傳媒典藏·音頻技術與錄音藝術譯叢·電影配樂完全指南：影視配樂的藝術與商業（第2版） [Complete Guide to Film Scoring： The Art and Business of Writing Music for Movies and TV， 2nd Edition] pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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[美] Richard Davis 著，劉捷 譯

圖書標籤:

• 電影配樂
• 影視配樂
• 配樂
• 音樂
• 電影
• 電視
• 錄音藝術
• 音頻技術
• 創作
• 行業指南

齣版社： 人民郵電齣版社

ISBN：9787115333100

版次：1

商品編碼：11367815

包裝：平裝

叢書名： 傳媒典藏·音頻技術與錄音藝術譯叢

外文名稱：Complete Guide to Film Scoring： The Art and Business of Writing Music for Movies and TV， 2nd Editi

産品特色

內容簡介

　　《傳媒典藏.音頻技術與錄音藝術譯叢.電影配樂完全指南：影視配樂的藝術與商業（第2版）》涉及的話題包含：電影製作過程，配樂的準備與錄製，電影配樂中有關閤同、酬金、發行、版稅以及版權等方麵的商業問題等。在《傳媒典藏.音頻技術與錄音藝術譯叢.電影配樂完全指南：影視配樂的藝術與商業（第2版）》第五部分“訪談”中，21位職業電影配樂傢將和你分享他們鮮活的直接經驗。

內頁插圖

目錄

第一部分 電影音樂的曆史
第一章 早期電影與音樂：默片
第二章 第一部有聲片：同步音樂的開端
第三章 製片廠體製和製片廠音樂部門
第四章 音樂風格——1930-1950年：好萊塢的黃金年代
第五章 1950年-1975年的音樂風格
第六章 1975年到今天
第七章 電影配樂技術

第二部分 製作
第八章 電影生産過程
第九章 作麯傢的時間範圍
第十章 確定配樂點
第十一章 音樂編輯師
第十二章 音樂團隊：配器員和音樂準備人員
第十三章 配樂錄音與混音

第三部分 音樂
第十四章 創作音樂
第十五章 配樂的技術要求
第十六章 將音樂與畫麵同步
第十七章 電視
第十八章 民族音樂和時代音樂
第十九章 動畫片
第二十章 歌麯、原聲音軌和有源音樂

第四部分 電影配樂中的商業問題
第二十一章 達成交易：經紀人，代理律師與閤同
第二十二章 發行和版權
第二十三章 版稅
第二十四章 演示與市場
第二十五章 找工作

第五部分 訪談
埃爾默·伯恩斯坦（Elmer Bernstein）
泰倫斯·布蘭查德（Terence Blanchard）
埃爾夫·剋勞森（Alf Clausen）
剋裏夫·埃德爾曼（Cliff Eidelman）
丹尼·艾爾夫曼（Danny Elfman）
理查德·吉布斯（Richard Gibbs）
艾略特·戈登賽爾（Elliot Goldenthal）
邁剋·高芬（Michael Gorfaine）和山姆·施瓦茲（Sam Schwartz）
哈裏·格雷森-威廉姆斯（Harry Gregson-Williams）
馬剋·艾西姆（Mark Isham）
邁剋爾·凱曼（Michael Kamen）
馬剋·曼奇納（Mark Mancina）
大衛·紐曼（David Newman）
大衛·拉剋辛（David Raksin）
洛麗塔·利特曼尼斯（Lolita Ritmanis）
威廉姆·羅斯（William Ross）
馬剋·沙依曼（Marc Shaiman）
艾倫·史維斯查（Alan Silvestri）
馬剋·斯諾（Mark Snow）
理查德·斯通（Richard Stone）
雪莉·沃剋（Shirley Walker）

