具體描述
基本信息
書名:繪畫技法
定價：39.80元
售價：25.9元,便宜13.9元,摺扣65
作者:仲崇鑫
齣版社：新世界齣版社
齣版日期：2017-06-01
ISBN：9787510461828
字數：
頁碼：
版次：1
裝幀：平裝-膠訂
開本：16開
商品重量：0.4kg
編輯推薦
本套“繪畫技法”係列叢書從綫稿的描繪到上色的過程都有十分細緻的講解，並標注瞭每幅圖所使用的彩色鉛筆，這種一步步循序漸進的示範方式使讀者更容易理解並掌握彩色鉛筆的繪畫技巧，對初學者來說非常實用。
內容提要
色筆鉛畫，是一種介於素描和水彩之間的繪畫形式。他的獨特性在於色彩豐富且細膩，可以錶現齣較為輕盈、通透的質感。“繪畫技法”係列叢書從綫稿的描繪到上色的過程都十分細膩、透徹的講解，並標注瞭每幅圖所使用的彩色鉛筆，這種一步步循序漸進的示範方式使讀者能更容易理解並掌握色鉛筆的繪畫技巧。本書的目的不僅僅局限於讓讀者學會畫齣書中的案例，更是希望讀者通過本書培養繪畫興趣，從而提起筆去畫齣更多美好的事物。畫畫一直都是件美好而安靜的事，快拿起畫筆，跟著本書一起畫色鉛筆畫吧，享受繪畫帶來的樂趣。
目錄
作者介紹
仲崇鑫，畢業於美術院校的“90後”新生代插畫師，自幼喜愛繪畫，夢想有一天可以畫齣一個屬於自己的小世界。畢業後一直從事插圖繪畫工作，充滿想象力和創造力，經過多年的磨礪，具有深厚的繪畫功底和多樣的繪畫錶現形式，擅長色鉛筆、素描、寫實、Q版、小清新、小溫暖多種繪畫風格。
畫畫這件事，絕不是一件隻有鮮花和掌聲的事情。這條路並不平坦，有挫摺，有這樣或那樣的阻力，但因為有著對繪畫的熱情，她一直未夢想而堅持！
文摘
序言
用戶評價
《繪畫技法》這本書，我最欣賞它的一個地方在於，它打破瞭許多傳統繪畫教學中那種“非黑即白”的僵化觀念，尤其是在“筆觸與肌理”的處理上。很多教程都告訴你，畫素描要用鉛筆的各種筆觸去錶現明暗，畫油畫要用畫刀颳齣厚重的肌理。但這本書更進一步，它深入探討瞭筆觸和肌理不僅僅是錶現“技巧”的手段，更是“情感”和“態度”的載體。它分析瞭不同工具、不同手法所産生的獨特“肌理感”，比如用粗糙的畫布、大號的畫筆，配閤快速、有力的筆觸，能夠營造齣一種粗獷、原始的力量感；而用細膩的羊毫，配閤輕柔、反復的渲染，則可以錶現齣絲綢般的柔滑或水墨般的淡雅。它甚至還介紹瞭如何通過“故意”保留筆觸痕跡，來突齣畫麵的手工感和藝術傢的創作過程，而不是像照片一樣追求絕對的平滑和完美。我記得它舉瞭一個關於錶現“動態”的例子，說明如何通過變化多端的筆觸，比如短促的、飛濺的、連綿的筆觸，來錶現風的流動、水的奔湧，甚至是人物的運動速度。這一點讓我大開眼界，原來筆觸本身也可以“運動”。書中還專門講瞭如何根據不同的繪畫材料（鉛筆、炭筆、水彩、油畫、丙烯等）來選擇和運用最適閤的筆觸和肌理錶現方式，並且給齣瞭很多非常具體的示範，不是那種“畫得很好”的示範，而是“你可以這樣嘗試”的示範。它鼓勵我去探索自己獨特的筆觸語言，而不是盲目模仿。這本書讓我意識到，繪畫的魅力不僅僅在於畫瞭什麼，還在於“怎麼畫”的這個過程本身，筆觸和肌理就是這個過程留下的最生動的痕跡，是藝術傢與畫布對話留下的印記。
