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吴晓明 著

图书标签:

• 美术史
• 中国美术
• 民国美术
• 画论
• 艺术理论
• 美术批评
• 文化史
• 近现代史
• 学术著作
• 艺术史

出版社： 西泠印社出版社

ISBN：9787550806443

版次：1

商品编码：11226464

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-01-01

用纸：胶版纸

页数：387

字数：500000

正文语种：中文

内容简介

　　民国时期处于中国从古代向近现代转型的时期，中国的绘画也面临前所未有的境遇。从长时段的历史来看，此一时期的画论主要在新的时代解决古与今，中与西的关系，以此演化中国的画论，构建符合时代的中国画价值体系，它与中国近代以来的命运和思潮息息相关，前贤在此领域的贡献。

作者简介

　　吴晓明，字若谷，男，1973年出生于浙江临海，祖籍浙江绍兴。1996年本科毕业于杭州大学历史系文博专业，2001年硕士毕业于复里大学文博系，2004年博士毕业于中央美术学院美术史论系。曾于2006年-2007年任浙江美术馆（筹）副馆长，现为浙江大学艺术学系副教授，主要从事中国书画史的教学和研究，著有《卷轴书法形制源流考述》。

内页插图

目录

序言
王国维
一　《中国名画集》序
康有为
二　万木草堂藏画目（节选）
吕潋　陈独秀
三　美术革命
徐悲鸿
四　中国画改良之方法
蔡元培
五　在北京大学画法研究会上的演说
陈师曾
六　文入画之价值
[日]内藤湖南栾殿武译
七　南画小论——论中国艺术的国际地位
马一浮
八　题《子恺画集》、《护生画集》序
郑午昌
九　《中国画学全史》自序
鲁迅
十　在上海中华艺术大学的讲演
潘光旦
十一　中国画家的分布、移殖与遗传（上篇）
丰子恺
十二　绘画与文学
黄宾虹
十三　画法要恉
林语堂
十四　林语堂论画（节选）
……

精彩书摘

　　余辈颇思资之复活古版画。而变起仓皇，故都沦陷。斯愿之遂，当待之恢复之日矣。然自变后，版画之效能，乃别辟一新途。刻家皆为少年艺人，报国有心，荷戈自效；而版画者乃为宣扬国力之资物，却敌播功之露布矣，其作风与前修截然不同，盖已与欧美近代作家合流而远于古艺人之遗型矣。
　　兹书所述，止于《北平笺谱》之选辑。若簿籍然，前簿已阖，新册方启。兹书，则旧籍之总结也。若论述少年艺人之所作，则当待之来日矣。综观我国版画发展之历程，与世界各国无殊。始于宗教之图，继资应用、教育，终乃成为纯粹之艺术品。其刻工、绘工，初本为一人，继乃为画家与刻工之合作，终则刻绘之工复集于一身。惟诸国于晚近数十年方完成其发展之路径者，我国则已于三百年前几完成之。而遭时不幸，中原板荡，艺苑根芽，摧残殆尽。刻工日趋倒流，不复能厕身艺林。独任后进者勇晋不已，亦可慨已！然植根深厚，复兴之兆已见。继今有作，可卜其必能别辟新途，大弘前徽也。斯之结集，或可有助新进艺人于百一欤？
　　抑更有进者：兹书之作，为意不独囿于版画艺术之阐幽扬微。我国史家，每龈龈詹詹于文字之矜持，而忽视实际社会生活之表现。兹书所集版画，自唐宋以来，凡千七百幅，胥足反映千年来之生活实相，社会变迁。凡民间之起居衣食，上自屋宇之演变，衣冠之更易，下至饮馔娱乐好尚之不同，皆皎然有可征者。殆亦论述我国近代史者所不能废也。而复刊名画，溉灌艺苑，实物图形，有助科学，则亦意中之收获。
　　近代工艺美术，日进而与纯艺术相近。埃及图案，唐人织锦，每为时流所取，模用新型。尝见日本陶瓷诸器，取精用弘，自古代钟鼎之几何图饰，至近代山水人物之图谱，无不兼收并蓄。我国工艺，方人复兴之途。瓷漆诸器，锦缎诸型，其必有资于斯，亦可断言。故兹书者，不徒足雪我国艺坛之耻，亦资用之一要籍也。语曰：温故而知新。此义可深省也。
　　……