資源
關於作者

前言/序言

影視創作的視覺語言：電影攝影與燈光藝術深度解析 一、 電影攝影的魔力：從光影構建世界 電影，作為一種綜閤性的視覺藝術，其核心魅力往往源於攝影師如何捕捉和塑造光綫。本書將帶領讀者深入探索電影攝影的藝術性與技術性，揭示如何通過鏡頭語言，將劇本中的文字轉化為震撼人心的動態影像。 1.1 鏡頭與構圖的哲學：視覺敘事的基礎 電影攝影並非簡單的記錄，而是一種主動的敘事行為。我們將詳細剖析經典電影中的鏡頭選擇，包括廣角、長焦、變焦等不同焦距對觀眾心理和情感感知的影響。從經典的“三分法”到更為復雜的“黃金分割”，再到現代電影中層齣不窮的非對稱構圖，每一種選擇都承載著特定的敘事意圖。書中將通過大量案例分析，展示如何利用景深（淺景深突齣主體，深景深交代環境）和焦平麵變化（如焦點轉移）來引導觀眾的注意力，構建多層次的視覺信息流。此外，對“運動鏡頭”——搖攝（Pan）、移攝（Tilt）、推拉（Dolly/Zoom）的運用，將作為構建空間感和推動情節發展的重要工具被深入探討。我們不僅關注“拍什麼”，更關注“如何引導觀眾去看”。 1.2 膠片與數字的對話：影像載體的演變與選擇 本捲深入比較瞭傳統膠片攝影與現代數字攝影在成像原理、色彩還原和動態範圍上的差異。我們將探討數字傳感器技術（如全畫幅、中畫幅）的發展如何影響瞭電影的質感，以及RAW格式在後期製作中提供的巨大靈活性。對於追求特定美學效果的創作者而言，理解不同攝影機特性（如色彩科學、噪點控製）對最終影片風格的決定性作用至關重要。內容將涵蓋如何根據預算、光照條件和導演的藝術要求，做齣最閤適的設備選擇，確保影像風格的統一性與高質量。 二、 燈光藝術：塑造氛圍與情感的無形之手 光，是電影的靈魂。如果說鏡頭是眼睛，那麼燈光便是情緒的調色闆。本書將燈光設計視為一種雕塑空間和描繪角色的主動過程，而非簡單的“照亮”。 2.1 三點布光法及其變體：經典與創新的融閤 我們將從最基礎的“三點布光法”（主光、輔光、輪廓光）入手，詳盡解析其在不同情境下的應用與調整。然而，本書的重點在於超越基礎：如何利用“硬光”和“軟光”來錶達角色的內心狀態？硬光帶來的銳利陰影如何暗示衝突或危險？軟光所營造的柔和過渡又如何烘托浪漫或寜靜？我們將深入研究關鍵光（Key Light）的角度、強度和色溫變化，如何精確地控製陰影的形態，從而在二維平麵上創造齣三維的體積感和戲劇張力。 2.2 色溫與色彩的心理學影響 色彩是燈光最直接的錶達方式。本書將詳細梳理色溫（開爾文值）與情感錶達的關係：冷色調（藍白光）在錶現孤立、科技或悲傷場景中的應用，以及暖色調（黃橙光）在營造溫馨、懷舊或緊張氣氛中的作用。更進一步，我們將探討“色彩濾鏡”和“有色主光”的使用，如何在不改變環境光綫本質的前提下，為特定場景注入強烈的風格化色彩，如錶現非現實空間或夢境。對互補色、對比色的巧妙運用，將成為構建視覺衝擊力的重要章節。 三、 電影運動與空間感知：場麵調度中的攝影機作用 攝影機運動是電影語言的“動詞”。本書強調，運動不僅僅是平移或鏇轉，它必須服務於敘事節奏和空間展示。 3.1 空間展示與節奏控製 我們將分析攝影機運動如何影響觀眾對場景空間大小和角色之間關係的認知。例如，一個緩慢的推軌鏡頭（Dolly in）如何放大角色的內心壓力；一個環繞拍攝（Orbit shot）又如何展現環境的壓迫感或角色的中心地位。對“跟拍”與“固定機位”的辯證分析，將幫助讀者理解何時需要緊密耦閤角色，何時又需要保持客觀距離。書中會涵蓋斯坦尼康（Steadicam）和無人機技術在現代電影製作中的應用，以及它們如何為復雜場景調度提供瞭前所未有的自由度，但同時也對攝影師的平衡感和預判能力提齣瞭更高的要求。 3.2 現場環境光與人造光的集成 在實際拍攝中，如何有效地融閤自然光、現場環境光（如室內燈具）與專業的人造燈光，是攝影指導（DP）麵臨的核心挑戰。本章將提供實用的布光策略，教導如何在保證藝術效果的同時，利用現場既有光源作為基礎，通過“補光”和“遮光”技術，實現畫麵的自然與和諧。對“光比”（Contrast Ratio）的精確控製，將是區分專業與業餘影像的關鍵指標之一。 四、 場麵調度與攝影部門的協作 電影製作是一個復雜的協作過程，攝影部門與導演、美術部門、製片部門的有效溝通至關重要。 4.1 藍圖繪製：從分鏡頭腳本到燈光預演 本書將強調攝影指導在前期準備階段的作用。如何通過閱讀劇本，預先設想光影方案和運動軌跡，並將這些想法轉化為精確的“燈光圖”和“運鏡錶”。對場麵調度（Mise-en-scène）的理解，要求攝影師不僅要考慮“光在哪裏”，還要考慮“演員在哪裏”、“道具如何擺放”，因為這些元素共同決定瞭光影投射的效果。 4.2 實時決策與危機處理 電影拍攝現場充滿變數。天氣突變、演員走位調整、時間限製等都要求攝影師具備極強的應變能力。我們將探討在有限時間內，如何快速調整布光方案以適應新的錶演或移動，以及如何在保證安全和效率的前提下，實現導演對某一特定鏡頭的藝術要求。這種將藝術追求與工程實踐完美結閤的能力，是優秀電影攝影師的標誌。 通過對以上領域的全麵係統梳理，本書旨在為電影學院學生、青年攝影師以及對電影視覺藝術感興趣的愛好者，提供一套紮實、深入且具有前瞻性的視覺語言構建指南。它聚焦於“如何看世界”以及“如何用光影講述故事”，是理解和實踐電影美學的必備參考。

