机
微型4/3 系统相机
其他无反射镜可换镜头相机
测距相机
玩具相机
手机相机
影廊4：建筑构件

第五章 光线
硬光、柔光和阴影
一些便宜的影棚器材替代品
照 明
简易漫射屏
简易反光板
便宜三脚架
台式摄影或产品摄影
色 温
影廊5：进入光线

第六章 构图和美学
构 图
黄金分割法
主线条
平 衡
正空间和负空间
比 例
线条、形状、色调和颜色
关于构图更多的思考
极简主义和构图
美 学
艺术和设计之间的区别
影廊6：窗帘

第七章 摄影哲学
利用他人的智慧
通过高动态范围影像（HDR）评估走向极简主义
影廊7：脱离环境

第八章 摄影史
选择性时间轴
早期发展
胶片相机
数码单反相机
全自动相机
拍照手机
电脑和网络
美学史
画意主义
现代主义
后现代主义
阿尔弗雷德·施蒂格里茨
扩展阅读
影廊8：挑选一种颜色

第九章 下一步是什么？
转 变
脸谱效果
谁将成为新掌门人？
这些变化会如何影响你？
未 来
决定性瞬间的终结？
网络世界
最大的变化
影廊9：热狗餐厅

前言/序言

摄影的极简主义 探寻光影的纯粹之境 摄影，这项捕捉瞬间、定格情感的艺术，在无数风格与流派中不断演化。而“摄影的极简主义”，它并非一种技巧的固化，更非对繁复元素的刻意排斥，而是一种对视觉语言深度挖掘的哲学思考，一种对构成元素极致提炼的艺术追求。它旨在剥离表象的喧嚣，直抵事物本质的纯粹，以最精炼的画面语言，唤醒观者内心深处最直接的触动。 这本书，将带领你踏上一场探寻光影纯粹之境的旅程。我们不会纠缠于器材的参数，不会淹没于复杂的后期处理，而是将目光聚焦于摄影最核心的两个要素：光与影，以及它们在二维平面上的无限可能。我们将一同审视那些看似简单，却蕴含无穷力量的画面，理解为何它们能够如此有力地抓住我们的视线，并引发深刻的共鸣。 第一章：极简的哲学根源——何为“少即是多” 在深入摄影实践之前，理解极简主义背后的哲学思想至关重要。本书将从“少即是多”的经典命题出发，探讨其在不同艺术领域，尤其是在设计和绘画中的应用。我们将追溯极简主义的起源，从包豪斯学派的理性主义，到禅宗的空寂之美，理解这种追求简洁、本质、去除冗余的精神如何渗透到视觉艺术之中。 “少即是多”的演变： 从功能主义到美学表达，理解极简主义在不同时代背景下的意义。 禅意与东方美学： 探索东方哲学中对留白、虚实、意境的追求，及其与摄影极简主义的共通之处。 去除杂念的视角： 学习如何分辨画面中的“必须”与“可以舍弃”的元素，培养纯粹的视觉判断力。 情绪的放大器： 理解极简画面如何通过削减干扰，将观众的情绪引导至被聚焦的核心。 第二章：光影的语言——构图的呼吸与留白 在极简主义摄影中，构图不再是简单的元素堆砌，而是经过深思熟虑的“减法”。我们会深入探讨如何运用线条、形状、色彩以及最重要的——留白，来构建引人入胜的画面。光影的运用将是这一章的核心，因为它本身就构成了极简画面的骨架和灵魂。 线条的力量： 从直线、曲线到对角线，理解不同线条在引导视线、塑造空间感上的作用。 形状的对话： 几何图形、有机形状，以及它们如何通过简洁的组合传递信息。 色彩的克制与点缀： 学习如何运用有限的色彩，或通过单色调来突出主体，或以一抹亮色制造视觉焦点。 留白艺术的精髓： 探索留白如何创造呼吸感，给予画面空间，引导观众的想象，并提升画面的意境。 光影的雕塑感： 学习利用自然光或人造光，通过阴影和高光的对比，勾勒出物体的轮廓和质感。 主体与背景的平衡： 如何通过构图的精炼，让主体脱颖而出，背景成为衬托而非干扰。 第三章：主题的提炼——从杂乱到聚焦 许多摄影师在面对复杂场景时，往往会陷入“拍得太多”的困境。极简主义摄影的核心技能之一，便是如何从纷繁的世界中提炼出最核心的主题，并用最简洁的方式呈现。 观察力的训练： 培养敏锐的观察力，在日常生活中发现那些被忽略的美好和不寻常之处。 “故事”的简化： 理解如何在有限的画面中，用最少的元素讲好一个故事，或传达一种情绪。 寻找“独特视角”： 尝试改变拍摄角度、距离，发现事物隐藏的简洁之美。 “减法”构图的实践： 通过镜头语言，主动排除不必要的干扰，将画面聚焦于最有价值的信息。 意象的捕捉： 学习捕捉能够象征更深层含义的意象，让画面超越字面意思。 第四章：极简的场景——自然、城市与人物 极简主义并非局限于特定的拍摄题材，它是一种贯穿于所有拍摄对象的视角。本章将结合实际案例，展示如何在自然风光、城市建筑，乃至人物肖像等不同场景中实践极简主义。 自然风光中的极简： 寻找天空、大地、水面的纯粹形态，利用天气和光线创造极简的意境。 天空的画布： 蔚蓝的天空、变幻的云层，以及它们与地平线形成的简洁构图。 海岸线的力量： 海水、沙滩、岩石，以及它们在光影下的抽象形态。 极简的森林： 树干的线条、光影的斑驳，以及大面积的绿色或褐色。 雪景的纯净： 白色世界中的轮廓、光影，以及寂静的氛围。 城市建筑的几何之美： 捕捉建筑的线条、重复的图案、光影在墙面上的投射，展现城市的抽象韵律。 建筑的轮廓： 简洁的线条，对称或非对称的几何结构。 重复与节奏： 窗户、阳台、柱子的排列，形成视觉上的韵律感。 光影的游戏： 阳光或路灯在现代建筑上的投射，勾勒出抽象的几何图形。 城市的留白： 空旷的广场、宁静的街角，以及它们在喧嚣都市中的独特存在。 人物肖像的内心独白： 剥离繁复的背景和装饰，用简洁的构图和光影，聚焦人物的神态、情绪和内在力量。 面部细节的特写： 眼睛、嘴唇、表情，捕捉最真实的瞬间。 轮廓与剪影： 利用光影勾勒人物的外部形态，营造神秘感或力量感。 简洁的背景： 纯色墙壁、模糊的景深，将观众的注意力完全集中在人物身上。 肢体语言的表达： 通过人物的姿态、手势，传递无声的情感。 第五章：后期处理的“不痕迹”——让画面说话 在极简主义摄影中，后期处理并非为了“创造”画面，而是为了“优化”画面，让其更接近摄影师最初的构想，并去除可能存在的干扰。本书将强调“不痕迹”的处理理念，让观众感受不到人工的雕琢，只感受到画面的纯粹。 去除干扰： 学习如何通过裁剪、污点修复等工具，清除画面中的杂物和不必要元素。 色彩的协调： 调整白平衡、曝光、对比度，让色彩更加和谐统一，符合极简的美学追求。 光影的强化： 适度调整高光和阴影，突出画面质感和立体感，但避免过度夸张。 保持自然： 强调“适度”原则，避免过度锐化、饱和度调整，力求画面呈现出自然真实的状态。 黑白的力量： 深入探讨黑白摄影在极简主义中的独特优势，以及如何通过黑白影调来强化画面的结构和情感。 第六章：案例分析与实践指导 本书将精选一系列不同风格的极简主义摄影作品，从大师之作到当代佳作，进行详细的解读和分析。我们将剖析这些作品的构图、光影运用、主题表达，以及它们为何能够获得成功。同时，也将提供一系列实践指导，鼓励读者在日常生活中进行大量的拍摄和尝试。 经典作品赏析： 分析安塞尔·亚当斯、爱德华·韦斯顿、布列松等摄影大师的极简主义视角。 当代极简摄影师作品解读： 学习新一代摄影师如何在现代语境下创新极简摄影。 实践挑战： 设定一系列拍摄主题和构图练习，帮助读者巩固所学知识。 建立个人风格： 鼓励读者在理解基本原则后，探索属于自己的极简主义表达方式。 结语：回归视觉本质，感受纯粹之美 “摄影的极简主义”并非一套僵化的规则，而是一种开放的思维方式，一种对视觉本质的不断探索。它鼓励我们放慢脚步，用心去观察，用镜头去简化，用光影去构建。通过这本书，我们希望你能解锁一种全新的摄影视角，在喧嚣的世界中，寻找到属于自己的那份宁静与纯粹，创造出那些能够触动人心的、经得起时间考验的简洁而有力的画面。愿你的镜头，能够捕捉到更多“少”中的“多”，感受那些被忽略的美丽，并用你独特的方式，去讲述光影的纯粹故事。

