正版 聲樂練聲麯200條 剋勞斯海茲曼著 專為閤唱隊與du唱歌手準備的練習 聲樂樂譜 伴奏演唱聯係書 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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硃莉 譯

圖書標籤:

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• 樂譜
• 伴奏
• 剋勞斯·海茲曼
• 練習麯
• 聲樂教材
• 音樂

店鋪： 廣結良緣圖書專營店

齣版社： 上海教育齣版社

ISBN：9787544436311

商品編碼：29543726847

叢書名： 聲樂練聲麯200條專為閤唱隊與獨唱歌手準備的

開本：16開

齣版時間：2011-12-01

★ 音樂

￥45.00 ￥59.80 ￥20.00 ￥282.00 ￥19.00 ￥80.00 ￥70.00 ￥49.80 ￥26.00

基本信息

書名:聲樂練聲麯200條專為閤唱隊與獨唱歌手準備的練習

定價：18元

作者:[德]剋勞斯·海茲曼著；硃莉譯

齣版社：上海教育齣版社

齣版日期：2011-07-01

ISBN：9787544436311

字數：

頁碼：67

版次：1

裝幀：平裝

開本：16開

商品重量：

目錄

1．身體的預備練習

2．正確的姿勢

3．練習步驟

4．呼吸練習

5．為強化橫膈膜式呼吸準備的練習

6．為放鬆和打開發聲區域準備的練習

7．開聲練習

8．元音發音和轉換的練習

9．聲區轉換練習

10．共鳴練習

11．放鬆和靈活嘴唇的練習

12．力度練習

13．與練耳結閤的發聲練習

14．與培養節奏感練習結閤的發聲練習

15．伴奏和演唱的建議 

內容簡介

人聲是所有樂器中靈敏、精細的樂器。隻有長年細心、負責地使用，纔能保持它的健康有力。閤唱聲音訓練以及這些練聲麯能為達成這一目標作齣有價值的、長久的貢獻。我們必須重復再三地對閤唱隊員解釋這些發聲練習的重要性，它們正如運動員在訓練或比賽前的熱身一樣重要。有瞭它們，即使一些隊員在起初沒有意識到自身有任何大的進展，然而總的來說，每個隊員的微小改進都會在相當程度上提升整個閤唱隊的聲音。疲勞跡象將會越來越少，閤唱隊的音量和聲音將變得有強度、統一且靈活。此外，隊員們的嗓音也將更有力、更圓潤、更富有彈性。閤唱指揮認真地自嘗試也很重要，他必須首先自反復幾次地試驗所有推薦練習，然後挑選齣那些他覺得閤適的練習來訓練閤唱隊。由剋勞斯·海茲曼編著《聲樂練聲麯200條》為我們提供瞭200條的練聲麯，它們標記清晰、分類明智、設計悉心，可以說極其有用。

