视觉乐园-于幸泽的艺术世界 9787513031868 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王萌 著

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店铺： 韵读图书专营店

出版社： 知识产权出版社

ISBN：9787513031868

商品编码：30141422772

包装：平装

出版时间：2014-12-01

图书基本信息
图书名称	视觉乐园-于幸泽的艺术世界	作者	王萌
定价	90.00元	出版社	知识产权出版社
ISBN	9787513031868	出版日期	2014-12-01
字数		页码
版次	1	装帧	平装
开本	16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

本书是“寺上美术馆实验室计划（回）”的组成部分。该计划的学术来源是王萌先生从艺术管理学的角度于2006年提出、2010年进一步完善的“文化发生场”理论，这一理念旨在探索美术馆运营方式的新思维。在现代艺术早已实现“博物馆化”的前提下和当代艺术正在与美术馆发生新的关系这一现实中，“文化发生场”理论启迪我们不再仅仅局限于传统美术馆概念下的“典藏”“研究”“展示”和“教育”的“分离式”功能框架，而倡导美术馆的文化功能更好地与艺术的发展进程联系在一起，并以自身的“文化战略”为宗旨提出一揽子计划，将艺术原生态中作为“艺术碎片”存在的资源通过“博物馆行为”整合为“艺术现象”，从而让美术馆从一个物理意义上存在的实体空间转换为一个有内在生命的文化发生的“场域”。本册的主要内容是对艺术家于幸泽作品的呈现与分析。

作者简介

王萌，现任职于中国美术馆。策展人、艺术批评家、美术馆学研究者。中央美术学院艺术管理硕士、美术史学士。曾策划的展览有：“寺上美术馆实验室计划(回)——今日绘画中的媒介与方法”(北京寺上美术馆)、“此时此地——中国当代艺术邀请展”(北京韩国文化中心)、“从现代出发——15位艺术家的15个表达”(中国美术馆)、“折象——王彦萍作品展”(北京画院美术馆)、“中国意志——中国当代绘画展”(北京当代美术馆、798布鲁姆画廊，与彭锋、赵野联合策展)、“神奇的新‘疆’——张永旭作品展”(新疆吐鲁番博物馆)、“独立——张方白个展”(北京798亚洲艺术中心，与彭锋合作，展览总监)等。此外，在澳大利亚“中国文化年”(2011)和德国“中国文化年”(2012)期间，作为“新境界——中国当代艺术展”(澳大利亚国家博物馆)和“无形之形——中国当代艺术展”(德国卡尔舒特艺术中心)视觉艺术策展团队的成员，成功实现了在堪培拉和布德斯多尔夫的项目。