前言/序言

中国画的时代回响：从理论探索到艺术革新 本书是一部梳理中国画历史发展脉络，剖析其理论精髓，并展现不同时代艺术面貌的集大成之作。我们并非仅仅罗列画家的生平与作品，而是致力于深入探究那些构成中国画核心价值的理论思潮，以及这些理论如何在实践中转化为视觉语言，又如何与社会、文化、哲学思辨交织，共同塑造了中国画独具魅力的发展轨迹。 第一章：笔墨精神的溯源与形塑 中国画的灵魂，在于其独特的笔墨精神。本章将追溯这一精神的起源，从古代哲学思想，如道家“道法自然”的宇宙观，儒家“天人合一”的和谐理念，佛教“空灵”的审美追求，探讨这些思想如何渗透到绘画创作的方方面面。我们将详细解析“笔”与“墨”的本体论意义，区分不同用笔方法（如“骨法”“风骨”）与用墨之道（如“焦墨”“浓墨”“淡墨”“湿墨”）各自蕴含的美学原则。 笔法探微： 从“六法”之首的“气韵生动”出发，层层剥茧，探究其背后蕴含的生命力与精神性。我们将追溯顾恺之、陆探微等早期大师的笔墨实践，分析他们如何通过线条的刚柔、粗细、曲直，表现物象的内在精神与动态。例如，东晋顾恺之《洛神赋图》中飘逸灵动的衣带，唐代阎立本《步辇图》中人物的沉静庄重，都是通过精妙的笔墨技巧得以实现的。我们将深入研究唐代张彦远《历代名画记》、南齐谢赫《古画品录》等经典画论，解读其中关于笔墨线条的论述，理解“骨”、“力”、“势”等概念在绘画实践中的具体应用。 墨韵流转： 墨，作为中国画最基础的视觉元素，其变化无穷。本章将深入阐释墨色浓淡干湿的微妙差异如何营造出丰富的层次感和空间感，如何表现物体的体积、质感和光影。我们将考察唐代吴道子“吴带当风”的笔法，宋代宋徽宗《芙蓉锦鸡图》中细腻的工笔与墨色变化，以及元代墨竹大家文同、苏轼等人如何以墨写意，表现竹之风骨与精神。苏轼“论书”中“我书意造本无法，点画茂密随所宜”的论述，正是对墨法自由与精神表达的极致追求。 气韵与意境： 笔墨的最终目的，在于“气韵生动”与“意境深远”。本章将探讨如何通过笔墨的组合与运用，达到“得意忘形”的创作境界。我们将分析古人如何通过“移情”的手法，将主观情感融入客观物象，达到“景语即情语，情语即景语”的融合。南宋马远、夏圭的“马夏山水”，虽然构图简洁，却能以寥寥数笔勾勒出雄浑壮阔的意境，正是气韵与意境的典范。 第二章：文人画的兴起与人文精神的注入 文人画的兴起，是中国绘画史上的一个重要转折点。本章将探讨士大夫阶层如何将自身的人文素养、哲学思考与艺术实践相结合，创造出一种更具个人情感与精神追求的绘画风格。 “士人”的艺术自觉： 我们将考察唐代王维，如何将诗、书、画融为一体，提出“诗中有画，画中有诗”的理念，成为文人画的早期开拓者。其绘画作品，如《山水图》，所传达的淡泊宁静、超凡脱俗的意境，正是文人审美趣味的体现。 意匠经营与写意精神： 元代是文人画发展的高峰。黄公望《写山水诀》中的“意匠经营”思想，强调在创作前对山川景物的细致观察与构思，以及如何将胸中丘壑转化为笔下山水。倪瓒的“逸格”山水，以简洁空灵的笔墨，表现出遗世独立的文人情怀。我们将分析元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的艺术特色，解读他们如何以笔墨象征人格，追求“胸有成竹”的写意境界。 诗书画印的融合： 本章还将深入探讨诗、书、画、印四者在中国画中的紧密联系。题跋的诗句，书法的韵味，印章的钤盖，都成为画面有机的一部分，共同传达作者的学识、情趣与品格。我们将分析米芾《蜀素帖》的书画结合，以及文徵明、唐寅等明代画家如何继承元代文人画的传统，并融入时代特色。 第三章：时代变迁中的绘画理论演进 绘画理论并非一成不变，而是随着时代的发展、社会结构的变化以及新的思想观念的引入而不断演进。