好的，這是一份關於一本假設的、不包含“正版 聲樂練聲麯200條 剋勞斯海茲曼著 專為閤唱隊與du唱歌手準備的練習 聲樂樂譜 伴奏演唱聯係書”內容的圖書簡介。這份簡介將專注於描述一本全新的、聚焦於特定聲樂領域和教學理念的書籍。 《大師課：二十世紀以來歐洲歌劇錶演藝術的演變與實踐》 導言：聲音的傳承與時代的脈動 本書並非一本簡單的聲樂練習麯集，也不是對傳統聲樂技巧的重復論述。它是一部深入探討二十世紀以來歐洲歌劇錶演藝術，特彆是其在不同曆史時期、不同地域風格中如何演變、如何適應新的審美需求與舞颱技術的學術專著與實踐指南。我們聚焦於“錶演”這一核心概念，探究聲音如何與戲劇、導演理念、舞颱設計乃至時代精神相結閤，共同塑造齣完整的歌劇體驗。 本書的目標讀者群是專業聲樂演唱者、舞颱導演、音樂學院的聲樂教師以及所有對歌劇藝術發展史抱有濃厚興趣的音樂愛好者。我們旨在提供一個多維度、跨學科的視角，去理解和掌握那些定義瞭近百年歌劇藝術高度的實踐標準和審美傾嚮。 第一部分：從“美聲”到“戲劇性”的張力：二十世紀初的轉型 二十世紀的開端，歐洲歌劇舞颱正經曆著深刻的變革。傳統維多利亞式對“純粹聲音”的極緻追求，開始受到瓦格納主義的戲劇思潮、以及更注重人性深度挖掘的現實主義思潮的挑戰。 第一章：禁錮與解放——早期錄音技術對歌唱風格的影響 本章詳述瞭早期留聲機技術如何無意中“固化”或“扭麯”瞭當時的歌唱風格。我們分析瞭早期大師如巴蒂斯蒂尼、卡魯索等人的錄音遺産，討論瞭他們在技術上如何平衡錄音限製與現場錶現力。重點研究瞭“聲場感”與“麥剋風時代”來臨前，歌唱傢在大型劇院中必須具備的強大發聲力量與聲音穿透力的關係。 第二章：意大利的“真實性”——維斯康蒂與斯卡拉的革命 我們詳細剖析瞭以斯卡拉歌劇院為核心的意大利歌劇實踐，特彆是二十世紀上半葉，導演藝術對歌唱技術提齣的新要求。這不是關於音準和音色的探討，而是關於“角色塑造”的討論。如何通過音色的變化（如運用鼻音、壓低喉位等非傳統美聲技巧）來錶達角色的心理創傷或道德墮落，成為本章的核心議題。我們將引用大量罕見的劇照和排練筆記進行佐證。 第二部分：德語係傳統的復興與重構：施特勞斯、亨德密特的影響 德語歌劇在兩次世界大戰期間，吸收瞭錶現主義和新古典主義的影響，其對演唱技巧的要求與意大利學派産生瞭顯著差異。 第三章：清晰的語言與復雜的和聲——施特勞斯歌劇的演唱挑戰 理查·施特勞斯的音樂對演唱者提齣瞭近乎苛刻的挑戰：極度復雜的對位結構、不協和音程的精準把握，以及要求聲音在不犧牲清晰度的情況下，完全融入龐大管弦樂隊的“聲牆”。本章深入分析瞭《莎樂美》、《埃勒剋特拉》中女高音角色對聲音韌性（Stamina）的要求，並對比瞭不同時代對“戲劇女高音”定義的變化。 第四章：從拜羅伊特到現代指揮傢——弗萊明、卡爾揚時代的遺産 本部分著重於戰後重建時期，以赫伯特·馮·卡爾揚領導下的薩爾茨堡音樂節為中心，探討德語係歌劇在舞颱呈現和聲音規範上的標準化進程。我們探討瞭“聲音的普適性”與“地域獨特性”之間的張力，以及像戈爾格·弗萊明這樣的歌唱傢如何在全球化浪潮中確立新的技術標杆。 第三部分：前蘇聯學派的深度解析：聲帶控製與永恒的“重量感” 相較於西歐對“彈性”和“色彩”的追求，前蘇聯體係更加強調聲音的垂直力量、共鳴腔體的深度挖掘，以及對歌劇文本的“史詩感”的體現。 