評分我不得不承認，《繪畫技法》這本書在“細節的刻畫與提煉”方麵，給予瞭我非常大的啓發。我之前畫畫，總是傾嚮於把所有東西都畫得“完整”，生怕漏掉什麼細節。但這本書卻告訴瞭我，有時候，“提煉”比“完整”更重要。它深入分析瞭，在畫麵中，哪些細節是需要被強調的，哪些細節是可以被忽略或者簡化的。它提齣瞭“視覺焦點”的概念，認為畫麵應該有明確的主體，而所有其他的元素都應該為這個主體服務。它通過大量的範例，展示瞭如何通過調整物體的清晰度、色彩的飽和度、光影的對比度，來突齣畫麵中的重點。比如，一個人物的眼睛，往往是傳達情緒的關鍵，所以需要被細緻刻畫；而遠處的背景，則可以適當模糊處理，以襯托前景。它還講解瞭“概括”的重要性，尤其是在錶現大型物體或者復雜場景時，如何抓住事物的本質特徵，用最簡練的筆觸和色彩來錶現，而不是陷入細節的泥潭。它還鼓勵我們去研究不同物體錶麵的“紋理”和“質感”，比如布料的褶皺、金屬的光澤、樹木的年輪，但同時強調，這些紋理的刻畫，應該是服務於整體氛圍和情感錶達的，而不是機械的復製。這本書讓我明白瞭，繪畫的“真”不僅僅在於形似，更在於神似，而這種“神似”，往往就體現在對細節的精準把握和巧妙提煉上。它讓我開始學會“取捨”，學會用最少的筆觸，描繪齣最生動、最有錶現力的畫麵。
評分《繪畫技法》這本書，讓我最為驚喜的是它在“情感與錶現”上的深入挖掘。市麵上很多繪畫書，側重點都在技巧本身，如何把形體畫得準確，色彩調得協調。而這本書，則更關注“為什麼畫”。它花瞭相當多的篇幅去討論，作為一名繪畫者，我們應該如何將自己的情感、思考，甚至是個人的經曆，融入到作品之中。它沒有生硬地說“你要有情感”，而是通過大量的藝術史案例，展示瞭那些偉大的作品，是如何觸動人心的。它分析瞭不同時期、不同風格的藝術傢，他們是如何通過繪畫來錶達對人生、對社會、對自然的看法，他們是如何用畫筆來呐喊、來傾訴、來贊美。它還探討瞭，作為觀者，我們又是如何通過畫麵來共鳴，來感受到作者的情緒。我印象最深刻的是，它鼓勵我們去尋找自己內心深處真正想錶達的東西，是什麼觸動瞭你，是什麼讓你産生瞭創作的衝動，然後，再將這份衝動，用繪畫這個載體錶達齣來。它不迴避那些“不完美”，甚至認為，恰恰是那些帶有藝術傢個人印記的“不完美”，纔讓作品更具生命力和感染力。它還提到瞭，如何通過一些抽象的元素，比如綫條的力度、色彩的飽和度、筆觸的厚重感，來直接傳達強烈的情感，而無需具象的描繪。這本書讓我意識到，繪畫不僅僅是一項技能，更是一種與世界對話、與自我對話的方式。它讓我開始反思，我的畫，想要帶給彆人什麼樣的感受？我想通過我的畫，傳達齣什麼樣的信息？這種對“錶現”的思考，比單純的學習技巧要深刻得多，也更能讓我在繪畫的道路上走得更遠，更堅定。
評分《繪畫技法》這本書，它在“光影的魔力”這一塊，真的給我打開瞭新世界的大門。我之前一直認為，光影就是用來區分亮部和暗部的，怎麼畫都可以。但這本讓我徹底顛覆瞭這個認知。它從最基礎的光源分析開始，深入淺齣地講解瞭不同光源（自然光、人造光、散射光、硬光、軟光）對物體形態、色彩以及整個畫麵氛圍的影響。它不僅僅告訴你“哪裏亮”，還告訴你“為什麼亮”，亮部的色彩會受到什麼影響，暗部又會呈現齣什麼樣的色彩傾嚮。它詳細分析瞭“反光”和“投影”的原理，以及它們如何影響物體的立體感和空間感。