本章将重点考察明清时期及近代中国画理论的诸多流派与革新。 “神韵”与“格法”的争论： 明代董其昌以其“南北宗论”，重新划分了中国画的历史分期，强调“文人画”的正统地位，并提出了“以书入画”、“笔墨游戏”等观点。他的理论对后世产生了深远影响，但也引发了“神韵”与“格法”的长期争论。我们将分析“神韵说”强调的主观情感与精神表达，以及“格法说”对传统技法的尊重与规范，并考察晚明时期如陈淳、徐渭等画家在笔墨上的大胆探索。 摹古与创新： 清代宫廷画院与民间艺术并行发展，涌现出大量摹古之作，但也孕育了如“扬州八怪”等一批风格独特的画家。我们将分析“扬州八怪”如郑燮、金农等如何在传统的基础上，融入现实生活，以奇崛的笔墨和鲜明的色彩，表达对封建礼教的批判与对个性解放的追求。 西画东渐的影响与早期革新： 晚清以降，随着西方艺术的传入，中国画面临着前所未有的挑战与机遇。本章将探讨“海派”画家如任熊、赵之谦、吴昌硕等如何吸收西方写实技法，并在传统笔墨基础上进行融合创新，开启了中国画的近代转型。我们将重点分析他们如何在素描、色彩、透视等方面进行探索，以及如何保持中国画的民族特色。 第四章：意象表达与题材的拓展 中国画并非仅仅是对客观世界的描摹，更是一种意象的表达。本章将深入探讨中国画在题材选择、意象创造以及艺术表现手法上的丰富性。 山水画的意境营造： 山水画作为中国画的重要门类，承载着古人对自然的热爱与对宇宙的思考。我们将分析不同时期山水画的风格演变，从北宋的全景式描绘，到南宋的局部特写，再到元明的文人写意，以及清代的“新安画派”和“扬州画派”的地域特色。我们将解读“以形写形，以色貌色”与“以气韵生动”的相互关系，以及如何在画面中营造出“咫尺之内，乃是千里”的视觉奇观。 花鸟画的生命礼赞： 花鸟画是中国画中极富生命力的题材。我们将考察历代画家如何通过对花鸟鱼虫的描绘，寄托情怀，传递吉祥寓意。从工笔的精雕细琢，到写意的挥洒自如，花鸟画展现了画家对自然生命细致入微的观察与深厚的情感。如宋代赵佶《芙蓉锦鸡图》的富丽精致，明代陈淳的率意洒脱，都代表了不同时代花鸟画的最高成就。 人物画的形神兼备： 人物画是中国画中最早出现的题材之一。本章将考察人物画从古代的线描、色彩，到近代吸收西画素描、解剖知识后的转变。我们将分析人物画如何通过神情的刻画、动态的捕捉，来表现人物的性格与故事。从顾恺之的“传神阿堵”，到明清的年画、仕女图，再到近现代的现实主义人物画，人物画始终是中国社会生活与时代精神的生动写照。 第五章：艺术传承与时代创新 在历史的长河中，艺术的生命力在于其传承与创新。本章将总结中国画发展的基本规律，探讨在不同历史时期，艺术家们如何继承传统，又如何在新的时代背景下进行革新。 “师造化”与“师心源”： 传统绘画理论强调“师造化”，即深入自然，体察物情。但同时，也强调“师心源”，即以内在的精神世界观照物象。我们将分析古人如何在这两者之间找到平衡，既不失对自然的忠实，又能注入个体的精神。 中国画的现代化探索： 进入20世纪，中国画的现代化探索成为时代主题。本章将回顾林风眠、徐悲鸿、齐白石等巨匠的贡献，他们或借鉴西方绘画的优点，或在传统基础上进行大胆创新，为中国画的未来发展开辟了新的道路。我们将分析他们如何处理民族性与世界性的关系，如何让中国画在现代社会焕发新的生机。 当代中国画的挑战与机遇： 结尾部分，我们将简要展望当代中国画的发展，探讨在全球化背景下，中国画所面临的挑战与机遇。强调在继承优秀传统的同时，如何吸收多元文化，保持中国画的独特魅力，并与时俱进，创作出更具时代精神的艺术作品。 本书旨在通过对中国画丰富而深刻的理论梳理与艺术实践的细致解读，为读者呈现一幅波澜壮阔的中国画发展史画卷，展现中国绘画在不同时代的回响，以及它作为中华民族独特艺术瑰宝的永恒魅力。

