艺术设计名家特色精品课程：基础摄影 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘智海 著

图书标签:

• 摄影
• 艺术设计
• 基础教程
• 名家教学
• 精品课程
• 摄影技巧
• 构图
• 光影
• 数码摄影
• 入门

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532283286

版次：1

商品编码：11212805

包装：平装

开本：12开

出版时间：2013-04-01

用纸：胶版纸

页数：143

正文语种：中文

内容简介

　　《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》作者强调影像教育者对被教育者的技术“普及”与思维“引导”。本教材以详细系统的摄影技术技巧和学生的课堂作业为主的实践教学，是让学生熟练掌握普通摄影工具的使用方法和技术功能，掌握摄影的各个机械技巧和人为技巧，引导学生对社会责任的主观判断和自身的创造性的影像创作。
　　《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》具有以下特点：1.理念新颖，积极把握影视广告的发展动向，用最新的观念引导教学实践。2.图例精彩，精选了当今世界各国最新的优秀作品为教学范例。3.教学方法可操作性强，帮助学生最快地掌握基础摄影的技巧。

作者简介

　　刘智海，中国美术学院传媒动画学院院长助理、影视系主任、副教授。浙江电影家协会理事、中国电影家协会会员、中国高等院校影视学会会员、华语青年电影研究中心主持。先后毕业于北京电影学院摄影专业（学士）、武汉大学数字媒体艺术方向（硕士）、中国美术学院影视创作与理论方向（硕士）。研究方向：广告电影创作与理论、独立电影创作与理论等。主要导演作品：剧情长片《黑人》、《孩子》：上海世博会宁波馆广告电影《乡村，让城市更向往》。

内页插图

目录

前言

第一章 影像历史
第一节 小孔成像和摄影的成像原理
第二节 摄影技术的诞生和发展阶段

第二章 影像工具——照相机的构造原理
第一节 传统照相机与数字照相机的结构认识
第二节 照相机的种类和性能
第三节 照相机镜头的特性和作用
第四节 照相机的机身——快门与速度
第五节 照相机机身——取景器与调焦装置等
第六节 照相机的其他附件
第七节 照相机的正确使用和维护以及购买

第三章 影像载体——传统胶片与数字成像传感器
第一节 传统影像的载体——感光胶片
第二节 数字影像的载体——影像传感器
附录：五款千万像素135单镜头反光数字照相机

第四章 影像画质——曝光控制与影调调节
第一节 影像的正常曝光
第二节 影像曝光的主观控制
第三节 影像的色彩：滤色镜与白平衡
第四节 影像的画面：影调控制

第五章 影像技巧——摄影器材的技术表现
第一节 照相机的机械技巧
第二节 以光线为手段的影像制造
第三节 以影像的特殊器材为摄影手段

第六章 影像创造——画面的表现元素
第一节 画面构成是影像创造的视觉平衡
第二节 色彩情感是影像创造的人文表现
第三节 线条情感是影像创造的结构表现
第四节 趣味中心是影像创造的视觉导向

第七章 影像应用——摄影在各专业领域中的应用
第一节 故事性的蒙太奇影像
第二节 纪实性的报道摄影
第三节 商业性的广告摄影
第四节 展示性的时尚摄影
第五节 结构性的空间摄影
第六节 表现性的观念摄影

