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出版社： ABRAMS

ISBN：9781419706929

商品编码：1046352155

页数：240

  详情信息：

  Product Details 基本信息

ISBN-13 书号:9781419706929

Author 作者:Livingstone, Margaret S.

出版社:ABRAMS

Publication Date 出版日期:2014-03-18

Shipping Weight Language 语种:ENG

pages 页数:240

  Book Contents 内容简介

    With the original release of "Vision and Art" in 2002, Harvard professor Margaret Livingstone successfully bridged the gap between science and art, exploring how great painters fool the brain: why Mona Lisa's smile seems so mysterious, or Monet's "Poppy Field" appears to sway. In the revised and expanded edition, Livingstone presents two new chapters of her latest observations, has substantially expanded other chapters, and updates the rest of the existing text with new insights gleaned from her ongoing research, bringing the book to the cutting edge in the field of neuroscience. Accompanying Livingstone's lively prose are many charts and diagrams that lucidly illustrate her points, as well as in-depth analyses of the phenomena found in major works of art. Be it the explanation of common optical illusions or the breakdown of techniques painters use to create those illusions, "Vision and Art" provides a wealth of information for artists, scholars, and scientists alike.

好的，这是一本关于艺术史与视觉文化研究的专著简介，内容详尽，专注于理论探讨与历史脉络的梳理： --- 《光影变奏：媒介、感知与现代性的视觉形构》 作者： [此处留空，或填写虚构的权威学者名称] 出版社： [此处留空，或填写虚构的知名学术出版社] 页数/篇幅： 约 700 页，配有大量插图与图版 定价： [此处留空] 内容提要： 《光影变奏：媒介、感知与现代性的视觉形构》是一部深度剖析自文艺复兴晚期至当代视觉文化演变轨迹的综合性学术著作。本书立足于跨学科的研究视角，将艺术史的传统叙事与媒介考古学、现象学、符号学及社会学理论熔于一炉，旨在揭示不同历史时期内，视觉再现的技术基础、感官经验的结构变化，以及这些变化如何塑造了特定的现代性主体与社会秩序。 本书的核心论点在于，“观看”本身并非一种中立的行为，而是由物质媒介（从油画颜料到摄影化学品，再到数字屏幕）和社会权力结构共同构建的产物。 作者通过对一系列关键“视觉事件”的细致考察，探讨了从传统再现范式向新媒介体验的范式转移过程中，图像的本体论地位、观众的在场性以及艺术家的能动性所经历的根本性重塑。 全书共分为六个逻辑递进的部分，层层深入地构建了一个关于视觉体验的宏大历史地图。 --- 第一部分：前现代的凝视：技艺、光学与宗教的约束（约 1500 - 1750 年） 本部分追溯了西方视觉文化中“真实再现”观念的起源与早期制约因素。重点分析了透视法的几何学基础如何不仅是关于空间描绘的数学工具，更是关于主体位置确立的神学和哲学预设。我们将探讨： 1. 晕涂法（Sfumato）与观看的模糊性： 达·芬奇等大师如何利用色彩与明暗的渐变，挑战了精确轮廓线的权威，引入了一种关于视觉不确定性的早期表达。 2. 奇观之眼（The Ocular Device）： 对暗箱（Camera Obscura）在早期科学实验和艺术实践中的应用进行考察，分析其如何将“观看”固定为一种单点、单向的、可被精确测量的活动，为后来的机械复制奠定技术基础。 3. 宗教图像的体验性： 考察巴洛克时期，特别是卡拉瓦乔和贝尼尼的作品中，如何利用强烈的明暗对比（Chiaroscuro）和动态构图，旨在引发观众的身体共鸣与情感卷入，而非仅仅是认知理解。这部分强调了在印刷术普及前，图像作为权力载体的庄严性与不可复制性。 第二部分：启蒙的光线与物体的编目（约 1750 - 1880 年） 随着科学革命的推进和资产阶级的兴起，视觉经验开始脱离神学权威，转向对自然世界的系统性分类和记录。本章聚焦于光线与物理实在之间的关系被重新定义的过程。 1. 精确性与异化： 详细分析了田园风光画（如英国风景画派）对光影的细致捕捉，以及这种捕捉如何服务于土地所有权和现代科学对自然的理性化控制。 2. 日记的诞生： 深入探讨了摄影术（特别是早期的银版法和湿版法）的出现，如何标志着“瞬间”被时间锁定的开端。本书将摄影术视为一种“记录的暴力”，它以其客观的、化学性的印记，颠覆了绘画的主观性与持久性。分析了早期肖像摄影中，主体如何学习“被拍摄”的姿态，从而参与到自身的形象构建中。 3. 