评分☆☆☆☆☆

这是一本让我爱不释手的书，《民国画论精选》。我一直在寻找能够触动我内心深处的艺术作品，而这本书，无疑做到了。它不仅仅是理论的集合，更是那个时代艺术家的心灵独白。 我对于书中关于“时代精神”与“民族情感”的论述尤为关注。在民国那个特殊的历史时期，艺术家们的生活与国家命运息息相关。他们用画笔记录时代的变迁，用理论表达对民族的思考。我被其中一篇关于“写实主义在中国”的文章所吸引，作者在分析西方写实主义艺术传入对中国画坛的影响时，提出的观点非常有深度，既看到了其积极的一面，也警示了可能带来的弊端。 更让我感动的是，书中那些关于“艺术的社会功用”的探讨。艺术家们不仅仅将艺术视为个人情感的抒发，更将其视为启迪民智、凝聚力量的工具。他们努力探索如何让艺术更贴近民众，如何让艺术在社会变革中发挥更大的作用。这种责任感和使命感，让我对艺术家这个群体有了更深的敬意。

评分☆☆☆☆☆

《民国画论精选》为我打开了一扇窗，让我得以窥见民国时期中国画坛的思想光谱。我一直认为，艺术的生命力在于不断地自我革新与传承。而这本书，恰恰展现了那个时代艺术家们在这一道路上的探索与挣扎。 我尤其喜欢书中关于“意境”与“象征”的论述。中国画的“意境”是一种非常独特的审美追求，它不仅仅是客观景物的描绘，更是画家主观情感的融入。而民国时期，艺术家们在借鉴西方象征主义艺术的同时，也在思考如何将象征手法融入到中国画的创作中，以表达更深层次的思想内涵。我被其中一篇关于“诗画合一”的文章所打动，作者在论述诗歌的意境如何能够通过绘画来表现时，用了很多优美的文字，让我感受到一种跨越时空的艺术魅力。 让我印象深刻的是，书中对于“笔墨精神”的坚守。尽管面临着西方写实主义的挑战，但许多艺术家仍然将“笔墨精神”视为中国画的灵魂。他们从笔墨的力度、速度、韵味中，探索着无限的可能性。这种对民族艺术精髓的执着追求，让我肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