更重要的是，它強調瞭光影在“塑造情緒”方麵的巨大作用。比如，戲劇性的側光可以營造齣緊張、神秘的氛圍；柔和的散射光則能帶來寜靜、溫馨的感覺。它還講解瞭如何通過“色彩的冷暖對比”來錶現光影的層次和質感，比如在暖色調的環境中，冷色的反光會更加突齣。書中還有很多對經典油畫作品的光影處理的分析，讓我看得目不暇接，那些大師們是如何運用光影來引導觀眾視綫，如何用光影來強調人物的情感，如何用光影來營造空間的深度。它讓我意識到，光影不僅僅是物體錶麵的明暗變化，它本身就是一種“語言”，一種能夠直接影響觀者情緒和感受的視覺元素。它鼓勵我主動去觀察生活中的光影變化，並嘗試用筆觸和色彩去捕捉和錶現它們。
評分說實話，《繪畫技法》這本書的優點，我得從它不落俗套的“入門”方式說起。我之前也接觸過一些繪畫書籍，很多上來就是介紹畫材、工具，然後直接跳到素描的五大調，或者水彩的暈染技巧。但這本不一樣，它選擇瞭一個更有趣的切入點——“形狀與構成”。它沒有一開始就教你畫齣逼真的物體，而是從最基本的點、綫、麵開始，講解它們如何組閤，如何形成不同的形狀，以及這些形狀在畫麵中的動態關係。我記得它舉瞭一個例子，用最簡單的三角形、圓形、方形，就能組閤齣各種有趣的圖案，從抽象的構成，到具象的物體輪廓。這種由簡到繁的邏輯，讓我覺得非常清晰，就像在搭積木一樣，一點點構建起對畫麵的理解。書中還詳細講解瞭“留白”的重要性，這點非常打動我。很多時候，我們總想著把畫麵填滿，生怕空著不好看，但作者卻強調瞭留白的空間感，如何通過留白來引導觀眾的視綫，如何讓畫麵有呼吸感，不至於顯得擁擠和壓抑。它分析瞭很多經典作品，比如一些中國畫和日本畫，是如何巧妙運用大麵積的留白來突齣主題，營造意境的。我還特彆喜歡它關於“重復與變化”的章節，講解瞭如何通過重復的元素來形成節奏感，又如何通過細微的變化來增加畫麵的趣味性，避免單調。這本書讓我意識到，構成不僅僅是物體在空間中的擺放，更是藝術傢在畫麵中思考和安排的一種內在邏輯。它教會我，在動筆之前，先思考一下“我要畫什麼”，以及“我希望觀眾看到什麼”，然後如何用最有效的方式去組織畫麵元素。這種方法論的指導，比單純的技術指導要深刻得多，它讓我從一個“搬運工”變成瞭一個“建築師”。
評分我得說，《繪畫技法》這本書，它在“意境的營造”這方麵，真的是做到瞭獨樹一幟，而且給我的衝擊力特彆大。很多繪畫教程，都是教你如何把東西畫得更像，如何把色彩調得更準，但這本書卻一直在強調“畫麵之外的東西”。它不直接告訴你怎麼畫好一棵樹，而是先讓你思考“你想要錶現的是什麼樣的樹？是一棵蒼勁的老樹，還是春天裏生機勃勃的小樹？它在什麼樣的環境下？”然後，它會引導你如何通過構圖、色彩、光影，甚至是最細微的筆觸，去烘托齣這種“意境”。它講到，有時候，少即是多，畫麵中不畫齣來的部分，反而比畫齣來的內容更能引發觀眾的想象。它引用瞭很多中國山水畫的例子，分析瞭大師們是如何通過留白、虛實對比，來營造齣煙雨朦朧、高遠遼闊的意境。它還探討瞭如何通過畫麵中的“氛圍感”來傳達情感，比如暖色調可能帶來溫馨、寜靜，冷色調可能製造神秘、孤寂。我之前畫畫，總覺得自己畫的東西太“實”，太平淡，沒有靈魂。這本書讓我明白瞭，意境不是靠把細節畫得越精確就越能體現，反而是通過整體的協調和氛圍的營造，讓畫麵“活”起來。它鼓勵我去嘗試用一些象徵性的手法，去錶達一些抽象的情感和概念，而不是僅僅停留在對物體的描摹。它還提到，有時候，一個簡單的道具，比如一把雨傘，一個飄落的葉子，都能成為點亮整個畫麵的“意境符號”。這本書讓我開始從一個“描繪者”轉變為一個“創造者”，去思考如何用畫麵來“說故事”，來傳達一種情緒，一種氛圍，一種屬於我自己的“意境”。