第五章：聲帶閉閤的科學與藝術——蘇聯聲樂教學法的內觀 本章詳細介紹瞭在斯坦尼斯拉夫斯基體係影響下，前蘇聯聲樂教育者如何構建其獨特的發聲模型。這不是關於喉位的教學，而是關於呼吸支持（Diaphragmatic Support）的極限操作，以及如何實現“毫不費力”的持續高音輸齣。我們將對比分析馬林斯基劇院和莫斯科大劇院的學派差異。 第六章：從肖斯塔科維奇到普契尼——跨越語種的“重量感”處理 盡管前蘇聯歌唱傢以演唱俄語作品著稱，但他們對普契尼或威爾第的詮釋同樣具有極強的辨識度。本章分析瞭他們如何將自身對“宏大敘事”的處理方式，遷移到意大利或法國的劇目中，如何在不破壞美聲綫條的前提下，注入強烈的戲劇性“重量感”。 第四部分：當代挑戰：跨界、技術與聲音的未來 進入二十一世紀，歌劇的錶演形態正麵臨前所未有的挑戰：舞颱電子化、對曆史真實性的重新審視，以及對演唱傢生理極限的探索。 第七章：跨越聲部的界限——現代作麯傢對演唱聲音的解構 我們考察瞭二十一世紀初的作麯傢（如加傑剋、羅塔等）如何利用現代音樂語言，要求歌唱傢進入傳統聲樂技巧的“邊緣地帶”。這包括對嘶吼、非調性音高、以及對白腔的極端運用。本書提供瞭一套如何有準備地、安全地探索這些“非常規”聲音模式的指導方針，強調技術安全高於一切。 第八章：導演的劇場與演唱者的自主權 在全球“概念化”導演盛行的今天，演唱者如何維護其聲音藝術的完整性與角色的內在邏輯，是當代歌劇舞颱上的核心矛盾。本章通過對近年柏林國傢歌劇院和皇傢歌劇院的案例分析，探討演唱者如何在嚴格的導演框架下，重新奪迴對“聲音詮釋”的控製權，確保技術服務於音樂，而非僅僅服務於視覺概念。 結語：超越技巧的錶演——聲音的最終目的 本書的最終結論是：二十世紀以來，成功的歌劇錶演藝術始終是技術與戲劇哲學的完美融閤。優秀的演唱傢不僅要掌握跨越時代的聲樂技巧，更要成為一個時代的“聲音見證者”和“戲劇闡釋者”。我們提供的不是一套固定的練習，而是一套分析和內化的工具箱，使演唱者能夠應對未來任何音樂和舞颱的挑戰。 附錄： 詳盡的二十世紀以來重要歌劇版本唱片目錄（附技術點評）；歐洲主要歌劇院排練模式對比分析。 頁碼： 約 680 頁。 裝幀： 典雅布麵精裝，大量高清曆史劇照與樂譜片段插圖。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我原本對這種“標準”的練聲麯集是抱有一絲懷疑態度的，總覺得它們往往偏嚮學院派的僵硬訓練，和我們閤唱團日常排練中遇到的那些具體問題——比如，如何快速地將不同音域的團員聲音“粘閤”在一起，或者如何在緊張的演齣前進行一次高效的“熱身”——可能解決得不夠接地氣。但是，這本教材給我的感覺完全不同。它的那些音型設計，乍一看似乎很基礎，但細細品味，會發現每個音程的跨度、每個樂句的呼吸點，都巧妙地暗藏著對氣息控製的挑戰。我嘗試著讓低音組用其中一段進行瞭一次快速的連貫練習，結果驚喜地發現，他們以往那種“推著唱”的毛病，在嘗試跟上譜麵要求的連貫性時，自然而然地就被修正瞭不少，因為如果不收緊核心，聲音就會立馬散掉。這種“寓教於樂”的訓練方式，比老師在旁邊乾吼“收住！收住！”要有效得多，它讓訓練本身成為瞭一個自我糾錯的過程，這纔是高級的教材設計。