捧读《民国画论精选》，我仿佛穿越了时空，与民国时期的艺术大家们进行了一场跨越世纪的对话。书中的很多论述，虽然诞生于一个特定的历史时期，但其所蕴含的艺术哲学和思想深度，至今仍具有极强的启示意义。我尤其喜欢那些关于“笔墨意趣”与“气韵生动”的讨论。在当下这个信息爆炸、图像泛滥的时代，我们常常容易被表面的浮华所迷惑，而忽略了艺术最本质的东西。 书中那些对笔墨线条的精妙分析，对色彩晕染的细腻描绘，让我重新体会到中国画独特的韵味。它们不仅仅是技巧，更是艺术家内心世界的投射，是情感的抒发，是精神的传达。我记得有一段论述，作者将笔墨比作诗歌，将画面比作音乐，让我豁然开朗。原来，中国画的魅力，在于其内在的生命力和情感张力，在于其“写意”所传递的无限可能。这些思想，让我对手中的画笔多了一份敬畏，也让我对未来艺术的探索方向有了更清晰的认识。

评分☆☆☆☆☆

《民国画论精选》带给我最大的震撼，莫过于它所展现出的那个时代知识分子的思想深度与人文关怀。我常常在想，为什么民国时期会出现如此众多的伟大艺术家和思想家？这本书用它丰富的论述，为我揭示了答案的冰山一角。 书中的许多文章，都在探讨艺术与社会、艺术与人生之间的关系。艺术家们不再将自己视为“象牙塔”里的隐士，而是积极地参与到社会变革的洪流中。他们用画笔描绘时代的面貌，用理论探讨艺术的未来。我被其中一篇关于“艺术的社会责任”的文章深深打动。作者在论述艺术如何能够影响社会、启迪民智时，旁征博引，论证严谨，让我看到了艺术所能爆发出的巨大能量。 让我印象深刻的是，书中对于“美育”的探讨。艺术家们深知，提升国民的审美能力，对于国家的进步至关重要。他们倡导将艺术教育融入国民教育体系，让更多的人能够欣赏美、理解美、创造美。这种远见卓识，在当下依然具有重要的现实意义。读罢此书，我不仅对民国画坛有了更深的认识，更对艺术的价值和意义有了更深刻的理解。

评分☆☆☆☆☆

我常常在想，在那个动荡不安的年代，艺术家们究竟是抱着怎样的心情进行创作的？《民国画论精选》中的许多篇章，便解答了我心中的疑惑。书中收录的关于“时代精神”与“民族气概”的论述，让我看到了艺术家们如何在笔墨间寄托家国情怀。他们有的通过描绘劳苦大众的辛勤身影，展现底层人民的生命力；有的借山水画的意境，抒发对故土的热爱与眷恋；更有甚者，将革命的激情融入笔端，创作出充满力量和号召力的作品。 我特别被其中一篇关于“形式革命”的文章所吸引。作者在探讨如何打破传统国画的陈规时，不仅引用了西方现代艺术的例子，更深入挖掘了中国传统艺术自身蕴含的革新潜力。他对于线条、色彩、构图的独到见解，让我重新审视了国画的可能性。我一直在思考，艺术的生命力究竟源于何处？是坚守传统，还是勇于变革？这本书为我提供了丰富的思考维度，让我认识到，真正的艺术创新，往往是建立在对传统的深刻理解与传承之上的，同时又需要敢于突破、拥抱新意。

评分☆☆☆☆☆

《民国画论精选》是一本让我受益匪浅的书。它不仅仅是关于绘画技法的探讨，更是关于艺术思想的碰撞与升华。我常常在想，是什么样的时代，能够孕育出如此丰富而深刻的艺术思想？ 书中，关于“中西融合”的讨论占据了很大的篇幅。在民国时期，中国艺术面临着前所未有的挑战与机遇。艺术家们在学习西方艺术的同时，也在努力挖掘中国传统艺术的独特价值。我被其中一篇关于“变形与夸张”的文章所吸引，作者在探讨如何借鉴西方现代艺术的变形手法来增强中国画的表现力时，提出了很多创新的观点。 令我印象深刻的是，书中对于“民族精神”的强调。在那个国家动荡不安的年代，艺术家们纷纷将民族情感融入到创作中，用画笔抒发爱国情怀。他们追求的，不仅仅是艺术的视觉美感，更是艺术所蕴含的民族精神和时代气息。这种对民族文化的认同和担当，让我对民国时期的艺术家们充满了敬意。

