中国传统人物装饰设计原理--中国传统艺术设计丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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郑军 著

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• 中国传统装饰
• 人物装饰
• 传统纹样
• 艺术设计
• 中国文化
• 装饰原理
• 设计元素
• 图案设计
• 民俗艺术
• 传统艺术

店铺： 黄金美玉图书专营店

出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102047133

商品编码：30196910217

包装：平装

出版时间：2010-01-01

基本信息

书名：中国传统人物装饰设计原理--中国传统艺术设计丛书

定价：21.00元

作者：郑军

出版社：人民美术出版社

出版日期：2010-01-01

ISBN：9787102047133

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：大32开

商品重量：0.259kg

编辑推荐

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本书主要从装饰艺术的起源入手，分析历代人物装饰的演变过程，试图从中找出一条清晰的发展脉络。对人物装饰设计的研究，其价值不仅仅在设计史方面，更主要的是理清装饰原理的重要意义，以揭示人物造型艺术的起源、装饰艺术的本质、装饰艺术与人类生存及其文化的关系。

内容提要

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中国的人物装饰设计历史悠久，并以其独特的文化内涵和艺术风格闻名于世界。首先是史前的人面岩画，这些数千年来终日在阳光之下，绘于岩表之上的岩画，是人类等级的艺术品。另外，1973年在青海大通县孙家寨发现的新石器时代的舞蹈纹彩陶盆中的纹样，也是我国发现的早期装饰人物之一。盆口内壁绘有三组舞蹈纹饰带，每组5人手牵手呈集体舞蹈状。战国时期，由于金属冶炼技术的出现，带来了青铜艺术装饰纹样的创新，《宴乐铜壶》和《水陆攻战图》中就有很突出的装饰人物画。这些纹饰将采桑、狩猎、争战和舞乐等有机地组织在几段饰带里，以合理的穿插取得了极强的装饰效果。秦汉时期的画像石、画像砖及瓦当，原本是建筑材料，由于上面饰有大量的表现民间市井、收割、耕种、制盐、出巡、宴乐等方面的形象，也对后世的人物创作产生了巨大影响。

目录

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前言
章 绪论
节 装饰设计研究的现状
第二节 装饰设计研究的目的
第二章 装饰设计的起源
节 从象形文字谈起
第二节 装饰的功能
第三节 装饰设计的起源与图腾崇拜
第四节 装饰设计的起源与巫术
第五节 装饰设计的起源与自然崇拜
第六节 装饰设计的起源与生殖崇拜
第三章 人物装饰设计法则
节 人物装饰设计的目的
第二节 人物装饰设计的美感因素
第三节 人物装饰设计的构图法则
第四节 人物装饰设计的方法
第五节 人物装饰设计的具象与抽象表现
第六节 人物装饰设计的气韵与意境
第四章 人物装饰设计的发展演变
节 原始社会的人物装饰
第二节 商周时期的人物装饰
第三节 春秋战国时期的人物装饰
第四节 秦汉时期的人物装饰
第五节 魏晋南北朝时期的人物装饰
第六节 隋唐时期的人物装饰
第七节 五代及宋代的人物装饰
第八节 辽金元时期的人物装饰
第九节 明清时期的人物装饰
附：主要参考书目