评分☆☆☆☆☆

这本《零度视界》的排版和装帧简直是艺术品级别的。那种厚重却不失轻盈的纸张质感，油墨散发出的淡淡的植物香气，都与书中倡导的理念完美契合。我通常对国内摄影书籍的纸质要求比较挑剔，但这本书的印刷质量足以媲美一些国际大厂的限量版画册。内容上，作者似乎对“冗余”怀有一种近乎偏执的厌恶。他不是简单地批判过度处理，而是系统性地拆解了视觉信息是如何在传递过程中产生损耗的。最让我受益匪浅的是他提出的一套“三要素提纯法”。这个方法论非常实用，它指导我在面对复杂的场景时，首先要迅速锁定画面中最核心的三个视觉元素（不必是物体，可以是光、影、线条或情绪），然后强迫自己将其他所有干扰项全部剥离。这种自上而下的结构化思维训练，极大地提高了我的拍摄效率和作品的聚焦度。我尝试运用这个方法去拍摄日常的街景，效果立竿见影——那些以前被我忽略的、转瞬即逝的几何关系和光影对话，突然间变得无比鲜明和有力。这本书更像是一位严厉但充满耐心的导师，在你懈怠时帮你掸去身上的灰尘，让你时刻保持在创作的“最佳状态”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是一绝，那种留白的处理，色彩的搭配，都透露出一种克制而高级的美感，让人一上手就感觉抓住了某种重要的“度”。我本来对摄影理论类的书籍抱着一种敬而远之的态度，总觉得它们会充斥着晦涩难懂的专业术语，或者陷入那种过度技术化的泥潭。但是，《光影的低语》这本书完全颠覆了我的预期。它更像是一本关于“观看”的哲学著作，而不是一本教你如何设置光圈快门的工具书。作者对“瞬间”的捕捉，对“主体”的提炼，那种近乎禅意的描述，简直让人醍醐灌顶。尤其是其中关于“负空间”的探讨，我以前总觉得那不过是构图里一个可有可无的元素，读完之后才明白，那些留白才是真正让画面呼吸起来的地方。书里穿插着一些看似随意的、但每一张都经过精心挑选的黑白照片，它们没有炫技般的锐利和高饱和度，反而有一种穿越时空的力量感，仿佛作者在用最少的笔墨，描绘出最深远的情感。我甚至开始重新审视我自己的作品集，那些我曾经自认为“成功”的照片，现在看起来都显得有些聒噪和多余。这本书引导我去寻找照片背后那个最纯粹的“为什么”而不是“怎么做”。它教会我的是如何做减法，如何在纷繁复杂的现实中，找到那个唯一的、值得按下的快门。对于那些在技术泥沼里挣扎，渴望提升作品“灵魂”的摄影爱好者来说，这绝对是一剂强效的清醒剂。

