80例经典舞台人物肖像造型案例研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵嘉华 著

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• 舞台造型
• 人物造型
• 戏剧
• 表演
• 化妆
• 服装
• 舞台艺术
• 案例分析
• 经典剧目
• 角色塑造

店铺： 英敏图书专卖店

出版社： 东华大学出版社

ISBN：9787566912299

商品编码：29912699039

包装：平装-胶订

开本：16

出版时间：2017-08-01

内容介绍
全书从作者从业所创作的上千个形象*中精选80例经典舞台人物肖像造型案例，将实践和理论高度结合。从舞台人物肖像造型的历史演变，到对不同人物形象形式美的追求和技艺技*研究，再到造型师与角色、观众的互动关系，探讨了诸多与舞台人物肖像造型相关的创作要素。

目录
*1部分 经典舞台人物肖像造型案例 概 述 1.细说“肖像妆”—— 孙中山的造型 2.谈肖像妆中的“像”及美化 3.谈及肖像妆的全方位和生活化 4.肖像妆的“三部曲” 5.他留下了鲁迅的“肖像妆” 6.俄罗斯教授和美guo黑人士兵 7.钱程的两个造型和沈*华的“金牛” 8.《屈打成医》中的钱老爷 9. 萧雅的几个造型 *二部分 肖像造型教学示范教与学 第三部分 舞台人物肖像造型案例欣赏 1.话剧

*1部分 &xbsp; &xbsp; 经典舞台人物肖像造型案例

概 &xbsp; &xbsp;述

1.细说“肖像妆”—— 孙中山的造型

2.谈肖像妆中的“像”及美化

3.谈及肖像妆的全方位和生活化

4.肖像妆的“三部曲”

5.他留下了鲁迅的“肖像妆”

6.俄罗斯教授和美guo黑人士兵

7.钱程的两个造型和沈*华的“金牛”