评分☆☆☆☆☆

这本《民国画论精选》是我最近读到的一本非常引人深思的书。它不仅仅是关于绘画理论的堆砌，更是那个时代艺术家们在时代洪流中，对于艺术、对于人生、对于民族命运的深刻思考。 我特别关注书中关于“线条”和“色彩”的讨论。在传统的中国画中，线条的运用至关重要，它被赋予了生命力和情感。而在民国时期，随着西方色彩理论的引入，色彩在国画中的地位也发生了变化。书中收录的许多文章，都在探讨如何将传统的线条艺术与新的色彩观念相结合，如何创造出更具表现力的画面。我被其中一篇关于“墨的韵味”的文章深深吸引，作者在分析墨色变化时，用了很多生动的比喻，让我仿佛看到了墨在纸上跳跃、呼吸。 更让我感到欣喜的是，这本书也触及到了“艺术教育”的话题。在那个新旧交替的时代，如何培养新一代的艺术家，如何让更多人接触和了解艺术，是摆在艺术家们面前的严峻课题。书中许多关于“普及艺术”和“提高审美”的论述，都展现了艺术家们对民族未来的深切关怀。这让我更加认识到，艺术不仅仅是个人的追求，更是关乎整个民族的精神气质。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，要真正理解一个时代的艺术，就必须深入了解那个时代的思想。而《民国画论精选》恰恰为我提供了这样一把钥匙。《民国画坛》中的诸多论述，都深深地烙印着那个时代的时代精神。 书中有相当一部分篇幅，都在探讨“东西方艺术的融合”。在那个国门初开，新旧思潮激荡的年代，如何处理好传统与外来艺术的关系，是摆在所有艺术家面前的巨大课题。书中呈现了各种不同的观点，有的力主吸取西方的写实技巧，有的则强调保持东方艺术的神韵。我尤其对其中关于“意象”与“象征”的讨论感到着迷。如何在现代语境下重新解读中国画的“意象”，又如何借鉴西方艺术的“象征”手法，来更深刻地表达艺术家的思想，这是一个充满挑战但又极具吸引力的方向。 让我受益匪浅的是，书中对于“创新”的论述。它并没有简单地鼓吹“破旧立新”，而是强调在继承传统的基础上进行创新。这种辩证的思维方式，让我对艺术的发展规律有了更深的理解。我不再认为创新就是对传统的否定，而是认识到，真正的创新，往往是在对传统的深刻理解与消化之后，才能产生的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本《民国画论精选》简直像一个时间胶囊，将那个风云变幻的年代里，中国画坛上那些闪耀的思想火花一一拣拾出来，呈现在我眼前。我一直对民国时期那股在传统与现代、东方与西方之间碰撞、融合的独特艺术气息充满好奇，而这本书恰恰满足了我这份求知欲。它不仅仅是罗列一些画论，更像是在为我展开一幅宏大的画卷，让我得以窥见那个时代艺术家的思考轨迹。 从开篇的几篇文章，我就能感受到那个时代知识分子的忧思与担当。他们不再仅仅满足于“笔墨游戏”，而是将绘画与国家命运、民族文化紧密相连。对于“西学东渐”的论战，书中呈现了不同派别的观点，有的激进，主张全盘西化；有的保守，力图坚守国粹；更有不少智者，在吸取西方技法与理念的同时，努力探索一条属于中国自己的现代化绘画之路。我尤其对那些关于“以形写神”与“写实主义”的争论印象深刻。它们不仅仅是关于绘画技法的探讨，更是对艺术如何反映现实、表达精神的深层追问。读着这些文字，仿佛置身于那个思想激辩的沙龙，与那些伟大的灵魂一同思考，一同彷徨。

