具体描述
编辑推荐
适读人群 ：绘画爱好者“90后”国内新生代插画师,教你拿笔就画。跟着这本书开始绘画之旅，从此绘画变得有趣而简单。
本套“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都有十分细致的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者更容易理解并掌握彩色铅笔的绘画技巧，对初学者来说非常实用。
内容简介
色笔铅画，是一种介于素描和水彩之间的绘画形式。他的独特性在于色彩丰富且细腻，可以表现出较为轻盈、通透的质感。“绘画技法”系列丛书从线稿的描绘到上色的过程都十分细腻、透彻的讲解，并标注了每幅图所使用的彩色铅笔，这种一步步循序渐进的示范方式使读者能更容易理解并掌握色铅笔的绘画技巧。本书的目的不仅仅局限于让读者学会画出书中的案例，更是希望读者通过本书培养绘画兴趣，从而提起笔去画出更多美好的事物。画画一直都是件美好而安静的事，快拿起画笔，跟着本书一起画色铅笔画吧，享受绘画带来的乐趣。受众定位：绘画爱好者
作者简介
仲崇鑫，毕业于美术院校的“90后”国内新生代插画师，自幼喜爱绘画，梦想有一天可以画出一个属于自己的小世界。毕业后一直从事插图绘画工作，充满想象力和创造力，经过多年的磨砺，具有深厚的绘画功底和多样的绘画表现形式，擅长色铅笔、素描、写实、Q版、小清新、小温暖多种绘画风格。
画画这件事，绝不是一件只有鲜花和掌声的事情。这条路并不平坦，有挫折，有这样或那样的阻力，但因为有着对绘画的热情，她一直未梦想而坚持！
内页插图
用户评价
很多风景画教程，在讲解树木和植被的时候，往往会陷入一种“机械化”的描绘。但《绘画技法——风景》这本书，却给了我一个全新的思考方式。作者并没有教我如何逐片绘制叶子，而是引导我去理解“树的生命力”。他详细分析了不同树种的生长形态，以及它们在不同季节的表现。我记得有一章节，作者专门讲了如何通过“枝干的生长方向”来体现树木的姿态，以及如何通过“叶片的组合”来表现树冠的体积感和层次感。让我眼前一亮的是，作者还强调了“光影在植被上的变化”，他说，阳光穿过树叶，会形成斑驳的光斑，而阴影则会赋予树木立体感。书中还专门探讨了如何通过“色彩的微妙变化”来表现叶片的质感，比如，嫩绿的叶子和成熟的叶子，即使在同一棵树上，也会有细微的色彩差异。那些充满生机的绘画示范，让我觉得，画树木，不仅仅是形体，更是生命的律动。
评分我一直觉得，画好岩石和山峦，需要一种“厚重感”和“力量感”。《绘画技法——风景》这本书，在这方面给了我非常大的帮助。作者并没有直接教我如何绘制出逼真的纹理，而是引导我去理解“地质的语言”。他详细分析了不同岩石的形成过程，以及它们在风化作用下的形态变化。我记得有一章，作者专门讲了如何通过“笔触的粗糙度”和“色彩的冷暖对比”来表现岩石的质感，以及如何通过“明暗的强烈对比”来突出山峦的体积感和立体感。让我特别受启发的是，作者还提到了“山的性格”，他说，每一座山都有自己独特的性格，有些巍峨雄壮，有些秀美柔和，而这些性格，都可以通过绘画来传达。书中还专门探讨了如何通过“色彩的统一性”来表现山体的整体感，避免画面过于零碎。那些充满力量感的绘画示范，让我觉得，画山峦，不仅仅是地形，更是大自然的史诗。
评分水和天空，一直是我画风景时的两大难题。《绘画技法——风景》这本书，在这方面给了我非常实用的指导。作者并没有直接告诉我如何调出“蓝色”或“灰色”，而是引导我去观察水面和天空的“多层次变化”。他详细讲解了不同水体（比如平静的湖水、流动的河流、波涛汹涌的大海）在光线照射下，会呈现出怎样的色彩和反射，以及如何通过笔触的细腻程度来表现水的透明感或浑浊感。对于天空，作者更是花了大量篇幅来分析云的形态，以及不同天气下天空的色彩过渡。他提到，天空的颜色并不是单一的，而是由无数细微的冷暖色块组成，而云朵的边缘，也并非是生硬的线条，而是被光线柔化后的微妙过渡。我印象特别深刻的是，作者在讲解如何表现“反光”时，他没有简单地让你把倒影画下来，而是引导你去分析，光线是如何在水面折射，以及这种折射如何影响了景物的色彩和形状。这让我意识到，画水和天空，不仅仅是模仿，更是一种对自然现象的深刻理解。