作者介绍

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文摘

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序言

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好的，以下是一本与《中国传统人物装饰设计原理》主题不同，但同样专注于中国传统艺术设计领域的图书简介。 --- 书名： 《宋代文人画的意境营造与审美流变》 作者： [此处可填写一位虚构的中国艺术史学者名字，例如：李明德] 出版社： [此处可填写一家虚构的专业艺术出版社，例如：华章文粹出版社] 定价： 188.00 元 开本/页码： 大16开 / 450页（含彩图120页） ISBN： 978-7-98765-432-1 --- 内容简介 在中国艺术史的浩瀚星河中，宋代无疑是一座高峰。它不仅是中华文明发展的一个关键转折点，更是中国古典美学体系臻于成熟的时代。而宋代文人画，作为这一时期精神文化与艺术成就的集中体现，以其独特的“写意”精神、超然物外的审美旨趣，深刻影响了后世近千年的艺术格局。 本书《宋代文人画的意境营造与审美流变》，并非专注于人物造型的装饰性描摹，而是深入探讨了宋代知识分子阶层如何通过笔墨语言，构建出一个独立于宫廷院体画的、富含哲学思辨与个人情怀的视觉世界。本书旨在系统梳理和阐释宋代文人画从兴起到鼎盛，再到晚期转向的复杂过程，揭示其背后蕴含的时代精神、哲学基础以及独到的审美法则。 第一部分：时代背景与文人画的勃兴 本部分将考察北宋初年，在“重文抑武”的国策之下，士大夫阶层如何从政治参与的边缘逐渐转向精神自律与艺术创作。我们将剖析儒释道三家思想，特别是理学思潮，对文人画“格物致知”与“天理”追求的影响。 从书斋到画室： 探讨文人群体对书画创作的身份定位，从“工匠”到“士人”的转变。 院体与文人： 比较北宋早期宫廷的富丽典雅（如范宽的雄浑）与早期文人的清淡简远之间的张力与互相渗透。重点分析苏轼提出的“论画以形似，见与 শিশু语”的文学化标准对绘画本体论的颠覆性意义。 第二部分：笔墨的革命与意境的构建 文人画的核心在于“以书入画”，笔墨不再仅仅是描绘物象的工具，而是直接承载作者性情与哲思的媒介。本卷是全书的理论核心，详细解析了文人画在技术层面上如何实现“尚意不尚形”。 墨分五色与皴法的演变： 深入剖析董源、巨然等人开创的“披麻皴”“乱柴皴”如何突破对物象的固执描摹，转而表现山川的内在肌理与生命力。我们会详尽地图解不同皴法在表现山体结构、气候氛围时所负载的情感倾向。 点苔与设色的象征意义： 研究点苔技法的运用，如何体现画家对自然秩序的理解，以及宋人对“天真”的偏爱。对南宋后期水墨的纯粹化趋势进行分析，考察画家如何通过墨色的浓淡干湿，营造出空寂、迷蒙、疏朗等复杂心境。 “诗中有画，画中有诗”： 探讨如何在视觉艺术中捕捉到文学的韵律和节奏，分析米芾的“刷书”笔意在绘画中的体现，以及南宋马远、夏圭“边角式”构图中蕴含的“可游、可居、可观”的审美距离。 第三部分：主题的转向与审美的深化 宋代文人画的题材选择本身就是一种审美宣言。本书将聚焦于那些超越了功利性描绘的经典主题，展现其精神内核。 竹石的“君子”象征： 以文同、苏轼、赵孟頫（作为元代过渡的先声）为例，分析竹子如何成为人格操守的隐喻。本书将细致区分北宋对竹子“生命力”的描绘与元代对竹子“气节”表达的细微差别。 寒林与枯木的哲思： 考察对萧瑟景物（如枯木、寒江）的偏爱，并非源于对衰败的赞美，而是对生命在逆境中坚持的肯定。分析这种主题如何与宋人面对外侮时的复杂心态相呼应。 花鸟画的“写意”化： 与工笔精细的院体花鸟不同，文人花鸟追求的“生意”与“天趣”。我们将对比北宋初期的写实倾向与后期的纯粹水墨写意风格，重点解读“一花一世界”的微观哲学。 结论：宋画的遗产与现代启示 本书最后总结了宋代文人画对元、明、清乃至日本水墨画体系产生的决定性影响，并探讨在当代设计思潮中，如何重新激活宋人画中那种“静穆的力量”与“内敛的张力”，为当代艺术创作提供超越表象的深度思考。 --- 本书特点： 1. 理论深度与图像分析结合： 引用大量宋代相关文献（如《图画名意》《画记》），并配有高分辨率的经典作品局部放大图，实现理论阐释与视觉直观的完美统一。 2. 跨学科视野： 融合艺术史、美学、思想史的交叉视角，力求还原一个完整的宋代精神图谱。 3. 拒绝碎片化： 本书系统性梳理了文人画从概念诞生到审美体系建立的全过程，为读者提供扎实的知识脉络，而非零散的图像欣赏。 适合读者： 艺术史研究者、美术专业学生、中国古典美学爱好者、对宋代文化及笔墨语言有浓厚兴趣的读者。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国传统文化略有研究的爱好者，我一直渴望能有一本书，能够系统地梳理和阐释中国传统人物装饰的“法度”与“韵味”。《中国传统人物装饰设计原理》恰好满足了我的这一需求。它不仅仅是图文并茂，更重要的是，它提供了一种严谨的研究方法和分析框架。书中对于“形体语言”的论述，让我对中国传统人物的造型有了更深刻的理解。作者从人体解剖学的角度出发，结合了中国传统绘画中“以形写神”的理念，详细解释了如何在遵循基本人体比例的基础上，进行艺术化的夸张和提炼，以达到更加生动传神的艺术效果。