全景监狱与空间的规训： 引入福柯的分析框架，考察 19 世纪博物馆、植物园和全景画（Panoramas）的兴起，这些空间是如何通过精心设计的视觉体验，训练市民对秩序、尺度和知识的服从。 第三部分：现代性的碎片化：印象派、运动与时间的断裂（约 1880 - 1918 年） 工业化、城市化以及相对论等新科学发现，共同瓦解了西方对稳定、连续的视觉现实的信心。这一部分关注艺术对这种感知危机的回应。 1. 色彩的解放与主观化： 探讨印象派和后印象派如何拒绝再现“物体的固有色”，转而描绘光线作用下的“瞬间感受”。这不仅是技法的转变，更是主体内部感知经验的外投。 2. 运动的捕捉与序列的建构： 详细分析了早期电影实验（如卢米埃尔兄弟、爱迪生）以及前卫艺术对“时间”的视觉化处理。通过对运动的拆解与重组（如未来主义对速度的迷恋），视觉不再是静止的瞬间，而是连续的、具有时间深度的流动。 3. 非欧几何与多视角的并置： 分析立体主义如何彻底打破文艺复兴以来的单点透视，通过在二维平面上同时呈现物体的多个侧面，反映了现代主体经验的复杂性与多维度性。 第四部分：机械复制时代的艺术本体论（约 1918 - 1960 年） 本部分集中于瓦尔特·本雅明和阿道夫·霍洛克海默等思想家所探讨的“灵光”（Aura）的消亡与新的大众美学。 1. 摄影作为政治武器： 考察 20 世纪上半叶，摄影和拼贴技术（如达达主义与构成主义）如何被用作批判工具，瓦解传统美学的神圣光环，直接介入社会和政治领域。 2. 大众文化的视觉生产： 分析好莱坞电影工业的崛起，探讨其在标准化叙事和图像生产线上，如何构建出影响全球的集体梦境。电影的运动性与叙事节奏如何成为新的“时间感知”范式。 3. 抽象表现主义的内在转向： 探讨在视觉媒介日益大众化的背景下，抽象艺术如何试图回归个体身体与绘画行为本身，以此作为对机械复制时代“祛魅”的反动。 第五部分：后现代的景观与模拟的饱和（约 1960 年代至今） 本部分关注鲍德里亚、詹姆逊等理论家所描述的，在信息爆炸和全球资本主义驱动下，视觉环境从“再现”向“模拟”（Simulation）的彻底转型。 1. 波普艺术与图像的循环： 考察安迪·沃霍尔等人如何通过对商业图像的复制、挪用与稀释，揭示了消费社会中图像价值的空洞化和无限可替代性。图像不再指向任何“真实”的源头，而仅仅是与其他图像的指涉关系。 2. 景观社会与被动的观看： 深入分析盖伊·德波关于“景观”的理论，探讨现代社会如何被高度组织化的视觉表象所统治，使主体沉溺于被中介化的生活体验之中。 3. 电子屏幕与身体的疏离： 比较传统平面（油画、照片）与电子屏幕（电视、早期的电脑界面）在光照、分辨率和互动性上的差异，讨论这些差异如何影响我们对距离、深度和“在场”的感知。 第六部分：数字时代的新感知结构与视觉的未来 本章收尾部分展望了数字化、虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术对视觉文化产生的颠覆性影响。 1. 交互性与主体的重新定位： 探讨数字图像的可编辑性、即时性与交互性，如何使观看者从被动的接收者转变为主动的“参与者”或“创作者”，但这种参与是否带来了真正的解放？ 2. 算法的凝视： 分析搜索引擎、社交媒体平台背后的算法如何根据用户数据“预测”并提供视觉内容，从而形成一种高度个性化但同时具有强大过滤效应的“定制化景观”。 3. 超越“再现”的视觉实践： 考察当代艺术家如何利用数据可视化、生成艺术（Generative Art）等新形式，探索非人类中心、非具身化的视觉可能性，挑战人类中心主义的视觉霸权。 --- 理论深度与研究价值： 本书的显著特点在于其历史的连续性与理论的锐度。它避免了将艺术史简单地视为风格的更迭，而是将其置于“感知技术”与“社会权力”相互作用的历史场域中进行审视。通过对光线、媒介物质性、空间组织和时间体验的跨领域分析，本书为理解我们身处的图像泛滥时代，提供了坚实的理论基石和广阔的文化参照系。它不仅是一部艺术史著作，更是一部关于现代人如何学会观看、如何被观看的现象学编年史。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉就像是置身于一个精心策划的展览，每一页都是一个独立的展品，但它们又共同构建了一个关于“可见世界”的宏大主题。不同于市面上很多浅尝辄止的文化评论，这本书的深度让人敬佩。作者似乎对艺术史了如指掌，能毫不费力地将文艺复兴时期的透视法与当下的数据可视化艺术进行类比和对比，这种跨越时空的对话能力非常出色。我印象最深的是他对“观看的权力”这一议题的探讨，他分析了商业图像、政治宣传图像以及纯粹的艺术图像之间复杂的权力关系，揭示了我们习以为常的视觉输入是如何被精心设计的。阅读过程需要一定的专注力，因为其中不乏晦涩的理论推导，但一旦跟上作者的思路，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它不是一本用来消遣的书，更像是一本工具书，一把开启我们批判性视觉思维的钥匙。读完后，我发现自己看街边的广告牌、看博物馆里的油画，甚至看手机屏幕上的推送，都会下意识地进行多层次的解读，这种思维方式的转变，是这本书带给我最宝贵的收获。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本书的装帧和排版就已经透露出一种别致的品味，让人爱不释手。内容上，我感觉自己像是在跟随一位学识渊博的向导，穿越一条光影交错的隧道。作者的文笔极其富有画面感，即便是描述一些非常抽象的理论概念，也能用生动的例子将它们具象化。我尤其欣赏作者在处理不同文化背景下的视觉传统时的平衡感，他既没有陷入西方中心主义的窠臼，也没有一味地推崇异域的神秘性，而是以一种开放、尊重的态度去分析“美学”是如何在不同的社会结构中生根发芽的。书中关于“数字时代的审美疲劳”那一部分写得尤其扎心，精准地捕捉到了我们这个时代特有的焦虑——信息过载带来的感知麻木。我感觉作者一直在推着读者往前走，不断挑战我们固有的审美舒适区，逼迫我们重新定义“好看”的标准。这本书的价值就在于，它不仅仅是描述现状，更是在为我们建构一个理解未来视觉世界的框架。