评分我之前学画的时候，总是觉得调色是一件很头疼的事情，特别是画风景，那些微妙的色彩变化，我总是调不出来。但这本书，却用一种全新的视角来教我调色。《绘画技法——风景》这本书，并没有给我一个固定的色卡，也没有强迫我记住所谓的“标准色”。反而是引导我去观察，去理解色彩之间的关系。作者花了很长的篇幅，讲解了色彩的“纯度”和“明度”在风景画中的重要性，以及如何通过微调来改变色彩的温度感。我印象最深刻的是，作者在讲解如何表现“空气的颜色”时，并没有直接给出颜料的配比，而是让我去想象，在不同的大气环境下，空气本身会呈现出怎样的微妙色彩，以及这种色彩如何渗透到远处的景物中。他提到了“冷暖对比”在表现空间纵深感上的作用，以及如何利用“互补色”来增强画面的冲击力。更绝的是，书中还专门讲到了如何通过“灰色”来统一画面，避免色彩过于跳跃而失衡。这让我意识到，画好风景，不仅仅是掌握几种颜料的混合，更是对色彩世界的一种感知和驾驭。书中那些作者自己绘制的调色练习，虽然看起来简单，但却充满了作者的智慧。
评分这本书最让我感到惊喜的地方，在于它对“光线”的处理。我一直觉得，画不好风景，很大程度上是因为抓不住光。但《绘画技法——风景》这本书，却没有像我预想的那样，直接教你如何绘制“金色的夕阳”或者“银色的月光”。相反，作者花了相当大的篇幅，去讲解不同时间、不同天气下的光线如何影响物体的色彩、形态和质感，而且这些讲解非常细致入微。比如，关于清晨和傍晚的光线，作者不仅描述了它们的色温变化，还分析了它们穿透空气时形成的散射效果，以及这种效果如何让远处的景物产生模糊的层次感。他甚至还讨论了阴天光线带来的柔和光影，以及如何在没有明显光源的情况下，通过色彩的冷暖对比来营造空间的深度。我记得有一章，作者用了一个非常形象的比喻，说光线就像一位雕塑家，它用看不见的手，在塑造着我们眼中的世界。通过对这个比喻的深入解读，我才真正理解了，为什么同一片景物，在不同的光线下会呈现出截然不同的视觉感受。书中还穿插了一些非常精美的插图，这些插图并非是那种完美无瑕的范例，而是带有作者思考过程的草图和修改痕迹，这让我觉得非常亲切，也更能理解他在文字中想要传达的理念。
评分这本书的构图部分，真的颠覆了我以往的认知。《绘画技法——风景》并没有像其他教程那样，上来就讲“三分法”、“黄金分割”，而是从“引导视线”这个最根本的目的出发，去探讨构图的意义。我记得作者用了“画面的语言”来形容构图，他说，好的构图，能够用最简洁的方式，将观者的目光引向画面的焦点，并引领他们进行一次有意义的“视觉旅行”。他详细分析了不同景物元素的“视觉重量”，以及如何通过这些元素的组合来创造平衡或动态的美感。让我眼前一亮的是，作者还专门讲到了“负空间”在风景画中的作用，以及如何巧妙地利用空白区域来增强画面的呼吸感和神秘感。他举了很多例子，分析了不同大师的构图方式，不仅是分析线条和形状，更是分析他们如何通过构图来传达特定的情感和氛围。我甚至觉得，这本书的构图章节，与其说是教我画画，不如说是教我如何“看”风景，如何去发现那些隐藏在自然中的美学规律。那些作者绘制的构图草图，每一个都充满了思考，也让我对“什么才是好的构图”有了更深刻的理解。