評分☆☆☆☆☆

自從看瞭幾部歐洲獨立電影後，我發現配樂的“剋製”纔是最高級的藝術錶達。那些不著痕跡、隻在關鍵時刻用最少的音符去渲染情緒的配樂，比那種轟轟烈烈的交響樂更能在我腦海中久久迴蕩。我一直在探索，如何避免配樂的“過度宣講”，即音樂把觀眾本應自己去體會的畫麵情感直接喊齣來。我希望這本書能深入探討“留白”在電影配樂中的哲學意義。比如，在一部懸疑片中，不配樂和配樂的臨界點在哪裏？如果它隻是簡單地羅列瞭“如何寫齣悲傷的鏇律”或者“如何模擬動作片的緊張感”，那它就太流於錶麵瞭。我更關注的是作麯傢如何通過對音色的選擇、對動態範圍的控製，來引導觀眾的注意力，甚至是在潛意識層麵埋下伏筆。那種對音樂的“敘事功能”的深度挖掘，遠比學習幾個和弦進行要來得重要得多。

評分☆☆☆☆☆

這部書的封麵設計著實抓人眼球，那種沉穩的色調配上略帶年代感的字體，讓我立刻聯想到那些黃金時代的電影畫麵，一股專業而厚重的氣息撲麵而來。我最近迷上瞭電影理論，尤其關注視覺語言和聲音設計的交互作用，總覺得配樂纔是真正能觸動人心弦的隱形角色。然而，市麵上很多談論電影配樂的書籍，要麼過於偏重古典樂理的枯燥講解，讓人望而卻步，要麼就是泛泛而談，隻停留在“配樂很重要”的層麵，沒有深入剖析背後的工業流程和創作心法。我尤其期待能找到一本能打通“藝術錶達”和“商業運作”之間壁壘的指南。我看重的是那種能把我從一個單純的聽眾，提升到能理解作麯傢如何在有限的預算和苛刻的導演要求下，精準地為畫麵注入靈魂的能力。所以，我一直在尋找一本能提供紮實案例分析，解析不同流派配樂風格如何服務於敘事節奏，並且能涵蓋從Demo製作到最終混音的全流程實操手冊。這本書的標題給瞭我這樣的期待，希望它能像一個經驗豐富的老前輩，手把手地帶我進入這個光影交織的聽覺殿堂。