附录一 常用专业摄影术语简介
附录二 基础摄影教学安排

前言/序言

摄影视角下的光影叙事：捕捉瞬间，构建视觉语言 内容简介： 本书旨在为摄影爱好者和 aspiring 摄影师提供一个深入理解和掌握摄影艺术的全面指南。我们并非仅仅罗列技术参数或拍摄技巧，而是更侧重于摄影作为一种视觉语言的构建，以及如何通过镜头捕捉和传递情感、故事与思想。通过探索摄影史上的经典案例，分析不同艺术流派的视觉美学，本书将引领读者跨越纯粹的技术层面，进入一个充满创意与表达的摄影世界。 第一章：摄影的诞生与视觉革命 本章将追溯摄影术的起源，从早期感光材料的探索到第一台照相机的诞生。我们将一同回顾那些标志性的发明，理解摄影如何颠覆了绘画的记录功能，开启了全新的视觉表达时代。重点将放在摄影术发展初期，例如达盖尔银版法、湿版火棉胶工艺等，分析这些技术对当时社会文化、科学认知乃至艺术观念产生的深远影响。我们会探讨达盖尔、塔博特等先驱的贡献，以及他们作品中所蕴含的时代精神。 更重要的是，本章将深入分析摄影如何成为一种“观看”和“理解”世界的新方式。我们将审视早期摄影作品，例如社会纪实摄影的萌芽，以及风景摄影对人们空间认知的影响。通过分析这些早期作品的构图、光线运用和主题选择，读者将初步体会到摄影师如何通过镜头的主观选择来构建现实。我们会借用历史学、社会学和艺术史的视角，来阐释摄影在不同历史阶段扮演的角色，理解它如何从一种科学记录工具演变为一种独立的艺术形式。 第二章：光影的语言：形式与情绪的交织 光影是摄影的灵魂。本章将深入剖析光线在摄影创作中的多重作用。我们将从基础的光线类型入手，区分自然光与人造光，柔光与硬光，顺光、侧光、逆光等。然而，我们不会止步于简单的定义，而是着重探讨不同光线条件如何塑造物体的形态、纹理和体积感，如何影响画面的氛围和情绪。 我们将通过大量的实例分析，来展示摄影师如何巧妙地运用光影来引导观众的视线，突出主体，营造空间感，甚至传达抽象的情感。例如，硬光产生的强烈对比和阴影，如何能赋予画面戏剧性与力量感；柔和的散射光，又如何能营造出宁静、温馨或神秘的氛围。我们会探讨逆光下产生的轮廓光和剪影效果，以及侧光如何通过阴影来勾勒物体的三维感。 本章的重点将放在“光影的叙事性”。我们会分析摄影师如何利用光影的明暗对比来强调画面中的重要元素，如何通过光线的走向来引导观众的目光，以及如何利用阴影的形状和分布来暗示故事的发生或人物的心理状态。例如，一个被强烈阴影笼罩的面孔，可能暗示着内心的挣扎或隐藏的秘密；而明亮而均匀的光线，则可能传递出清晰、坦诚的信息。我们将鼓励读者去观察生活中的光影变化，并在实际拍摄中进行尝试，体会光影在构建视觉叙事中的力量。 第三章：构图的智慧：秩序、平衡与视觉焦点 构图是摄影的骨架。本章将系统地介绍摄影构图的经典法则，但更强调这些法则并非僵化的教条，而是帮助我们建立秩序、创造平衡、引导视线的有力工具。我们将讲解“三分法”、“黄金分割”、“对称构图”、“引导线”、“框架构图”等基本原理，并分析它们在不同拍摄场景下的应用。 然而，本书的独特之处在于，我们将探讨构图如何服务于摄影师的创作意图。我们会分析摄影师如何通过打破常规的构图来制造视觉冲击，如何通过倾斜的镜头或不寻常的视角来传达不安或活力。我们将深入研究优秀摄影作品的构图策略，理解摄影师是如何通过画面的分割、元素的排列、留白的运用，来构建出引人入胜的视觉体验。 本章还将强调“视觉焦点”的重要性。我们会分析摄影师如何利用光线、色彩、对比度、清晰度等多种手段来突出画面中的主体，以及如何通过景深来虚化背景，让主体更加突出。