舞台设计 [Stage Design] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡佐 著

图书标签:

• 舞台设计
• 戏剧
• 表演艺术
• 视觉艺术
• 设计
• 艺术
• 文化
• 舞台
• 灯光
• 布景

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787558604652

版次：1

商品编码：12293880

包装：精装

外文名称：Stage Design

开本：16开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：407

正文语种：中文

内容简介

　　舞台设计是戏剧空间的创造者，空间是舞台设计的对象。
　　《舞台设计》从物质的剧场、人和动作与空间之间的关系、视觉图像的构成这三个维度来阐明戏剧空间。
　　《舞台设计》凝聚了作者胡佐在教学与实践中不断总结出的经验和心得，引用了大量中外舞台设计者的经验和论述，图文并茂地介绍了舞台设计的基本原理和一般的设计技巧与方法等内容。

作者简介

　　胡佐，上海戏剧学院舞台美术系副主任、副教授、硕士生导师。美国加州州立大学、奥地利奥中文化交流中心访问学者，中国舞台美术学会布景专业委员会副主任。
　　长期从事舞台美术设计创作与教学。先后在境内、外设计了百余部戏剧舞台美术设计作品。个人曾获文化部第十四届文华奖舞台美术奖、第八届中国话剧艺术金狮奖舞台美术奖。设计作品多次获得文化部“文华大奖”、中宣部“五个一工程奖”、国家舞台艺术精品工程十大精品剧目、中国戏剧节剧目奖等国家奖项。
　　代表作品有：话剧《BIGLOVE》（美国）；歌剧《小二黑结婚》；京剧《瑞蚨祥》《将军道》；桂剧《七步吟》；越剧《大道行吟》《班昭》《甄嬛》；吕剧《回家》；秦腔《易俗社》等。

内页插图

目录

总论 什么是舞台设计
第一部分 舞台设计的空间构成
第一章 舞台空间的技术构成
第二章 舞台空间的动作构成
第三章 舞台空间的视觉构成

第二部分 舞台设计的样式
第四章 各种“主义”
第五章 综合结构
第六章 绘画—建筑—投影—新媒介

第三部分 舞台设计的程序与方法
第七章 设计方案
第八章 沟通与合作
第九章 舞台体现

参考书目
图片来源
后记

前言/序言

　　我的第一本关于舞台设计的论著《充满符号的戏剧空间》是由著名戏剧家张庚先生写的序。这位老前辈在肯定这本著作的同时也委婉地指出了它的不足之处，他希望我“能够写出一本既深入又浅出的有关舞台美术的书来”。遗憾的是我没能实现老前辈的期待。随后我写的《阅读空间——舞台设计美学》比前一本著作更令一些读者在阅读上感到有些困难。现在读了胡佐先生写的《舞台设计》，我觉得它做到了“既深入又浅出”这一点。
　　任何设计包括舞台设计，不论是理论专著还是教材，无非是要回答以下三个问题：
　　1做什么？舞台设计是戏剧空间的创造者，空间是舞台设计的对象。这正是本书作者论述的中心，他从物质的剧场、人和动作与空间的关系、视觉图像的构成这三个维度来阐明戏剧空间。
　　2.做成什么样？作者以风格、空间的转换、造型艺术以及新媒体的影响这四者作为形式构成的主要因素。
　　3.怎么做？本书以方案、合作、体现这三者形成设计的程序。
　　从上述几个方面看本书的论述是有深度的，是系统的。
　　在论述方面，作者力求简明扼要，不在概念之间绕来绕去。为了说明一个论题，书中引用了大量中外舞台设计者的经验和论述。更值得一提的是，本书的插图有近500幅。在一个图像时代，设计理论的著作理应做到图文并茂。这些，也许就是张庚先生所说的“浅出”吧！
　　本书作者在上海戏剧学院舞台美术系长期担任行政工作，又要担任大量的研究生和本科生的教学工作，此外，他还经常受邀于国内许多院团担任演出的舞台设计。在这种情况下能笔耕不断，历经数载终于完成这本著作，确系难能可贵。作者风华正茂，精力充沛，期望他今后有更大的成就。