8.《屈打成医》中的钱老爷

9. 萧雅的几个造型

*二部分 &xbsp; &xbsp; 肖像造型教学示范教与学

第三部分 &xbsp; &xbsp; 舞台人物肖像造型案例欣赏

1.话剧

2.演唱会

3.沪剧

4.滑稽戏

5.其他戏曲

后 &xbsp; &xbsp;记

参考文献

显示全部信息

《光影流转：近代中国剧场艺术的视觉革新与时代脉络》 本书简介 本书深入剖析了二十世纪上半叶，特别是民国时期，中国舞台艺术在视觉呈现方面所经历的深刻变革与复杂演变。它并非聚焦于单一的表演剧目或具体的角色造型案例，而是将目光投向构建这些舞台形象的宏观环境、技术革新、美学思潮以及它们与时代精神的互动关系。 全书分为五个主要部分，力图构建一个多维度的研究框架，探讨从传统戏曲的程式化舞台向吸收西方写实主义、象征主义等元素的现代剧场过渡过程中，视觉艺术如何成为时代情绪与社会批判的载体。 第一部分：舞台空间的重构——从“镜框式”到“流动舞台”的探索 本章首先考察了中国传统戏曲舞台的基本特征——“一桌二椅”所蕴含的极简主义哲学与写意美学。随后，重点分析了西方戏剧理论，如梅耶荷德的“流动舞台”概念和斯瓦尔德的“空间诗学”，是如何被引入中国早期现代戏剧的实践中。 研究内容包括： 1. 剧场建筑的物理变迁： 分析由传统茶园、会馆向新型礼堂、商业剧院（如北京中山公园音乐堂、上海大世界等）转变过程中，舞台结构、灯光设备、观众席布局对视觉效果的制约与解放。 2. 布景与道具的符号学： 探讨在早期现代话剧中，如何运用象征性布景（如一扇门、一张桌子）来暗示复杂的社会环境，而非详尽写实。例如，对早期洪深、欧阳予倩等戏剧家在处理城市空间和乡村意象时，视觉元素的选取与象征意义的探讨。 3. 光影的引入与实验： 考察近代戏班和剧团引入电灯、彩灯后，对舞台氛围营造的初步尝试。研究早期对自然光与舞台灯光差异性的认知，以及如何利用光影塑造人物心理深度，而非仅仅满足照明需求。这部分将着重分析光线作为独立叙事元素的潜能的初次激发。 第二部分：服装与造型的“中西交融”：身份认同的视觉表达 本部分聚焦于舞台服装和人物造型的跨文化语境下的创新与冲突。它探讨的不是具体的“经典造型”，而是构成这些造型的底层设计逻辑与文化张力。 深入分析了以下议题： 1. 革命年代的服饰政治学： 考察学生装、中山装、军装等现代服饰如何迅速进入话剧舞台，取代传统戏服，成为表达进步思想、青年觉醒和爱国主义的视觉符号。分析这种替换背后的社会动因。 2. 民间元素与西方剪裁的碰撞： 探讨舞台设计师如何在吸收西方服装结构（如西装、礼服）的同时，保留或挪用传统服饰（如长衫、袄裙）的特定纹饰、色彩和材质，以平衡“国际化”与“民族性”的需求。 3. “化装”的写实倾向： 对比传统戏曲脸谱的程式化与现代戏剧对写实化人物妆容（如强调肤色、年龄感、职业特征）的追求。研究早期化妆品（如进口颜料、粉底）在舞台上的应用效果及其局限性。 第三部分：媒介的交织：电影、摄影与舞台视觉的相互渗透 舞台艺术的视觉革新往往离不开其他新兴媒体的刺激与参照。本章详细考察了摄影术和电影艺术对舞台视觉观念的冲击与借鉴。 具体内容包括： 1. “舞台剧照”的诞生及其影响： 研究舞台剧照作为一种新的视觉记录方式，如何反向影响了导演和舞台设计师对“完美瞬间”的捕捉与设计。剧照中的构图、景深被视为舞台视觉效果的阶段性成果展示。 2. 电影叙事对舞台调度的启示： 分析早期电影蒙太奇手法、特写镜头等概念，如何被引入舞台调度中，促使舞台布景和人物站位更具冲击力或戏剧张力，例如对“强行聚焦”视觉中心的模仿。 3. 宣传画与舞台海报的视觉语言： 探讨舞台宣传品（如月份牌、戏剧海报）如何提炼和固化舞台形象，并反过来塑造观众对该剧的先入为主的视觉期待。这部分着重于平面设计中舞台元素的提炼与夸张手法。 第四部分：艺术家的身份流变——设计师、导演与造型师的早期实践 本书将舞台视觉的革新归因于新兴艺术家的群体崛起。本章着重于分析这些“视觉创造者”的身份认同与专业化过程。 研究对象包括： 1. 从“美工”到“舞台设计师”的专业化： 考察早期从事舞台美术的知识分子（他们往往同时是画家、建筑师或美术教师）如何在实践中摸索出“舞台设计”这一独立学科的职责边界。 2. 导演中心制与视觉决策权： 分析在导演权力日益强化的背景下，视觉元素（灯光、服装、布景）是如何从传统戏班的“行头总管”手中，逐步转移到接受现代艺术教育的导演和设计师手中。 3. 留学归国艺术家的知识移植： 探讨从日本、欧洲学习新艺术思潮的艺术家如何将当时前沿的象征主义、表现主义（在视觉上体现为色彩、线条的非自然运用）的理论，尝试性地移植到相对保守的中国舞台实践中。 第五部分：视觉的“非经典”：民间剧社与边缘表演的视觉生态 最后一部分将视野从主流的职业剧团扩展到更广阔的民间表演领域，以展现视觉艺术的多样性与生命力。 关注点在于： 1. 民间戏班的实用美学： 分析在资源有限的情况下，地方戏班如何通过材料的创新运用（如使用廉价布料、自制染料）来实现既有视觉冲击力又符合角色设定的服装和道具。 2. 连环画、皮影戏等视觉艺术的相互滋养： 探讨舞台视觉并非单向接受西方影响，而是与本土的通俗艺术形式（如月份牌、连环画中的人物造型）形成互文关系，共同塑造了近代中国大众的视觉记忆。 3. 时代的断裂与遗存： 总结在社会动荡和战争影响下，舞台视觉艺术的实验性尝试是如何被中断或被迫转向特定政治宣传的。探讨哪些视觉遗产得以保留，哪些则随着特定剧团的消亡而成为历史的碎片。 总结： 本书旨在提供一个宏观的、跨学科的视角，去理解近代中国舞台视觉艺术的“发生学”——即在特定历史语境下，舞台美学是如何从传统中挣脱，吸收外来营养，并最终孕育出具有时代烙印的视觉语言。它关注的是“如何看舞台”以及“舞台如何反映时代”，而非对具体人物肖像造型的样式汇编。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本书，最让我感到好奇的是它所蕴含的“案例研究”的深度。市面上的很多造型书籍往往是概念的堆砌，或者只是简单展示“之前”和“之后”的对比，但从书名来看，这本书似乎想探究每一个经典造型背后的“必然性”。我猜想，作者一定花费了大量精力去考证每一个造型选择背后的文化背景、导演意图乃至演员自身的身体条件是如何共同作用，最终成就一个舞台形象的。这种自上而下的、探究“因果关系”的叙事方式，远比单纯的技巧教学更有价值。我期待看到的，是那种将造型设计置于宏大的戏剧结构中去审视的视角，比如一个特定的发髻造型，是如何在特定的历史场景中，瞬间完成对人物身份和心理状态的宣告。如果书中能包含一些关键造型的分解图和创作手稿的曝光，那就更令人兴奋了，那将是理解艺术家创作心路历程的宝贵窗口。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和选材透露出一种对专业精神的尊重，这在我翻阅的第一时间就给我留下了深刻印象。我尤其留意了书本的开本和字体选择，这对于一本视觉导向的专业书籍至关重要。清晰、适中的字体配合大面积的留白，使得阅读体验非常舒适，即便需要长时间研读那些复杂的造型图示，眼睛也不会感到疲劳。我更欣赏的是它在视觉呈现上所展现出的那种克制而高级的审美趣味，没有过度花哨的装饰，所有的设计都服务于内容本身，显得专业且沉稳。这种对“形式服务于内容”的坚持，预示着书中的内容也会是同样严谨和聚焦的。我希望在后续的阅读中，能看到作者是如何处理不同材质（如布料、金属、皮肤）在舞台灯光下的质感表现，以及这种表现如何服务于人物的情感张力，而不是仅仅停留在表面的“像不像”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常引人注目，色彩搭配大胆而富有张力，那种舞台的聚光灯效果仿佛透过纸面都能感受到。我拿到书后，首先被其精良的装帧所吸引，纸张的质感很好，拿在手里沉甸甸的，让人感觉这是一本经过精心打磨的专业书籍。虽然我还没有深入阅读内页，但仅凭这第一印象，我就觉得它绝对不是那种敷衍了事、内容空洞的速成手册。从封面和目录的布局来看，它似乎在探讨一种将艺术性与技术性完美融合的造型哲学，那种对细节的极致追求，从排版的小心翼翼中就能窥见一斑。我期待书中能有关于色彩理论在舞台照明下如何变化，以及不同历史时期或剧目风格对人物造型的深层影响的论述，而不是简单地罗列“怎么画一个角色的眼睛”。它似乎更像是一本深入剖析“造型思维”的指南，而不是一本简单的操作指南，这对我这样一个对舞台艺术保持敬畏之心的学习者来说，有着巨大的吸引力。