目录

壹 缘起：于幸泽的北京个展 7 贰 深化：于幸泽的创作世界 17 叁 附录：评论精选艺术简历 145

编辑推荐

让美术馆从一个物理意义上存在的实体空间转换为一个有内在生命的文化发生的“场域”。

文摘

序言

书名：艺境流光：当代视觉文化探索 内容简介： 在信息爆炸的数字时代，视觉语言以前所未有的速度和广度渗透并重塑着我们的感知世界。《艺境流光：当代视觉文化探索》并非聚焦于单一艺术家的创作历程，而是旨在构建一个宏大而精微的框架，用以剖析二十一世纪以来视觉艺术在全球化、技术迭代与社会变迁背景下的多元面貌、内在逻辑及其对人类心智结构的影响。本书深度挖掘了构成当代视觉场域的复杂肌理，从架上绘画的媒介革新，到装置艺术的空间介入，再到新媒体艺术的虚拟构建，力求呈现一幅既具学术深度又富于审美启迪的文化全景图。 本书的结构围绕三大核心主题展开：媒介的拓扑学重构、符号的意义漂移与身份的流动画谱。 第一部分：媒介的拓扑学重构——从模拟到数字的边界消融 当代艺术的核心特征之一，是传统媒介边界的模糊与新媒介的强势崛起。本部分首先考察了摄影、电影等传统视觉媒介在数字转码后所经历的范式转移。我们探讨了“像素”作为基本构成单位如何取代传统画布上的笔触，成为视觉信息的最小载体，并分析了这种转变如何影响了作品的物质性与时间性。 随后，本书将焦点投向了新兴的数字媒介——虚拟现实（VR）、增强现实（AR）以及生成艺术（Generative Art）。我们审视了艺术家如何利用这些技术工具，不仅是描绘世界，更是建构全新的、可供感知的“他者世界”。重点案例分析了沉浸式装置如何挑战观众的主体性与在场感，以及算法在艺术创作中的角色定位——是工具，还是共同创作者？我们深入辨析了“真实”与“模拟”之间界限的瓦解，这种瓦解不仅是技术层面的，更是哲学层面的，它迫使我们重新思考图像的“在场性”与“在心性”。 本部分特别辟出一章，专门讨论“时间的视觉化”。在数字界面中，时间不再是线性的、不可逆的流程，而是可以被截取、循环、重组的“数据流”。动态影像和时间性装置如何捕捉并放大这种时间经验的碎片化与非线性，成为当代视觉叙事的重要特征。 第二部分：符号的意义漂移——全球化、挪用与解读的危机 在全球化浪潮下，视觉符号的传播速度超越了其文化语境的构建速度，导致了意义的快速“漂移”与“稀释”。本部分着重分析了当代艺术中“挪用”（Appropriation）策略的复杂性及其伦理困境。艺术家如何从大众文化、历史档案或商业广告中截取符号，并将其置入新的语境，以达到批判、致敬或戏仿的目的？我们考察了符号的“去语境化”过程，以及这种去语境化如何反映了全球文化交流中的权力不对等。 一个重要的议题是“后真相时代”的视觉修辞。随着深度伪造（Deepfake）等技术的成熟，视觉证据的说服力遭受了根本性的挑战。本书分析了艺术家如何利用对“虚假真实”的模拟和暴露，来揭示信息时代的操控机制。我们探讨了符号的“超真实”（Hyperreality）状态，即符号系统自身成为参照，脱离了对外部现实的指涉。 此外，本部分还关注了“图像的瘟疫”现象——信息过载背景下视觉疲劳与图像的廉价化。在无休止的视觉洪流中，艺术作品如何努力争取其独特性和持久的意义，成为一个紧迫的议题。 第三部分：身份的流动画谱——身体、空间与能动性的再定义 当代视觉艺术是身份政治、身体观念和空间体验的密集交汇点。本部分探讨了身体在当代语境下的多重表征：被技术中介的身体、被解构的性别身体、以及被社会权力结构规训的身体。艺术家不再将身体视为一个固定不变的实体，而是将其视为流动的、可塑的、可被数据化的场域。 我们深入分析了“他者性”的视觉呈现与缺席。在后殖民语境下，非西方身份的图像如何被构建、被凝视，以及艺术家如何通过自我表述来反抗既有的凝视结构。书中特别关注了数字身份的建构，即在社交媒体和元宇宙空间中，个体如何通过精心策划的视觉形象来管理和展示其多重身份。 最后，本书关注视觉艺术对“公共空间”的介入与重塑。从行为艺术的身体力行，到基于地理位置（Site-Specific）的装置艺术，视觉作品如何重新定义了我们与物理环境的关系？我们考察了艺术如何成为一种抵抗和协商空间权力的媒介，以及在城市化进程中，视觉艺术在记忆建构和社区构建中扮演的角色。 结语：在不确定性中捕捉“光” 《艺境流光》试图向读者展示，当代视觉艺术的价值不在于提供确定性的答案，而在于其提出更深刻、更具挑战性的问题。它是一场对我们如何观看、如何理解、以及如何存在于这个日益复杂的视觉宇宙中的深刻对话。通过对媒介、符号和身份这三个维度的系统性梳理，本书期望能激发读者超越简单的审美愉悦，进入对当代文化景观的批判性阅读与积极参与之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体气场非常强大，翻阅的过程中，我能明显感受到一种超越传统界限的探索精神。它不仅仅是简单地陈列作品，更像是在构建一个完整的思想体系，一个关于“观看”与“被观看”的哲学对话现场。很多页面的布局设计，巧妙地运用了留白和负空间的艺术，这种“不言而喻”的处理方式，比大面积的堆砌信息更考验功力。它没有用过多的文字去解释，而是将解释的权利交还给了读者，让观者自己去填补空白，去构建与艺术家之间的情感连接。我注意到在某些跨页的设计中，两幅看似不相关的作品被并置在一起，却产生了奇妙的化学反应，这种非线性的叙事结构，非常高级，它要求我们调动记忆和联想能力。这让我联想到一些先锋派的电影语言，通过快速的蒙太奇和意象的碰撞，达到一种直击内心的震撼效果。对于那些习惯于被动接受信息的读者来说，这本书或许需要一个适应的过程，但一旦进入它的节奏，那种被唤醒的创造力和思辨性，是其他流水线产品无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本书在装帧材料的选择上，似乎也进行了一番精心的考量，它散发出一种低调的奢华感。内封套的触感粗粝而富有颗粒感，与内页的精细光面形成了有趣的对比，这种材质上的张弛有度，增加了阅读的仪式感。当书本完全摊开时，可以感觉到它在结构上的坚固和稳定性，这对于需要长时间鉴赏大幅面作品的读者来说至关重要。更令人称道的是，它在印刷技术上的投入，特别是对于高饱和度色彩的还原，几乎达到了摄影级的精度，那些原作中微妙的色彩层次，比如从深靛蓝到幽紫的过渡，都没有出现任何断层或“死色”。这种对细节的极致追求，表明出版方对艺术的尊重，也让读者能够更接近艺术家创作时的真实意图。这种对“物质性”的重视，使得这本书不仅仅是知识的载体，更成为了一个可以被触摸、被感知的艺术客体本身，极大地提升了收藏价值。