《建筑的诗意：空间叙事与材料的对话》 （一本探索建筑学在更深层次——精神、文化与时间维度上——的著作，而非仅关注技术或视觉表面的书籍） 导言：超越功能，直抵灵魂的场所 本书旨在重新审视“建筑”这一永恒命题，将其从单纯的结构工程或实用美学的范畴中解放出来，探讨其作为人类经验的容器、文化记忆的载体，以及精神栖息地的核心作用。我们不再满足于分析一座建筑如何“站立”，而是深入探究它如何“存在”；它如何通过光影的雕琢、材料的低语和空间序列的编排，来叙述一个关于时间、社群和人性的故事。 《建筑的诗意》是一次对场所（Genius Loci）精神的追寻，是对现代主义过分强调效率和可复制性的一种温和反思。我们相信，伟大的建筑必然是叙事性的，它通过对尺度、比例、质地和光线的精妙控制，在使用者心中唤起难以言喻的情感共鸣——那是理性无法完全捕获的、属于建筑的诗意。 全书分为四个核心部分，层层递进，构建起一个完整的理论与实践的对话框架。 --- 第一部分：场所的生成与记忆的重量 本部分聚焦于建筑与特定地理、历史环境之间的不可分割性。我们不再将建筑视为孤立的物体，而是将其视为场域演化的必然产物。 1. 地理的铭刻：气候、地质与形态 详细分析了不同地域的自然条件如何塑造了建筑的初级形态。从地中海的厚重石墙到北欧的轻盈木构，这不仅是应对气候的策略，更是人类对“家园”概念的初始定义。我们探讨了在地材料的运用如何建立起建筑与土地之间最直接、最诚恳的对话，强调了本土工艺和传统技术中蕴含的非书面知识体系。 2. 时间的褶皱：新与旧的交织 本章批判性地审视了“推倒重建”的现代惯性，提倡一种更为审慎的、尊重历史层级的干预方式。通过对古迹的修复、再利用（Adaptive Reuse）案例的深入剖析，我们探讨了如何让新加入的结构元素成为现有历史的“注释者”而非“覆盖者”。建筑的生命周期被视为一个连续的叙事链，而非离散的断点。 3. 符号的提炼：超越装饰的象征意义 分析了建筑如何通过其几何形制、朝向和内部序列，承载超越其实用功能的文化和宗教象征。例如，中轴线的确定如何组织社会秩序；拱券的形态如何表达对超越力量的敬畏。重点关注那些在不同文明中反复出现的母题，探究其在当代语境中的有效性。 --- 第二部分：光影的雕塑与感官的层次 建筑的本质是三维的，但其体验却是流动的、依赖于感官的。本部分将光线视为与材料同等重要的建筑“构件”，探讨如何通过光线的物理属性来调节人的心理状态。 1. 光的哲学：从自然漫射到戏剧性聚焦 区别于简单的照明设计，本章深入探讨了光线在一天之中、一年四季的变化如何赋予空间以生命力。分析了不同材料表面（磨砂、抛光、粗粝）对光的吸收与反射特性，以及如何利用遮蔽物（如百叶、格栅、穿孔墙）来“过滤”时间和空间，创造出节奏感。 2. 质感的低语：触觉的记忆 材料的触感往往是人们记忆中最持久的部分。本章系统梳理了不同建筑材料的“触感谱系”——从冰冷光滑的混凝土到温暖粗糙的夯土，再到经过时间打磨的木材。我们主张，优秀的设计必须激活使用者全身的感官系统，建筑不应只是被观看，更应是被感知和触摸的实体。 3. 空气的流动：不可见的空间张力 引入了对“负空间”的讨论。空气的运动、温度的微妙变化、声音的反射与吸收，共同构成了空间的“氛围”。通过案例分析，展示建筑师如何设计通风路径和声学环境，以创造宁静、开放或亲密的特定场所体验。 --- 第三部分：空间的序列与身体的尺度 此部分聚焦于人类在建筑内部的移动、停留和互动，强调建筑对身体经验的引导作用。 1. 步履的节奏：路径规划与期待管理 建筑体验是时间的累积。我们分析了入口序列——从外部到内部的过渡空间（如门厅、庭院）——如何设置观者的情绪基调。探讨了通过突然的尺度变化（从低矮到高耸，从黑暗到明亮）来制造“顿悟”或“崇高感”的空间策略。 2. 人体工程学的伦理：尺度的人文关怀 超越标准化的尺寸体系，本章回归到对“人体尺度”的敏感性。讨论了不同文化背景下，家具、门洞、台阶高度所隐含的权力关系和舒适度标准。尤其关注无障碍设计如何不应被视为一种补充，而是对空间多样性体验的丰富。 3. 围合与开放的辩证法：私密性与公共性的界限 分析了“墙”的功能转变，从单纯的界限到可渗透的界面。探讨了如何设计那些允许“半公开”状态的空间，例如带有深檐的走廊或半高的隔断，以微妙地调节社群交往的密度和强度。 --- 第四部分：建筑的伦理：可持续性与责任的未来 最后一部分将视角转向当代挑战，探讨建筑师在快速变化的社会中应承担的更宏大的责任。 1. 循环经济与建造的智慧 探讨了材料的“原产地”和“终结”问题。主张将建筑视为一个可回收、可分解的材料库。对比了传统“慢工出细活”的本地建造模式与预制化、模块化建造的优缺点，寻求一种既高效又对环境负责的建造哲学。 2. 适应性与韧性设计：应对不确定性 在气候变化和城市快速扩张的背景下，建筑必须具备长期的韧性。本章讨论了如何设计具有内在灵活性、易于功能转换和结构升级的建筑，使其能够适应未来不可预见的社会需求。 3. 简朴之美：反思过度表达 本书的终极命题：真正的建筑深度不在于装饰的复杂性或技术的前沿性，而在于其对核心需求的精准满足和对场所精神的忠诚。我们提倡一种审慎的“简朴”（Simplicity），即通过最少、最精炼的元素，实现最丰富的意义表达。 --- 结语：建造，即是存在 《建筑的诗意》并非一本技术手册，而是一份对建筑师、规划师、使用者和所有热爱生活空间的人士的邀请函——邀请他们一同深入场所的肌理，倾听材料的低语，并参与到对人类精神栖居地的持续对话之中。我们的目标是唤醒对“好地方”的渴望，以及在日常建造中实践这份诗意的能力。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书在探讨当代舞台设计的前沿技术和跨界融合方面，表现得尤为出色，这让我这个一直关注数字媒体艺术的读者感到非常惊喜。书中有一整章专门用来剖析虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术是如何被整合进现场表演的，它没有停留在概念层面，而是列举了多个国际知名的实验剧团如何利用动作捕捉和实时投影技术，创造出与实体演员共存的“数字幽灵”或动态环境。尤其令我印象深刻的是，作者深入剖析了“沉浸式戏剧”的成功要素，指出好的沉浸式体验不仅仅是让观众走进场景，更关键在于设计精妙的互动机制和叙事分支，确保观众的每一个选择都能在物理空间中产生可感知的反馈。这种对技术伦理和观众参与度的探讨，让这本书的视野远超传统的舞美制作范畴，更像是对未来剧场生态的一次大胆预测和技术蓝图。对于那些热衷于探索科技与艺术边界的年轻设计师而言，这里面蕴含的启发性思考是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