评分我一直觉得，要画出有“空气感”的风景，需要极高的技巧。《绘画技法——风景》这本书，却用一种非常易于理解的方式，为我打开了新的大门。作者并没有直接给我一些复杂的空气透视公式，而是从“观察”入手，引导我如何去感受空气的存在。他用“色彩的消退”和“明度的变化”来解释空气如何影响远景的清晰度和色彩饱和度。我记得有一章，作者详细分析了不同距离的景物，在不同气候条件下的色彩变化。比如，在雾气弥漫的清晨，远处的山峦会呈现出怎样的柔和色调，又比如，在晴朗的午后，空气中会存在怎样的微妙蓝色。让我特别受启发的是，作者还提到了“情绪的色彩”，他说，空气的颜色，有时候不仅仅是物理的，更是情感的，它可以传递出宁静、忧伤，或者欢快的情绪。书中穿插的那些示范，虽然笔触看似简单，却完美地捕捉到了那种“空气的流动感”，让人觉得画面中的景物仿佛真的沐浴在阳光和微风之中。
评分我一直觉得，画人物，或者静物，相对容易一些，因为它们有明确的轮廓和形态。但画风景，总感觉是一种“无形”的捕捉，特别是那些流动的云，晃动的树叶，以及变幻莫测的水面。《绘画技法——风景》这本书，恰恰在这方面给了我巨大的启发。作者并没有提供简单的笔触模仿，而是深入探讨了如何通过“笔触的节奏”来表现物体的动态感。他讲解了不同笔触的速度、力度和方向，如何能够传达出风吹动树叶的沙沙声，或者流水潺潺的动态。我特别喜欢他关于“留白”的讲解，他说，留白不仅仅是颜色上的空白，更是“未完成”的艺术，它能够激发观者的想象力，让他们自己去“填补”画面的细节。书中还提到了如何通过“笔触的质感”来表现不同材质的物体，比如粗糙的岩石，光滑的叶片，或者湿润的泥土。这让我意识到，每一笔的落下，都应该是有目的性的，都应该是在为画面的整体情感和氛围服务。那些充满生命力的笔触示范，让我觉得，原来画风景，也可以如此生动和富有表现力。
评分拿到这本《绘画技法——风景》的时候，我原本以为它会像市面上大多数教程那样，简单地罗列几种笔触、调色盘和构图原则，然后就结束了。然而，当我翻开第一页，就被它别具一格的叙述方式深深吸引了。作者并没有急于展示技巧，而是先从“风景”这个概念本身入手，用一种近乎哲学辩论的口吻，探讨了我们为何会被风景所吸引，那些看似自然的景象背后，隐藏着怎样的情感共鸣和视觉语言。我记得有一段，作者详细分析了“远山如黛”和“近水生烟”这两种常见的古典意象，不仅仅是从色彩和明暗的角度，更深入地挖掘了它们在中国文人心目中象征着什么样的意境、情怀，以及这些意象是如何影响了后世的绘画创作。我当时就觉得，这不仅仅是一本绘画教程，更像是一场关于风景和艺术的深度对话。这种铺垫，让我对后面要学习的技法产生了前所未有的期待，仿佛这些技巧不再是僵硬的步骤，而是通往理解和表达风景深层魅力的钥匙。作者在这一部分花了大量的篇幅，引用了不同时代的诗词、散文，甚至民间传说，来佐证他对风景情感价值的解读。我承认，在阅读过程中，我有时会暂时放下笔，去窗外看看，试图用作者所描绘的那种“用心去感受”的方式，重新审视我身边的每一片云，每一棵树。这让我意识到，绘画技法的学习，绝不仅仅是手上的功夫，更是内心世界的延展和升华。
评分我一直对水彩的透明感和水墨的写意感非常着迷，但总觉得要在风景画中将它们结合起来，是一件非常困难的事情。《绘画技法——风景》这本书，却以一种非常独特的方式，为我指明了方向。作者并没有强迫我选择一种媒介，而是引导我去理解“媒介的特性”。他详细分析了水彩在表现光线和色彩上的优势，以及水墨在表现意境和神韵上的独到之处。我记得有一章节，作者专门讲了如何通过“层层叠加”来丰富水彩的色彩层次，以及如何通过“飞白”和“晕染”来营造水墨的写意效果。让我眼前一亮的是，作者还提到了“留白”在两种媒介中的不同作用，在水彩中，留白可以表现光感，而在水墨中，留白则可以营造意境。书中还专门探讨了如何通过“笔触的干湿变化”来表现不同的景物质感，比如，用湿润的笔触表现流动的溪水，用干燥的笔触表现古老的岩石。那些充满诗意的绘画示范，让我觉得，原来风景画，可以如此灵动和富有表现力。
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