评分☆☆☆☆☆

啊，这本书的名字听起来就充满了对未来和审美的探索，让人忍不住想一探究竟。我刚翻开没多久，就被那种对视觉艺术未来走向的宏大叙事给吸引住了。作者的笔触非常敏锐，不仅关注了技术层面的革新，比如人工智能和新的媒介形式如何重塑我们的感知，更深入地探讨了艺术的本质在这些变化中是否会发生根本性的偏移。我特别喜欢作者对“观看”这个行为的解构，他似乎在提醒我们，在信息爆炸的时代，我们接收图像的方式已经潜移默化地改变了，而这种改变对艺术创作和欣赏的冲击是深远的。书里引用了大量哲学家的观点，将艺术史的脉络与当代的技术发展巧妙地编织在一起，读起来有一种酣畅淋漓的智力上的满足感，仿佛在进行一场跨学科的深度对话。它不是那种空泛地赞美新奇事物的作品，而是充满了批判性的审视，促使读者去思考，在未来的“视觉盛宴”中，什么才是真正有价值的“眼光”。我正在细细品味其中关于虚拟现实中“真实感”与“意义”的章节，那里的论述非常精妙，引人深思。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验是那种渐进式的、层层递进的惊喜。它并非一本速成的指南，而更像是一次需要耐心投入的智力探险。作者对不同历史时期“观看工具”的演变进行了细致入微的考证，从伽利略的望远镜到如今的神经接口，他将这些工具视为我们感官的延伸，并探讨了它们如何反过来塑造了我们的心智结构。我个人非常喜欢它探讨的那些边缘话题，比如“非人类的观看”——即机器和算法如何“看”世界，以及这种非人类视角对人类艺术创作的潜在反哺作用。这种前瞻性的视角，使得全书充满了活力和紧迫感。语言风格上，作者巧妙地运用了一些对比强烈的意象，比如“光影的幽灵”与“数据的骨架”，使得理论探讨不至于过于冰冷。总而言之，这本书提供了一个极佳的平台，让读者能够跳出现有的视觉框架，去预演下一个视觉文明的样貌。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的视野之宏大，结构之严谨，简直令人叹服。它不仅仅是一本关于“艺术”的书，更像是一部关于人类感知能力如何与技术发展进行共演化的史诗。作者在论述中展现了极高的学术素养，但行文风格却保持了一种令人愉悦的可读性，避免了纯学术著作的枯燥。我特别欣赏其中关于“时间性”在视觉艺术中的体现的分析，从早期摄影对瞬间的捕捉，到如今动态影像的沉浸式体验，作者梳理了时间维度是如何成为艺术家手中越来越重要的雕刻工具。读完后，我感觉自己对“媒介即信息”这句话有了更深一层的理解。这本书不提供简单的答案，而是提出更深刻的问题，比如当人造的、算法生成的图像越来越逼真，我们该如何区分“创造”与“模仿”？这种哲学层面的叩问，使得这本书超越了一般的艺术评论范畴，具有了更长远的文献价值。