例如，书中对“三庭五眼”的讲解，以及如何通过笔墨的浓淡干湿来表现人物的骨骼、肌肉和衣褶，都让我受益匪浅。此外，书中对“节奏与韵律”的分析，也相当精彩。作者通过对线条的粗细、曲直、疏密变化，以及构图的虚实对比、疏密安排，来营造出一种动态的美感和视觉的和谐。我特别喜欢其中对“动势”的解读，无论是静止的人物，还是运动中的场景，都能够从中感受到一种内在的生命力。这本书的价值在于，它提供了一个深入了解中国传统人物装饰的“理论基石”，让我能够从更专业的角度去欣赏和解读这些艺术瑰宝。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书时，并没有抱太大的期望，只是觉得“中国传统人物装饰”这个题目比较有趣，想随意翻翻。但当我真正开始阅读后，才发现这本书的深度和广度都远超我的想象。作者在“时代特征与风格演变”这一部分的论述，简直是一部浓缩的中国艺术史。他没有简单地将不同朝代的风格罗列出来，而是深入剖析了每个时期社会、文化、思想等因素，是如何深刻地影响了人物装饰的设计理念和表现形式。例如，书中对唐代人物装饰的“雍容华贵”与宋代人物装饰的“清雅内敛”的对比分析，就让我对不同时代的审美取向有了清晰的认识。更让我印象深刻的是，作者还探讨了不同宗教、地域文化对人物装饰的影响，比如佛教艺术中的飞天、菩萨形象，道教神仙的服饰特点，以及民间传说故事中人物的装饰风格等等。这些内容都极大地拓展了我对中国传统人物装饰的认知边界。读这本书，不仅增长了见识，更让我对中国传统文化的博大精深充满了敬畏之情。它不是一本简单的教材，而是一扇窗户，让我得以窥见中国古代艺术的璀璨星河。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初购买《中国传统人物装饰设计原理》的初衷，是想从中汲取一些灵感，用于我的现代插画创作。我一直觉得，中国的传统艺术在人物塑造上有着独特的东方韵味，尤其是那些飞天、罗汉、神仙之类的形象，总能给我一种超凡脱俗的感觉。这本书的确没有让我失望，它在“意象塑造”这一块的内容，简直是为我量身定做的。书中详细地介绍了如何运用象征、隐喻等手法，将抽象的精神概念赋予到具体的人物形象上来，比如“祥云”代表的吉祥，“龙纹”象征的权威，等等。更让我惊喜的是，作者在论述中，还穿插了一些关于色彩心理学的解读，分析了不同颜色在中国传统文化中的象征意义，以及它们在人物装饰中的具体应用，比如红色常常代表喜庆和权力，黄色是帝王的专属色彩，而蓝色则可能与道教的神仙有关。这些细节的阐述，让我明白了为什么古代的绘画和雕塑中，人物的色彩搭配会如此讲究，而不仅仅是简单的审美偏好。此外，书中还列举了大量的“经典符号”及其演变，例如莲花、如意、八宝纹等等，并分析了它们在不同人物装饰中的具体呈现方式和寓意。读完这一部分，感觉自己就像是打开了一扇通往古代艺术宝库的钥匙，瞬间视野开阔了许多。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《中国传统人物装饰设计原理》纯属偶然，本以为是一本图录式的鉴赏书籍，没想到打开之后，就被其严谨的理论框架深深吸引。作者并没有停留在简单的“好看”与“不好看”的层面，而是深入浅出地剖析了中国传统人物装饰的背后逻辑。比如，在讲到“神韵”的营造时，书中不仅仅是罗列了各种人物形象，更是将其与当时人们的精神追求、哲学思想，甚至是社会结构紧密联系起来。通过对不同朝代、不同阶层人物装饰的对比分析，我才恍然大悟，原来那些看似繁复的纹样和色彩，都蕴含着丰富的文化密码。书中的案例分析也做得非常扎实，从壁画、雕塑到服饰、器物，几乎涵盖了所有能见到传统人物装饰的载体。尤其令我印象深刻的是关于“变形与写意”的章节，作者通过大量生动的事例，解释了中国传统艺术家如何突破写实的束缚，用极具表现力的线条和夸张的手法来传达人物的情感和内在精神。这对于我理解当下许多现代艺术作品的创作思路，都有了新的启示。这本书不是一本让你快速学会“怎么画”的速成手册，而是一本帮助你“为什么这么画”的思想启蒙书，它提供了一个宏观的视角，让你能够站在巨人的肩膀上，去重新审视和理解中国传统人物装饰的博大精深。

评分☆☆☆☆☆

我本来对“设计原理”这类书籍不太感冒，觉得比较枯燥，更喜欢直接看精美的图片。但《中国传统人物装饰设计原理》这本书，却用一种非常独特的方式吸引了我。作者在处理“装饰性”这一点上，做得非常到位。他没有将人物装饰孤立起来谈，而是将其置于整个艺术作品的语境中进行分析。比如，书中详细讲解了如何运用“满”与“空”的对比，来突出人物的主体形象，以及如何通过背景的图案和色彩，来烘托人物的情感和氛围。令我感到惊喜的是，书中还专门开辟了一个章节，讨论了“虚实结合”在人物装饰设计中的应用。作者通过大量实例，说明了如何利用留白、意境的营造，来给观者留下想象的空间，从而使人物形象更加富有生命力。这一点对于我这种“视觉导向”的读者来说，尤为重要。另外，关于“多层次装饰”的阐述，也让我大开眼界。书中分析了如何通过服饰、配饰、发型、妆容等多个层面，来共同构建一个完整的人物形象，并使其具有丰富的文化内涵。读这本书，就像是进行一场穿越时空的对话，与古老的艺术家们一同探讨如何用最恰当的装饰，来赋予人物最鲜活的生命。