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蔡狄秋 著

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出版社： 文国

ISBN：9789862470923

版次：1

商品编码：16059455

包装：平裝

出版时间：2013-05-01

页数：208

正文语种：繁體中文

内容简介

　　《钢笔毛笔字写法》特将握笔姿势和书写方法作整理和示范，只要你参考依循《钢笔毛笔字写法》所指导的原则和范例，每天花上10分钟，专心有恒的练习，假以时日，你也能写出一手人见人羡的好字来。

内页插图

前言/序言

笔墨丹青：中国传统书画艺术鉴赏与实践指南 本书旨在为广大书画爱好者提供一份全面而深入的中国传统书画艺术入门与进阶指南。我们聚焦于中国绘画和书法艺术的悠久历史、核心美学思想、经典技法解析以及当代发展趋势，旨在帮助读者建立扎实的理论基础，并掌握必要的实践技能，从而真正领略中华文脉中“笔墨精神”的独特魅力。 --- 第一章：溯源与精神——中国书画的哲学基石 本章将带领读者回溯中国书画艺术的源头。我们不将书画视为单纯的技巧展示，而是深入探讨其背后的哲学思想，特别是儒家“中和”之道、道家“自然无为”以及禅宗“空灵顿悟”对笔墨表现的影响。 1.1 汉唐气象：书画合一的萌芽期 文字载体到艺术自觉： 探讨汉代隶书的成熟对早期绘画（如墓室壁画）结构的影响。 魏晋风骨： 重点分析顾恺之的“以形写神”理论，阐述“神韵”概念在绘画中的确立。 唐代辉煌与界限： 区分阎立本、吴道子的画风差异，探讨唐代对书法（如颜真卿的雄浑）与绘画（如李思训的金碧山水）的分类与规范化。 1.2 宋代转折：文人画的崛起与审美转向 士大夫的笔墨观： 详细解析苏轼“论书”与“论画”的观点，阐述“胸中丘壑”如何超越“形似”。 “格物致知”下的观察与表达： 探讨宋徽宗对院体画的规范，以及米芾在书法上“尚态不尚法”的创新精神。 水墨的成熟： 重点分析水墨技法（墨分五色）如何成为表达情感的主要媒介，而非仅仅是线条的辅助。 1.3 元明清的流变：对传统的继承与反叛 元四家的意境营造： 分析倪瓒的“萧疏淡远”，黄公望的“皴法之变”，理解“元气淋漓”的内涵。 明代的学院派与民间力量： 比较浙派的雄劲与吴门画派的秀逸，解析沈周、文徵明对传统母题的再创造。 清代的复古与创新： 探讨“四王”对董其昌山水画理论的系统化整理，以及石涛、八大山人对个体情感的极端表达。 --- 第二章：丹青之道——中国画核心技法精讲 本章专注于中国画（尤其是水墨山水和花鸟）的物质基础、工具特性及其技法原理，强调“笔法”在构建画面结构中的核心作用。 2.1 笔墨的物质基础：纸、墨、笔的特性分析 宣纸的“洇化”美学： 解释生宣、熟宣在不同技法下的表现力差异，如何利用纸性控制墨色的扩散。 墨的层次： 探讨制墨工艺对墨色浓淡的影响，如何通过调墨实现“焦、浓、重、淡、清”的五色变化。 笔的选择与掌控： 区分羊毫、狼毫、兼毫的弹性与蓄水性，解析如何根据需要选择笔锋的圆、尖、齐。 2.2 山水画的骨架：皴、点、染 皴法的分类与运用： 详细拆解披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等主要皴法的结构原理，以及它们对应不同山石肌理的适应性。 点叶与点苔： 讲解“点”法在树木、植被表现中的节奏感，以及“点苔”如何增强地面的层次感和湿润感。 渲染的层次： 探讨淡墨、浓墨的多次叠加与晕染技巧，如何塑造山体的体积感和空间深度。 2.3 花鸟画的生命力：勾、皴、点、染的精准性 “双勾”与“没骨”： 对比两种核心勾勒方式，理解它们在表现不同质感（如花瓣的柔韧与翎毛的蓬松）上的优劣。 写意与工笔的界限： 深入分析写意花鸟中对“气”的捕捉，以及工笔花鸟中对结构精准度的要求。 动物的动态捕捉： 结合经典范例，分析如何通过瞬间的笔触表现飞禽走兽的神情与动态。 --- 第三章：线条的交响——中国书法艺术的结构与韵律 书法作为中国艺术的最高表现形式之一，其线条美学与绘画的笔法息息相关。本章专注于书法线条的内在结构和章法布局。 3.1 执笔与用笔：力度的源泉 “中锋”与“侧锋”的辩证： 详细解析中锋行笔如何保证线条的圆润饱满，以及侧锋在制造飞白、表现笔触转折时的作用。 提、按、顿、挫： 阐述控制笔锋运动时，手指、手腕、手臂的协同配合，如何使线条产生抑扬顿挫的音乐性。 “骨力”的内涵： 探讨如何将内在的气力贯注于线条之中，使之具有“立”于纸上的稳固感。 3.2 结体之道：字形的平衡与错位 偏旁部首的结构处理： 分析不同部首在字形中所占的比重和形态变化，如何处理“疏密”、“肥瘦”的关系。 字形内部的空间经营： 讲解如何通过调整笔画间的“间架结构”，使单个汉字在方寸之间达到视觉上的完美平衡。 笔画的呼应与关联： 探讨字内笔画之间的连带关系，如何通过气韵的延续性增强整体的生命力。 3.3 章法布局：篇章的气脉贯通 行气与纵横： 讲解“行气”在草书、行书中对阅读节奏的引导作用，以及楷书的“竖直”原则。 大小字的对比与韵律： 分析在作品中运用不同大小字形来制造视觉焦点和节奏变化的手法。 款识、印章的和谐统一： 探讨书法作品中文字内容、落款位置、印章大小和朱色的搭配，如何完成艺术构图的最后一步。 --- 第四章：意境与当代视野 本书的收官部分将回到艺术的本质，探讨如何将所学的技法转化为个人化的艺术表达，并审视传统艺术在现代语境下的生命力。 4.1 审美情趣的培养：从“像”到“意” 移情于物： 如何通过山水、花卉的描绘，间接表达艺术家的个人情怀与抱负。 “气韵生动”的再认识： 探讨如何通过对节奏、疏密、虚实的精妙处理，使作品脱离物体的表象，达到精神层面的共鸣。 4.2 传统艺术的现代转型 对西方造型理论的吸收与扬弃： 分析近现代画家如何借鉴西方透视、光影理论，但不放弃中国画的“散点透视”和“以线造型”的传统。 材料的实验性拓展： 介绍当代艺术家在探索新材料、新载体（如大幅面创作、综合材料）上对传统笔墨的创新应用。 4.3 实践指导：从临摹到创作 提供一套系统化的习作路径，强调“由古人入，由今人出”的原则。 指导读者如何建立自己的“心目清单”，系统性地研究历代名家作品，最终形成独立、成熟的个人风格。 本书结构严谨，案例丰富，配有大量经典作品的局部解析图，是所有致力于深入了解和实践中国传统书画艺术的读者不可多得的案头参考书。