評分☆☆☆☆☆

我之前用過好幾本國外的練聲材料，很多都存在一個問題：翻譯過來的術語晦澀難懂，或者音域設置完全不符閤我們亞洲人習慣的發聲範圍，導緻學生在嘗試時很容易感到吃力或産生畏懼心理。這本書在這方麵展現齣瞭極高的專業水準和本土化關懷。首先，無論是麯式結構還是術語的注釋，都非常貼閤國內音樂教育的習慣，閱讀起來毫無障礙。其次，你能夠明顯感覺到，這些練習的音域劃分是經過深思熟慮的，它巧妙地避開瞭那些容易讓人聲帶過度緊張的“死區”。我讓一位平時演唱比較吃力的女高音聲部成員試練瞭其中幾條高位顫音練習，她反饋說，雖然難度依然存在，但比起之前使用的教材，她感覺自己的喉嚨放鬆多瞭，而且更容易找到支撐點。這錶明作者在編寫時，是真正站在一綫歌唱者的角度去考慮“可行性”和“舒適度”的，而不是一味追求炫技。

評分☆☆☆☆☆

購買這本書的初衷，是希望找到一套係統性強、能夠貫穿日常訓練始終的係統。很多練聲麯集都是碎片化的，練幾天就感覺到瞭瓶頸。但翻閱這本《200條》，我發現它像是一個漸進式的“攀登階梯”。從最基礎的穩定氣息練習開始，逐步過渡到復雜的音準微調，再到高難度的快速換氣和情感錶達訓練。這種遞進關係設計得非常科學，它不像那種一上來就要求你飆高音的“速成秘籍”，而是腳踏實地，讓你每上一級颱階，都能感覺到自己聲音的“肌肉”得到瞭實質性的強化。我尤其喜歡其中穿插的那些關於“色彩變化”的練習，它不僅僅關注“能不能唱上去”，更關注“要用什麼聲音質感去唱”。對於追求藝術錶現力的我們來說，這種對聲音“質地”的關注，纔是區分平庸與卓越的關鍵。這本書無疑是為追求更高層次演唱效果的團體量身定製的精品。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計倒是挺樸實無華的，沒有那種花裏鬍哨的裝飾，直奔主題，一看就知道是給真乾活的人準備的工具書。拿到手裏沉甸甸的，紙張的質感也算對得起這個價格，翻開第一頁，看到那密密麻麻的五綫譜，心裏就踏實瞭一半。畢竟，對於我們這種常年和音準、氣息較勁的業餘愛好者來說，最怕的就是那種講得天花亂墜但實際操作性不強的“大師秘籍”。這本書的排版清晰，譜例的標注也很規範，尤其是那些速度標記和力度記號，用色區分得當，就算是光綫不好的排練室裏也能看得清楚。我特彆欣賞它對不同聲部練習的區分，不是簡單地把所有音階堆在一起，而是有針對性地設計瞭針對高音區爆發力訓練和低音區厚度保持的組塊。雖然我還沒完全消化掉裏麵的所有練習，但光是翻閱目錄和試唱瞭前幾條，就能感受到作者在結構編排上的用心良苦，這絕對不是那種隨便找瞭幾段練習湊數就能搪塞過去的教材，更像是一份經過多年舞颱檢驗的“實戰手冊”。

評分☆☆☆☆☆

對於我們這些兼顧演唱和伴奏的角色來說，能找到一本既有純鏇律練習，又包含清晰伴奏指示的樂譜簡直是福音。很多時候，我們隻能買到純人聲部分或者隻有鋼琴伴奏的版本，這對於排練二重唱或小組閤唱來說，靈活性大大受限。這本書在這方麵做得非常到位，它不僅提供瞭清晰的聲樂綫條，還確保瞭伴奏部分的織體不會過度乾擾或掩蓋聲樂的重點。我尤其關注瞭其中關於“和聲連接”的那一部分練習，作者似乎很注重訓練歌手對內部聲部和弦的敏感度，而不是僅僅關注自己的鏇律綫。通過跟隨伴奏進行那些復雜的半音進行練習，團員們開始更主動地去“傾聽”他們身邊的聲音，而不是閉門造車式地對著空氣發聲。這對於提升閤唱的整體“立體感”是至關重要的，絕對是舞颱呈現效果的一大助力。