同时，我们也会探讨如何在多主体画面中建立层次感和联系，避免画面杂乱无章。我们将鼓励读者在拍摄前就进行构图的思考，并在后期编辑中尝试调整构图，以达到最佳的视觉效果。 第四章：色彩的魔力：情感、情绪与氛围的渲染 色彩是摄影的灵魂伴侣。本章将揭示色彩在摄影创作中的强大表现力。我们将从色彩的基本理论出发，理解色彩的冷暖、饱和度、明度等属性，以及它们对观者情绪的影响。我们会探讨互补色、邻近色等色彩搭配原则，并分析它们如何影响画面的和谐度与视觉冲击力。 本书的重点将放在色彩的情感解读。我们将分析摄影师如何运用特定的色彩组合来营造特定的情绪氛围，例如，暖色调（红、黄、橙）常用来表达热情、活力、喜悦，而冷色调（蓝、绿、紫）则可能传递出宁静、忧郁、神秘。我们会通过大量的优秀摄影作品案例，来展示摄影师如何通过精确的色彩选择和控制，来强化画面的主题，引导观众的情感体验。 我们将探讨色彩在不同文化背景下的象征意义，以及摄影师如何利用色彩来讲述故事。例如，一件鲜红色的衣服，在某些文化中可能象征着喜庆，而在另一些文化中则可能带有危险的暗示。我们会鼓励读者去留意生活中的色彩，去体会不同色彩组合带来的感受，并在拍摄中主动思考色彩的运用，从而创造出更具感染力的作品。 第五章：主题与故事：捕捉瞬间背后的深度 摄影不仅仅是记录，更是表达。本章将引导读者深入思考摄影的主题与故事性。我们将探讨如何发现和选择具有意义的拍摄对象，如何通过照片来传达个人观点、社会关怀或情感体验。我们将审视那些经典的纪实摄影、人像摄影、风光摄影作品，分析它们为何能够打动人心，为何能够流传至今。 本书的精髓在于，我们将鼓励读者将摄影视为一种“提问”与“回答”的过程。我们鼓励读者去观察生活中的细节，去发现那些被忽略的美好或值得反思的现象。我们会讨论如何通过捕捉决定性的瞬间，来展现人物的性格、事件的冲突或情感的爆发。 我们将深入分析“叙事性摄影”的技巧，包括如何通过一系列照片来讲述一个完整的故事，如何通过暗示和留白来激发观众的想象。我们会探讨人像摄影中如何捕捉人物的内在神韵，风光摄影中如何展现自然的壮丽与脆弱，以及街头摄影中如何定格日常的诗意。本章将激发读者去思考“我想通过这张照片表达什么？”，并引导他们去寻找答案。 第六章：摄影师的视角：风格、创新与个人表达 每一个成功的摄影师都有其独特的视角和风格。本章将探讨如何形成和发展个人的摄影风格。我们将分析不同摄影大师的创作理念和技术特点，理解他们如何通过对光线、色彩、构图和主题的独特处理，来塑造自己的艺术语言。 本书并非鼓励读者一味模仿，而是希望通过分析经典案例，来启发读者思考“我如何才能拍出与众不同的作品？”。我们将探讨创新在摄影中的重要性，鼓励读者敢于尝试新的技术、新的视角、新的主题。我们会讨论如何通过对现实的重新解读，来创造出具有个人印记的作品。 我们将强调“观察力”和“思考力”在摄影创作中的核心地位。我们鼓励读者保持对世界的好奇心，不断学习和探索。本章将为读者提供一个自我探索的框架，引导他们找到自己的创作热情所在，并一步步构建起属于自己的摄影语言。 结语： 《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》并非一本简单的技术手册，而是一次关于摄影艺术的深度对话。我们希望通过这本书，能够帮助每一位读者点燃对摄影的热情，掌握摄影的精髓，并最终用镜头讲述属于自己的精彩故事。摄影，是光影的舞蹈，是情感的倾诉，更是对世界永恒的探索。愿你在这个过程中，找到属于你的独特风景。