评分☆☆☆☆☆

我尝试过好几本关于汉字书写的书籍，但很多都过于侧重于某一种特定的字体，让人感觉选择面太窄。而这本书的广博性令人惊喜。它似乎并没有将重点锁定在某一种“标准”的字体上，而是更注重于指导读者如何建立起自己的“书写意识”。它探讨了不同书写工具对最终效果的影响，比如钢笔与毛笔在笔画力度传达上的差异，这对我这个喜欢在不同场合使用不同书写工具的人来说，提供了宝贵的参考。书中对于“间架结构”的剖析尤为独到，它不再是简单地告诉你“这个笔画应该往哪边倾斜”，而是深入解析了字形内部的“力学平衡”与“视觉重心”。例如，它会讲解如何通过调整某个偏旁的疏密关系来达到整体的协调统一。读完这部分，我开始尝试自己拆解和分析我不熟悉的字，而不是被动地描摹，这极大地激发了我的创造力和理解力。可以说，这本书真正做到了“授人以渔”，让我从一个单纯的模仿者，逐渐向一个有思考的书写者转变。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性远超我的预期，它不仅仅是一本关于“怎么写”的书，更是一本关于“如何欣赏”的书。作者似乎非常懂得初学者的困惑，书中很多章节都直接点破了我们练习时常犯的、却又不易察觉的“小错误”。比如，很多初学者都会过度用力导致笔画僵硬，书中就专门有一节讲解如何“放松手腕，让笔锋自然行走”。更难能可贵的是，书中提供了一套非常清晰的自我纠错方法论。它指导读者如何对比自己的作品和范帖，找出差距，并针对性地进行改进，而不是盲目地一遍遍重写。我发现，当我开始运用书中推荐的“局部放大对比法”后，进步速度明显加快了。这本书的语气非常鼓励人，它不苛求完美，而是强调进步的轨迹。它让我明白了，书法学习是一个长期积累的过程，偶尔的退步也是为了更好地蓄力前行。这种正向的反馈机制，是很多冰冷的技术手册所不具备的。