评分☆☆☆☆☆

《民国画论精选》就像一个宝藏，每一次翻阅都能从中挖掘出新的惊喜。我常常在想，是什么让民国时期的艺术家们，能够创作出如此多具有时代意义的作品？这本书为我提供了一个重要的视角。 书中的很多论述，都围绕着“写实”与“写意”展开。在那个西风东渐的时代，写实主义绘画的传入，对传统的写意画产生了巨大的冲击。书中就收录了许多关于如何平衡这两者关系的精彩讨论。有的艺术家主张，要用写实的技法来表现中国画的意境；有的则认为，写意精神才是中国画的精髓，写实只是辅助手段。我被其中一篇关于“造型”的文章所吸引，作者在探讨如何用更具现代感的造型来表现中国画的主题时，提出的观点极具前瞻性。 令我感动的是，书中流露出的对中国传统文化的深厚情感。即使在面对西方艺术的强势冲击时，艺术家们也从未放弃对民族艺术的坚守与探索。他们努力在东西方艺术之间找到契合点，试图创造出一种既有中国特色，又能与世界对话的艺术语言。这种民族文化自信，让我肃然起敬。

评分☆☆☆☆☆

教书和读书生活，使我感悟出了人生的真谛：教师的人生，应该有创新精神。年年春草绿，年年草不同。我们要做“代表先进文化方向”的创新型教师，爱岗敬业是创新型教师应具备的首要条件。他不但具有无私奉献的师魂，诚实正直的师德，全面发展的师观，教书育人的师能，严谨求实的师风，而且还应具有开拓进取的锐气，蓬勃向上的朝气，勇于拼搏的英气，甘愿奉献的“傻”气，自强不息的骨气。吾以培养新世纪之英才，振兴中华为己任，虽生活清贫，但仍以春蚕的精神、红烛的风格、蜜蜂的作风、绿叶的品格和孺子牛的志向，奋力拼搏，无私奉献。

评分☆☆☆☆☆

20多年来，我始终把读书和教书结合起来，创新教、创新读、创新用，在用中创新。我先后在《人民教育》、《小学语文教学》、《小学语文教师》等国家级、省部级以上报刊发表论文200余篇。我联系教改实际，撰写的《自由作文法》、《对话作文法》、《听话作文法》、《情趣作文法》等论文，产生了较好的反响。目前，我已公开出版了《作文闯关》、《小学生快速创新作文教与学》丛书等著述69卷。还获得了三项国家级发明专利。

评分☆☆☆☆☆

学生)和教育主体(教师，包括环境)交互作用的过程。教学模式将“人——人”系统转变为“人——环境”系统。学生将不再是知识的容器，而是自主知识的习得者。面对知识更新周期日益缩短的时代，教师必须彻底改变过去那种把教师知识的储藏和传授给学生的知识比为“一桶水”与“一杯水”的陈旧观念，而要努力使自己的大脑知识储量成为一条生生不息的河流，筛滤旧有，活化新知，积淀学养。一个教师，不在于他读了多少书和教了多少年书，而在于他用心读了多少书和教了多少书。用心教、创新教与重复教的效果有天渊之别。

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别人推荐的，看了果然不错

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20多年来，我始终把读书和教书结合起来，创新教、创新读、创新用，在用中创新。我先后在《人民教育》、《小学语文教学》、《小学语文教师》等国家级、省部级以上报刊发表论文200余篇。我联系教改实际，撰写的《自由作文法》、《对话作文法》、《听话作文法》、《情趣作文法》等论文，产生了较好的反响。目前，我已公开出版了《作文闯关》、《小学生快速创新作文教与学》丛书等著述69卷。还获得了三项国家级发明专利。

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20多年来，我始终把读书和教书结合起来，创新教、创新读、创新用，在用中创新。我先后在《人民教育》、《小学语文教学》、《小学语文教师》等国家级、省部级以上报刊发表论文200余篇。我联系教改实际，撰写的《自由作文法》、《对话作文法》、《听话作文法》、《情趣作文法》等论文，产生了较好的反响。目前，我已公开出版了《作文闯关》、《小学生快速创新作文教与学》丛书等著述69卷。还获得了三项国家级发明专利。