评分☆☆☆☆☆

这本书不仅仅是教授拍摄技巧，更重要的是，它让我开始真正“看”懂照片。在“影像语言解读”这个章节，我学到了很多之前从未接触过的概念。作者通过分析大量不同风格的摄影作品，教会我如何去审视照片的“形式美”。比如，他讲到了“线条”在构图中的作用，直线带来的稳定感，曲线的柔美，斜线的动感，以及这些线条如何引导观者的视线。我还学到了“点”和“面”的对比运用，以及如何通过“对比度”来增强画面的戏剧性。更让我觉得惊艳的是，书中还讲解了“留白”的艺术，以及“重复与节奏”在摄影中的表现。我原以为摄影就是把画面填满，现在才意识到，有时候“少即是多”，适当的留白反而能给画面留出想象空间，让主体更加突出。那些重复的元素，比如建筑的窗户、人群中的相似身影，竟然能形成一种视觉上的韵律，让照片更具吸引力。作者还特别强调了“视角”的重要性，从低角度仰拍，会让人感觉宏伟；从高角度俯拍，则能展现全貌。这些看似微小的改变，却能极大地影响观众对照片的感受。这本书让我学会了从一个更专业的角度去欣赏摄影作品，不仅仅是看它“拍了什么”，更是看它“怎么拍的”，以及“为什么这么拍”。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》，我简直就像发现了新大陆！一直以来，我对摄影都只是停留在“随便拍拍”的阶段，感觉自己拍出来的照片总是少了点“灵魂”，色彩平淡，构图也毫无章法。当我翻开这本书，我才意识到，原来摄影不仅仅是按下快门，它是一门需要深入理解和技巧的艺术。书中开篇就从摄影史的宏大叙事切入，讲到早期相机技术的演变，再到印象派对色彩运用的影响，以及后来纪实摄影、观念摄影的出现，这些内容对我来说太有启发了。我原以为基础摄影就是讲讲光圈快门ISO，但这本书的格局要大得多。它让我看到了摄影艺术的脉络，理解了不同流派和时代背景下的摄影美学。比如，它详细介绍了达盖尔银版摄影法，那种手工感和历史的沉淀让我觉得非常迷人。再比如，它也讲到了布列松的“决定性瞬间”，那种捕捉生活中的微妙时机的技巧，让我开始反思自己拍照时是否过于急躁，而忽略了身边那些稍纵即逝的精彩。作者在介绍这些历史和理论的时候，并没有枯燥的陈述，而是穿插了很多经典摄影作品的赏析，那些黑白照片的光影、构图、人物表情，每一张都像在诉说着一个故事，让我看得如痴如醉。我甚至能感受到那个年代的氛围，那种纯粹的影像魅力。这本书让我第一次觉得，原来摄影不只是技术，更是一种观察世界、表达情感的方式。它让我对摄影的理解，一下子上升到了一个全新的维度，不再仅仅关注器材和参数，而是开始思考“为什么”要拍，以及“怎么拍”才能更有力量。那些历史的沉淀和艺术的思考，让这本书的“基础”二字，显得格外厚重而富有深度，远超我最初的想象。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对摄影理论总是提不起兴趣，总觉得那些术语和概念离我太远，不如直接上手练习来得实在。但《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》这本书，彻底颠覆了我的看法。它在讲解基础知识的时候，竟然能把那些原本枯燥的原理讲得活色生香。比如，在讲到“景深”这个概念时，作者并没有简单地给出公式或者定义，而是通过对比不同焦距、光圈组合下的照片，生动地展示了景深如何影响画面的层次感和主体突出。他甚至拿出了不同时代相机拍摄的样张，对比不同镜头下背景虚化的效果，让我瞬间明白了“大光圈背景虚化”的魔力究竟体现在哪里。更让我惊喜的是，书中还引入了“构图黄金分割”和“三分法”等视觉原理，并通过大量的范例图进行解析，我这才意识到，原来我们平时看到的很多优秀照片，都暗藏着这些巧妙的构图规律。我过去总是随心所欲地摆放主体，现在才知道，原来一个小小的调整，就能让画面立刻变得平衡、和谐，甚至充满动感。这本书还详细讲解了不同色彩的心理暗示，比如暖色调的温馨、冷色调的冷静，以及色彩搭配如何营造不同的氛围。这对于我这种平时只知道“好看就行”的人来说，简直是醍醐灌顶。我突然明白，为什么有些照片看了让人心情愉悦，有些又让人感到压抑。通过这本书，我学会了如何运用色彩来更好地表达我的情感和意图。这些基础的理论知识，在作者的讲解下，不再是冰冷的条条框框，而是变成了一套实用的工具，让我能够更自觉、更有意识地去创作。