评分☆☆☆☆☆

我必须赞扬作者在选材上的独到眼光和深厚的文化底蕴。这本书在技术指导之外，还融入了大量关于“书写文化”的探讨。它不像那些只谈技巧的书那样干巴巴，而是通过对历代优秀书家书写习惯的侧面描绘，让我感受到了书法背后蕴含的文人情怀与时代精神。比如，书中对特定时代背景下字体演变的简要概述，帮助我理解了为什么不同时期的字体会有那样大的风格差异，这使得我学习的动机更加纯粹——我不再仅仅是为了写得好看，更是为了与历史进行一场无声的对话。整本书的阅读体验非常流畅，知识点之间的过渡自然得如同行云流水。当我合上这本书，重新拿起笔时，我感觉自己不仅仅是多了一些技巧，更是多了一种对待文字的敬畏之心。它成功地将枯燥的练习转化成了一种充满探索乐趣的文化之旅，极大地拓宽了我对传统艺术的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的装帧设计和纸张质感给我留下了极其深刻的印象。市面上很多书法教材为了节约成本，纸张薄得一塌糊涂，一沾墨水就洇开，练起来让人心烦意乱。但此书选用的纸张厚实平滑，即使用浓墨书写，也几乎没有渗透到下一页，这极大地提升了练习的愉悦感。更让我欣赏的是它的排版布局。内容组织非常有逻辑性，从最基础的结构分析过渡到复杂的章法布局，循序渐进，毫不跳跃。它没有试图一步到位地教你写出“大家”的风范，而是脚踏实地地为你打地基。我特别喜欢其中关于“墨分五色”的讲解部分，作者用非常形象的比喻描述了不同浓淡墨色在书写时带来的视觉效果和韵味变化，这让我对墨的运用有了全新的认识。在学习过程中，书中穿插了一些古代书法家的轶事，这些小故事不仅让学习过程不那么枯燥，还潜移默化地培养了我们对传统文化的热爱。这本书与其说是一本教程，不如说是一位耐心细致的老师，它总是适时地在你即将感到气馁时，递上一碗“鸡汤”和实用的技巧。

评分☆☆☆☆☆

这本关于书法入门的书，简直是为我这种对手写字怀有憧憬却又无从下手的“小白”量身定做的。我一直觉得，在这个充斥着键盘和触摸屏的时代，一手漂亮的字迹更能体现一个人的沉静与品味。书中对基础笔画的讲解细致入微，每一个转折、每一笔的提按顿挫，都配有清晰的图例和文字说明。它不像有些教材那样堆砌晦涩难懂的术语，而是用非常生活化的语言去引导你感受墨与纸之间的微妙关系。特别是关于握笔姿势的讲解，书中提到了几种不同的持笔方式，并分析了各自的优缺点，让我找到了最适合自己的那一种。我以前总觉得练字就是机械地模仿，但这本书让我明白了，书法不仅仅是写字，更是一种心性的修炼。它教会我如何“慢下来”，如何观察每一个字的结构美感，这对于我这样一个平时生活节奏很快的人来说，无异于一次心灵的“慢炖”。读完关于起笔收笔的章节，我明显感觉到自己的字不再是那种生硬的“刻”上去的字，而是有了流动的气息。我甚至开始期待每一次练字的时间，那段独处、与纸笔对话的时光，成了我一周中最放松的时刻。