评分☆☆☆☆☆

仅仅从书的整体气场来看，这本书似乎在营造一种近乎学术研究的严谨氛围，而不是那种轻快的“教程”感。它的版面布局看起来是经过深思熟虑的，注重逻辑的连贯性和视觉的节奏感。我推测，作者在选取“80例”时，一定遵循了一套非常严格的标准，这些案例不仅仅是因为“美观”而被挑选出来，更重要的是它们在舞台造型艺术史上可能具有某种开创性或里程碑式的意义。如果书中能够穿插一些关于造型材料选择的演变史，或者不同年代舞台技术对造型实践的制约与解放的讨论，那这本书的价值将远远超越一本单纯的造型手册，而成为一部关于舞台视觉文化发展史的侧面记录。我非常期待能从中洞察到那些顶尖造型师如何平衡艺术想象与实际舞台操作的残酷限制，并最终实现惊人的舞台效果。

评分☆☆☆☆☆

这本书的体量看起来相当可观，厚实的手感暗示了内容的丰富性和详实性。我注意到它似乎采用了某种线装或高质量胶装工艺，这保证了即使是翻阅大幅面的图片或复杂的设计图，书本也能平整地打开，这一点对于需要对照文字和图像进行学习的读者来说，是极其重要的实用考量。这种对细节的关注，让我对内页的图片质量充满了期待。我非常希望书中收录的肖像造型能够涵盖多种艺术风格的跨度，比如从古典主义的严谨到现代先锋戏剧的解构与重塑。一个优秀的案例研究，不应该只聚焦于某一特定领域的成功范例，而应该展现造型艺术在应对不同戏剧挑战时所展现出的灵活性和创造力。这种广度和深度兼备的展示，才是真正能够拓宽我们艺术视野的“教科书”。