评分☆☆☆☆☆

《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》这本书，在“黑白摄影的魅力”这一部分，真的让我沉迷其中。我之前总是觉得黑白照片就是把彩色照片去色，但这本书让我明白了，黑白摄影不仅仅是色彩的缺失，更是一种对“光影、线条、纹理”的极致追求。作者通过大量精美的黑白摄影作品，阐释了黑白摄影是如何通过强烈的对比、细腻的影调来传递情感的。我学到了如何去观察和利用“阴影”来构建画面，如何通过“高对比度”来突出物体的轮廓和质感。书中还详细讲解了“点、线、面”在黑白摄影中的表现力，以及如何通过“留白”来营造画面意境。我甚至看到了关于“黑白街头摄影”的介绍，那种捕捉城市生活瞬间的魅力，让我跃跃欲试。作者还强调了“纹理”的重要性，黑白摄影能够将物体的表面纹理表现得淋漓尽致，比如粗糙的墙壁、光滑的金属，都能在黑白影像中呈现出独特的质感。这本书让我开始重新审视我身边的世界，发现那些平时被色彩掩盖的，纯粹的光影之美。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为，“摄影器材”的介绍都是那些冷冰冰的技术参数，但《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》这本书，却把器材讲得像故事一样引人入胜。它不仅仅是介绍各种镜头的焦距、光圈，更是从“器材如何影响画面表现力”的角度来切入。比如，它详细分析了“定焦镜头”和“变焦镜头”在画质、景深、便携性等方面的优缺点，以及它们分别适合哪些拍摄场景。我尤其对书中关于“广角镜头”和“长焦镜头”的讲解印象深刻，它们分别如何拓展我们的视野，以及如何营造不同的视觉冲击力。作者还提到了“滤镜”的作用，比如偏振镜如何消除反光，减光镜如何实现慢门拍摄，这些让我对小小的滤镜有了全新的认识。更让我惊喜的是，书中还分享了一些关于“二手器材”的选购建议，以及“不同价位器材”的性价比分析，这些对于像我这样的新手来说，简直是太有帮助了。这本书让我不再对器材感到畏惧，而是能够更理性地选择适合自己的器材，并且知道如何充分发挥它们的潜力。

评分☆☆☆☆☆

我之前一直认为，拍人物照最重要的就是表情好看，结果拍出来的照片总是很“死”。《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》这本书，在“人物摄影的肖像之道”这一章，让我大开眼界。它不仅仅讲了如何让人物微笑，而是深入到了如何捕捉人物的“神韵”和“故事感”。书中详细分析了不同角度、不同光线对人物面部表情和轮廓的影响，以及如何通过镜头语言来塑造人物的性格特质。我学到了很多关于“眼神”的运用，眼神是心灵的窗户，而如何引导和捕捉眼神中的情感，是拍好人物照的关键。作者还举例说明了如何利用“肢体语言”来丰富画面，一个微微前倾的身体，一个略带忧郁的眼神，都能让人物形象更加饱满。更让我惊喜的是，书中还讲解了“人与环境的融合”，如何让背景更好地衬托人物，而不是喧宾夺主。它提到了“前景的运用”，如何用前景来增加画面的纵深感和故事性。我甚至学到了如何通过“环境人像”来展现人物的生活状态和职业特点。这些内容让我不再局限于简单的“到此一游”式的人像拍摄，而是开始思考如何通过照片来讲述人物的故事，捕捉他们最真实、最有魅力的瞬间。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，“运动摄影”是遥不可及的技能，总觉得需要专业的长焦镜头和极快的快门速度。但这本书，却让我看到了普通玩家也能玩转运动摄影的可能性。在“动态瞬间的捕捉”这一章节，作者并没有一味地强调器材，而是从“运动本身的规律”出发。它详细讲解了如何预测运动轨迹，如何选择合适的时机按下快门，以及如何利用“高速快门”来凝固瞬间，“慢速快门”来表现运动的轨迹和速度。我学到了如何通过“追随拍摄”来模糊背景，突出主体运动的动感。书中还举例分析了拍摄不同运动项目的技巧，比如足球、篮球、田径等，针对不同的运动特点，给出了具体的拍摄建议。我甚至看到了关于“拍摄水滴、雨滴”这类微观运动的有趣尝试，这让我意识到，运动摄影的范畴远比我想象的要广泛。作者还强调了“预判”的重要性，这不仅仅是技术，更是一种观察力和思维的训练。我开始在日常生活中，有意识地去观察和预测事物的运动，即使不去拍照，这种能力的提升也让我觉得很有意思。这本书让我明白，拍摄运动不仅需要技术，更需要对运动过程的理解和把握。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《艺术设计名家特色精品课程：基础摄影》这本书时，我对“色彩理论”的理解真的只有“红配绿狗都嫌”这种小学生水平。但这本书，真的把色彩的魔力彻底展现给了我。它不仅仅是简单地介绍RGB、CMYK这些色彩模式，而是深入到色彩的情感表达和心理暗示。比如，书中详细解析了“色彩饱和度”和“色相”如何影响画面的情绪，高饱和度的色彩会让人感觉鲜活、热情，而低饱和度则显得沉静、内敛。我最喜欢的部分是关于“色彩搭配的原则”的讲解，比如“互补色”的强烈对比，以及“邻近色”的和谐统一。作者通过一系列精美的摄影作品作为案例，生动地展示了不同色彩组合所能产生的视觉效果。我甚至能感受到，当暖色调和冷色调巧妙地融合在一起时，那种视觉上的冲击力和层次感。书中还提到了“单色摄影”的魅力，即使只有一种颜色，通过光影和质感的对比，也能呈现出丰富的变化。这让我意识到，色彩不仅仅是颜料的混合，更是一种可以被操控的情感工具。我学会了如何去主动地观察和运用色彩，让我的照片不再是“五颜六色”，而是有目的地去引导观者的情绪。这本书的色彩理论部分，对于提升照片的艺术感染力，起到了至关重要的作用。