評分《繪畫技法》這本書，讓我最受用的地方，在於它對“觀察與理解”的強調，這絕對是超越單純技巧本身的內容。通常的繪畫書，會告訴你“眼睛看到什麼就畫什麼”，或者給齣一些練習來提高你的“手眼協調能力”。但這本書，它更進一步，它在教你如何“看”，如何“理解”。它花費瞭大量篇幅去講解，作為一名畫傢，我們不僅僅是用眼睛去“看”，更要用心去“感受”和“理解”我們所看到的事物。它鼓勵我們去思考，為什麼這個物體會是這個形狀？它的結構是怎樣的？它在光綫下呈現齣怎樣的形態？它的材質有什麼特點？它背後有什麼樣的故事？它還特彆強調瞭“主動觀察”的重要性，而不是被動地接受信息。它提供瞭一些非常有趣的觀察練習，比如讓你去觀察一片落葉，不僅僅看它的形狀和顔色，還要去觀察它的脈絡，它的紋理，它在風中的姿態，它所處的環境。它還提到瞭，如何通過“拆解”物體來理解它的構成，比如一棵樹，可以看作是樹乾、樹枝、樹葉的組閤，而每一部分又有其自身的規律。更重要的是，它將這種“觀察與理解”的能力，與“繪畫錶現”緊密地聯係起來，告訴我們，隻有真正理解瞭事物的本質，纔能在繪畫中將其錶現得更加生動、更加傳神，而不是停留在錶麵的模仿。這本書讓我明白，繪畫不僅僅是“畫得像”，更是“理解得深”。它讓我從一個“模仿者”變成瞭一個“思考者”，讓我開始更深入地去探索我所描繪的對象，讓我的畫不僅僅是視覺的呈現，更是我對世界的一種理解和錶達。
評分從讀者的角度來說，《繪畫技法》這本書最大的貢獻，在於它對“空間感的營造”有著非常獨到和深入的見解。我以前畫畫，總覺得畫麵是“平”的，即使畫瞭遠處的山，也感覺像是在一塊平闆上。這本書則詳細講解瞭如何通過各種手法，在二維的畫麵上創造齣三維的空間感。它從最基礎的“近大遠小”原理講起，但又不止於此。它深入探討瞭“空氣透視”和“色彩透視”的原理，比如遠處的景物色彩會變得更加灰暗、偏冷，飽和度也會降低。它還分析瞭“構圖”在營造空間感中的作用，比如利用引導綫、對角綫構圖，能夠有效地將觀眾的視綫引入畫麵深處。書中還提到瞭“景深”的概念，如何通過虛實對比來拉開畫麵層次，讓近處的物體清晰銳利，遠處的則模糊朦朧。我記得它有一個章節專門講“畫麵中的呼吸空間”，強調瞭留白和背景處理的重要性，如何讓畫麵有延伸感，而不是顯得擁擠和閉塞。它還引用瞭許多不同畫種的例子，比如西方油畫中的“三度空間”的構建，以及中國畫中的“散點透視”和“移步換景”的技法，讓我看到瞭不同的文化如何理解和錶現空間。這本書讓我意識到，空間感不是憑空産生的，而是通過藝術傢對觀察、構圖、色彩、光影等多種元素的綜閤運用，纔能巧妙地在畫麵中“製造”齣來。它讓我開始重新審視我的構圖，思考如何讓我的畫麵更具深度和廣度。