评分☆☆☆☆☆

我抱着学习如何精简工具的心态翻开了《纯粹光影法则》，结果却收获了一场关于艺术态度的深刻洗礼。《纯粹光影法则》这本书的叙事口吻极其谦逊，作者仿佛只是一个引路人，而不是一个定夺者。他很少使用“必须”或“应该”这样的词汇，更多的是用“或许可以尝试”、“从另一个角度看”来引导读者进行自我探索。书中关于“边界与过渡”的讨论，对我触动极大。我以前总想着如何将主体与背景完美融合，让画面浑然一体。但这本书却反其道而行之，探讨了如何清晰地划定界限，利用环境的对比来凸显主体的存在感。比如，用一片死寂的暗部去衬托一束微弱的光，而不是试图把光线调亮到能看清暗部的细节。这种“以退为进”的策略，在视觉传达上产生了奇妙的化学反应。它教我认识到，极简主义不是缺乏内容，而是将内容浓缩到了一个极小的、高密度的载体中，需要观者付出额外的注意力去解码。这本书的文字简洁，但信息密度极高，每一句话都值得用笔记写下来，反复咀嚼。它成功地让我从“记录者”的心态，转向了“创造者”的立场，去有意识地构建我想要呈现的那个纯净世界。

评分☆☆☆☆☆

阅读《世界尽头的构图》这本书的过程，体验十分独特，它不像一本传统的工具书，更像是一次深入心灵的漫游。作者的文字有一种催眠般的力量，流畅、内敛，但又暗藏锋芒。书中关于“留白与呼吸感”的章节，我反复阅读了三遍。我过去拍人像或风景时，总有一个毛病，就是总想把画面塞得满满当当，生怕漏掉了什么重要的信息点。结果呢，照片看起来拥挤不堪，主题表达也变得模糊不清。这本书用大量的实例和深入浅出的分析，告诉我“缺失”才是最强大的存在。它教会我如何精确地计算“不拍什么”比“拍什么”更重要。比如说，一个简单的窗框，不是用来框住风景的，而是用来定义“窗外”与“窗内”那层无形的界限，而真正的张力就产生于这界限的拉扯之中。这种对空间关系、对观看距离的哲学性思考，极大地拓宽了我的视野。我尤其喜欢作者对于“时间性”的捕捉，他谈到，极简主义摄影并非是静止的，而是将极短的时间拉伸至永恒，让观众有足够的时间在画面中进行自我对话和意义建构。这本书对我的影响是长期的，它不仅仅改变了我的按快门的时机，更重塑了我对“美”的定义——不再是华丽和复杂，而是纯粹和必要。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，我本来是对这类“极简”主题持怀疑态度的，总觉得“极简”很容易流于表面，变成一种故作高深的空洞口号。然而，《瞬间的永恒》这本书真正做到了用极简的方式，阐述了极复杂的道理。它的叙事节奏非常舒缓，不是那种急吼吼地要你立刻学会某种技巧，而是像一个老前辈在午后的阳光下，慢慢给你沏上一壶茶，告诉你关于光影的秘密。我最欣赏的是作者在谈到“对焦”这个环节时的态度。他没有纠结于景深尺的精确计算，而是强调“心之所向，即是焦点”。这种将技术层面提升到直觉层面的描述，非常贴合我个人的创作体验——很多时候，最好的照片并不是完全符合教科书定义的清晰度，而是焦点准确地落在了情感的制高点上。书中对“色彩的去除”那一段论述尤其精妙，它没有简单地归因于黑白摄影的经典性，而是深入挖掘了去掉色彩后，观众注意力被强迫转向的那些微妙质感、光影的层次以及被摄物体的内在肌理。读完后，我感觉自己像被洗涤过一样，看世界都清晰了不少，不再被那些廉价的视觉刺激所诱惑。它让我明白了，真正的强大，是能用最少的元素，去承载最厚重的内容。这本书无疑会成为我书架上被翻阅频率最高的那一本，因为它不是教你如何成为一个“好”摄影师，而是教你如何成为一个“有观点”的观察者。