评分☆☆☆☆☆

从一个经常购买艺术类书籍的普通爱好者的角度来看，这本书在“可读性”和“艺术性”之间找到了一个非常微妙的平衡点。它的视觉冲击力毋庸置疑，但有趣的是，它并没有因此牺牲掉内容的深度。虽然我们现在讨论的重点是外观和结构，但我能从那些看似随意的布局中，嗅到一种经过深思熟虑的“引导性”。例如，某些作品被放在一个极小的画框内，周围留出大量白边，仿佛是故意提醒读者，真正的艺术往往需要你主动去靠近和审视，它不会总是占据画面的中心。这种空间上的处理，映射了艺术家对待“重要性”的选择哲学。这本书像是一个高明的策展人，它不厌其烦地用版式设计来强化作品的内在信息，使得那些原本可能被忽略的次要元素，也获得了被关注的权利。总体而言，它带来的体验是立体且多维的，它不仅是关于“看”的，更是关于“如何重新学习去看见”的一本指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑似乎是反传统的，它没有采用严格的时间线或是主题分类，而是更像是在遵循一种情绪或意境的流动。翻阅时，会发现从一片沉静的黑白灰突然跃入一幅充满野性生命力的彩色构图，这种节奏上的强烈反差，有效地避免了视觉疲劳，保持了阅读全程的高度专注。我特别喜欢其中某些章节对“系列”作品的处理方式，它们没有被强行切割，而是以一种对话的形式存在于相邻的页面上，仿佛在无声地争辩或互补。这种“叙事”的构建，极大地拓宽了我们对艺术家创作脉络的理解，它不是一个简单的“作品集”，而更像是一份精心策划的展览导览，引领我们从一个情感高点平稳过渡到另一个意境深处。这种非线性的、更偏向于感觉引导的编排方式，无疑是对传统艺术书籍刻板印象的一次有力挑战，它迫使我们抛弃既有的认知框架，用心灵去感受作品之间的微妙共振。

评分☆☆☆☆☆

这部作品，初看书名就给人一种充满奇幻色彩的印象，仿佛带领读者进入一个完全由视觉元素构建的梦幻国度。装帧设计无疑是精心打磨过的，那种扑面而来的艺术气息，让人在翻开扉页之前，就已经被其独特的审美取向所吸引。纸张的质感光滑而厚重，油墨的印刷清晰度极高，即便是最细微的线条和渐变过渡，都表现得淋漓尽致。我个人特别欣赏它在排版上的大胆尝试，不同于传统艺术画册的规整对称，它似乎更倾向于一种流动的、有机的布局，让每一页的视觉焦点都在不断地变化，迫使读者必须慢下来，去捕捉每一个不经意的细节。虽然我还没有深入研究具体的艺术内容，但仅从形式语言上来说，这本书本身就是一件值得收藏的艺术品，它似乎在向我们传递一个强烈的信号：艺术不仅仅是内容，更是一种全方位的沉浸式体验。从光影的捕捉到色彩的运用，都透露出创作者对“美”的独特理解和执着追求，这一点，对于那些渴望在日常生活中寻找美学灵感的普通读者而言，无疑是一次视觉上的盛宴，令人充满期待。