評分☆☆☆☆☆

從商業角度來看，電影配樂涉及到版權、授權、與音樂齣版商的談判，以及如何將母帶的權益最大化等復雜問題。我個人的背景更偏嚮於技術和藝術的交叉點，對這些繁瑣的商業環節總是感到頭疼。很多技術指南往往忽略瞭“錢是怎麼賺的”和“閤同是怎麼簽的”這些關鍵問題。我希望這本書能在介紹完創作流程之後，能有一個詳盡的章節，剖析音樂在電影工業鏈條中的商業價值和保護機製。比如，流媒體平颱對於背景音樂的使用權限是如何界定的？如果一個配樂師想要將自己的作品打入國際市場，需要注意哪些法律層麵的陷阱？我非常看重的是那種既能教會我如何“創作”，又能指導我如何“生存”的實用信息。如果這本書能提供一些真實的閤同範本分析，或者對不同類型電影（動畫、紀錄片、劇情片）的音樂預算分配比例的行業基準數據，那絕對是物超所值。

評分☆☆☆☆☆

我一直對電影配樂的“聲音設計”部分非常著迷，尤其是一些先鋒派的作麯傢，他們將環境音、閤成器紋理與傳統管弦樂器無縫融閤，創造齣一種全新的聽覺體驗。我深信未來的電影配樂會更加傾嚮於“聲音景觀”的構建，而非傳統的鏇律主導。因此，我期待這本書能有足夠多的篇幅去探討現代數字音頻工作站（DAW）的高級應用，不僅僅是基礎的操作，而是如何利用延遲、混響、顆粒閤成等工具，將聲音轉化為具有角色和情緒的實體。市麵上大多書籍都把重點放在“如何寫齣好的主題鏇律”上，而忽略瞭那些奠定整個聽覺氛圍的細微處理。我希望能看到關於如何構建一個復雜、多層次的“音場”，以及如何設計齣既能服務於情節發展，又能體現作麯傢個人風格的獨特音色庫的經驗分享。這種對前沿聲音實驗的關注，是我判斷一本配樂指南是否具有時代價值的重要標準。

評分☆☆☆☆☆

我最近在準備一個短片的項目，雖然預算極其有限，但對音樂的要求卻一點不含糊，必須得有那種能立刻抓住觀眾情緒的瞬間。我嘗試過自己用閤成器堆砌一些簡單的背景音，結果發現無論怎麼調整，都像是給精美的畫作配瞭一塊廉價的墊腳石，完全無法提升影片的質感。這讓我深刻體會到，專業的配樂不僅僅是鏇律的堆砌，更是一種對鏡頭語言的精準“翻譯”。我特彆想知道，在麵對一個需要營造史詩感卻又預算吃緊的場景時，頂尖的作麯傢是如何通過編麯和配器上的“障眼法”來以小博大的？市麵上很多教程都是基於好萊塢頂級製作的案例來講解，那些動輒上百人交響樂團的配置，對於我們這種草根創作者來說，簡直是天方夜譚。我更需要的是那種能針對獨立電影、網絡劇集等中小型項目的配樂策略，比如如何高效利用有限的樣本庫、如何與導演進行有效且有建設性的溝通，以及如何最大化地在有限的時間內産齣高質量的音樂素材。這本書如果能提供一些“預算友好型”的配樂技巧，那對我來說價值無量。

評分☆☆☆☆☆

不錯

評分☆☆☆☆☆

書還不錯，就是有些內容不是很詳實，還有些內容不是我想要的。

評分☆☆☆☆☆

不錯

評分☆☆☆☆☆

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不錯

評分☆☆☆☆☆

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評分☆☆☆☆☆

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