评分☆☆☆☆☆

很好的一本摄影书，适合业余爱好者。

评分☆☆☆☆☆

摄影藏书第一朵换位置了。

评分☆☆☆☆☆

所谓常识，按照我们一般的理解，应该是指那些能够不证自明，可以不言而喻，直至众所周知，最终心领神会的日常观念。这里有一个稍微悖论的地方，因为从观念的本体论意义而言，它是一个学习与接受的过程，我们只能从日常的成长中习得观念，观念无法彰显自身。我们可以这样理解，任何观念都有一个从真理逐渐日常化的过程，真理普及越多，观念就变成了常识。按照古希腊哲学的说法，隐微的真理只由少数哲人才能掌握，只有常识——他们通常称之为“意见”——支撑起我们的日常生活。 之所以做了这样的区分，是因为在本书中，他称之为“常识”的观念，指的是那些观念需要普及，但是恰恰还没有达到一种普遍的认知状态。现代以来，随着学科化与专业化的各种区分，观念逐渐成为了各自专业领域沟通的接头暗号，对外人而言，这些观念是已经超越了常识的界限。而“国家的常识”意味着我们我们生活在一个人际关系的社会中，我们生活在某种统治之下，我们需要了解某些共同领域生活的规则，这是构建我们美好生活的基础。常识的解读告诉我们，你理解了一个词汇，并不意味着我们就懂了这个词汇的含义。常识帮助我们理解，引发我们探究的兴趣，提升我们的认识，融洽我们的沟通语境，构建我们想象的共同体，捕捉真理的影子。就如同罗斯金在点评俄罗斯为何最终走到了一条威权主义道路一样，他说我们必须学习资本主义：“市场经济可能是自然发生的，但它不能自然地理解。”我们需要通过学习市场经济的常识，才能认识那支看不见的手。这种理解是建立在常识上基础上的深入而专业的理解。 从常识中读懂国家，这就意味着你能从其他国家的发展中看到了自己国家的影子。尽管囿于民主制的主题，我们无法得知罗斯金是如何解读中国的，但是在这些国家的解读中，尤其是对俄罗斯的解析中，中国的影子跃然纸上。这倒不是说罗斯金在暗示这什么，只是说这些国家的历史或多或少都能给人一种借鉴。尤其是俄罗斯的发展，不仅仅是意识形态，还是威权政治体制，乃至现如今，陷入的各种困境都与中国的现状如出一辙。但是未来的发展如何，在这种“文化绝望的政治”中，在市民社会的缺席中，在意识形态幻觉的洪流中，是走向深渊，还是走向民主，我们不得而知。这也许就是在本书的结语部分中提到的一个学习常识很重要的教训：无论是我们的国家，还是作为市民的我们与其他国家的人们都没有太多的区别，当你比较政治的时候，一定要把自己的国家体系包括进来，“我们通过研究结果，学习什么是好的，什么是坏的”。

评分☆☆☆☆☆

内容挺好，价格稍贵。

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不错

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挺好的挺好的挺好的挺好的挺好的挺好的

评分☆☆☆☆☆

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书内容和印刷还可以，但硬纸板的书皮虽然让不厚的书看起来没那么单薄，但一翻开，前后书皮就和中间的内容断开了，远不如一起买的两本厚书。虽然是用来凑单的，还是比较失望。

评分☆☆☆☆☆

双11活动，很是给力，活动力度大，买了好多喜欢的书，值得。。。