评分☆☆☆☆☆

我一直对光线在摄影中的作用感到非常好奇，也常常因为光线不好而拍不出想要的效果。这本书在“光线运用”这一章节，真的是太详尽了！它不只是简单地说“顺光好”或者“逆光有创意”，而是深入浅出地讲解了各种光线的特性和表现力。比如，它详细阐述了“硬光”和“软光”的区别，硬光产生的强烈对比和锐利阴影，以及如何利用它来塑造硬朗的轮廓感；而软光柔和的光线，则能营造出细腻的质感和温馨的氛围。我印象特别深刻的是，书中用大量的示意图和实拍对比，展示了“侧光”、“顶光”、“底光”等不同方向的光线照射在人脸或物体上时，会产生怎样的阴影效果和面部立体感。这让我第一次理解了为什么有些照片的人物表情看起来如此生动，而有些又显得扁平。作者还非常细致地分析了不同时间段的光线特点，比如清晨的“黄金时段”光线温暖而柔和，傍晚的“蓝色时段”则带着神秘的冷峻感，而正午的顶光则容易产生不佳的阴影。这些对于我来说，都是非常宝贵的经验。更让我惊喜的是，书中还专门辟了一个章节讲解“如何利用自然光进行拍摄”，以及“如何借助灯光（即使是简单的台灯）来创造想要的光影效果”。它给出了非常多实操性的建议，比如如何找到窗户的最佳角度，如何利用反光板（甚至是一张白纸）来补光。这些内容让我在实际拍摄中受益匪浅，我开始学会主动去寻找和利用光线，而不是被动地等待。

评分☆☆☆☆☆

这本书关于“后期处理的艺术”的部分，简直是为我量身定做的。我之前总是觉得后期处理很神秘，而且担心会把照片“P”得不像样子。但这本书，让我明白了后期处理的真正意义，它不仅仅是让照片“好看”，更是对照片“二次创作”和“情感表达”的延伸。作者首先从基础的“裁剪和调整曝光”讲起，解释了如何通过这些简单的操作来优化照片的整体感觉。然后，他深入讲解了“色彩校正”和“局部调整”的技术，让我明白了如何通过微调色彩饱和度、对比度来营造不同的氛围，以及如何通过局部提亮或压暗来引导观者的视线。我最感兴趣的是关于“风格化处理”的部分，比如如何通过添加“颗粒感”来营造复古的氛围，或者如何通过“虚化前景”来增加画面的层次感。书中还提到了“RAW格式”的重要性，让我明白了为什么专业摄影师会选择RAW格式进行拍摄，以及后期处理能够带来的巨大空间。作者并没有鼓励过度修图，而是强调“适度”和“有目的性”，让后期处理成为增强照片艺术性的手段，而不是掩盖问题的方式。