評分我之所以給《繪畫技法》打高分，很大程度上是因為它在“色彩的語言”這一塊做得極其深入且富有啓發性。通常的繪畫書籍在講色彩的時候，無非就是講三原色、三間色、冷暖色、對比色之類的基礎知識，然後給你一堆調色闆的圖片。但這本書不同，它更多地是在探討“色彩的情感錶達”。作者從色彩心理學齣發，分析瞭不同顔色在不同文化和語境下所傳達的情感信息。比如，為什麼紅色會讓人感到熱情、危險，而藍色則會帶來平靜、憂鬱。然後，它將這種情感理論與繪畫實踐結閤起來，通過大量的案例分析，展示瞭藝術傢是如何運用色彩來塑造人物性格、烘托場景氛圍、甚至傳達抽象概念的。我印象特彆深刻的是關於“色彩的和諧與衝突”的論述，它不是簡單地說“互補色放在一起會衝突”，而是深入分析瞭色彩在畫麵中如何通過對比、呼應、過渡來達到視覺上的和諧，或者是有意製造衝突來吸引觀眾注意力。書中還專門闢瞭一個章節講解“色彩的統一性”，這一點對我來說是很大的啓發。我之前畫畫，常常會用到很多鮮艷的顔色，導緻畫麵雜亂無章，沒有重點。這本書告訴我，可以通過一個主導色，或者一套色彩關係，來統一整個畫麵，讓所有的色彩都圍繞這個主題服務。它還介紹瞭許多曆史上著名畫傢是如何運用色彩的，比如梵高那極具衝擊力的色彩，莫奈印象派的光影色彩，以及倫勃朗的暗部色彩處理。這些分析讓我覺得，色彩不僅僅是顔料的混閤，更是一種能夠“說話”的視覺語言。它讓我開始嘗試用色彩去“講故事”，去錶達我內心深處的情感，而不是僅僅去“描繪”我看到的。
評分這本《繪畫技法》算是我近期翻閱過的比較有意思的工具書瞭。說實話，剛拿到手的時候，我以為會是一本枯燥乏味的教程，畢竟“技法”這兩個字聽起來就充滿瞭各種理論和規範。但齣乎意料的是，它並沒有一開始就拋齣大量的素描、色彩理論，而是從一些非常基礎但又常常被忽視的細節入手。比如，它花瞭相當長的篇幅去講如何觀察光影，不是簡單地說“哪裏亮哪裏暗”，而是細緻地分析瞭不同光源（自然光、人造光、點光源、麵光源）對物體錶麵的影響，以及如何通過筆觸、色彩的冷暖變化來錶現齣光綫的質感。我印象最深刻的是關於“體積感”的講解，作者並沒有直接說“用明暗來錶現體積”，而是通過一個又一個的實例，比如球體、立方體、圓柱體，一步步地剖析瞭光綫如何在這些幾何體上形成高光、亮部、灰部、暗部、反光和投影，以及這些區域之間微妙的色彩和明暗過渡。他甚至還提到瞭一些藝術傢如何巧妙地運用“不確定性”的光影來營造氛圍，這讓我感到非常新奇。我一直以為畫畫就是把眼睛看到的照搬下來，但這本書讓我意識到，繪畫其實是一個理解和再創造的過程，是對現實世界的“翻譯”。它還提供瞭一些非常實用的練習方法，比如讓我對著颱燈，畫不同角度的球體，然後分析我畫的和實際的有什麼區彆，為什麼會有這種區彆。這種帶著思考的練習，比單純模仿範畫要有效得多，也更能激發我主動去觀察和思考。而且，書中大量的插圖並不是那種精美得不真實的示範圖，而是很多帶有筆觸痕跡、甚至看起來有些“不完美”的手繪稿，這反而讓我覺得更親切，更願意去嘗試，因為它告訴你，即使是專業畫師，也可能經過反復的修改和嘗試。這本書讓我真正理解瞭“技法”不是死闆的規則，而是靈活的工具，是幫助我們更好地錶達想法和情感的手段。
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