从专业技能的角度来看，这本书对舞台构架和机械设计的讲解，可谓是教科书级别的严谨与全面。我特别赞赏作者在讨论“可移动与可转换场景”时所采用的结构分析方法。书中不仅展示了各种旋转台、升降台的经典图纸，还详细比较了液压、电动和纯机械传动系统的优缺点，包括它们的维护成本、安全系数以及对舞台地板承重的影响。对于一个需要从零开始规划大型歌剧制作的工程师来说，这些实打实的参数和经验总结简直是如获至宝。此外，书中关于安全规范和无障碍设计的章节也体现了极强的社会责任感，它提醒设计师，舞台的魔力必须建立在坚实可靠的安全基础之上，并确保所有观众都能享受到平等的观剧体验。这种对工程实现细节的深度挖掘，使得这本书的价值超越了单纯的艺术指导，成为了一部极具操作性的技术手册。

评分☆☆☆☆☆

这本关于舞台设计的书，拿到手里的时候，我就被它那种沉甸甸的质感和精美的插图吸引住了。翻开内页，首先映入眼帘的是一系列关于古典剧院历史演变的设计图稿，从古希腊的露天剧场到巴洛克时期的华丽宫廷舞台，每一个细节都被描绘得栩栩如生。作者似乎对建筑史和戏剧史有着极为深厚的功底，他不仅展示了不同时代舞台的物理构造，更深入探讨了这些空间如何影响了戏剧表演的风格和观众的体验。比如，书中详细分析了“黑匣子剧场”的诞生，这种灵活多变的空间如何解放了导演的想象力，让抽象概念和极简主义舞台设计得以大行其道。阅读过程中，我仿佛跟随作者进行了一次穿越时空的旅行，深刻体会到舞台设计如何从单纯的布景技术，演变为与叙事、灯光、服装并驾齐驱的艺术形式。它不是简单地罗列设计案例，而是构建了一个完整的理论框架，解释了为什么某些设计会在特定的历史时期显得如此“正确”和具有革命性。对于任何想了解戏剧空间美学根源的爱好者来说，这绝对是一部不可多得的入门与进阶参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格非常独特，它摒弃了那种板着脸的学术腔调，更像是与一位经验丰富、充满激情的舞美指导进行的一场深入的私下交流。作者在描述复杂的设计决策时，常常穿插着一些幕后的“小故事”——关于预算超支的窘境、与固执的导演的拉锯战，以及在极短时间内完成复杂机械装置搭建的惊险时刻。这些轶事极大地增强了可读性，让人感觉舞台设计工作并非高高在上、遥不可及，而是充满了人性的挣扎与创造的火花。例如，书中对“材料的诗意”这一章节的阐述就非常生动，作者没有空泛地谈论什么“工业美学”，而是通过对比不同油漆、织物在特定灯光下的反射角度和质感变化，细致入微地描绘了设计师如何通过对日常材料的精妙运用，来烘托人物的内心世界。这种“看得到做出来的”的详尽描述，让读者在欣赏最终效果图的同时，也能理解到背后的汗水与智慧的结晶。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书最迷人的地方，在于它对“光与空间”之间哲学关系的探讨，这种思辨性的内容常常让人在阅读结束后，久久凝视着自己周围的普通空间，开始重新审视日常环境中的光影布局。作者巧妙地引入了现象学理论，探讨了观众在黑暗剧场中，注意力被灯光引导时，其感知如何被重塑。书中有一个关于“负空间”运用的案例分析尤为精妙，它解释了如何通过刻意制造大面积的黑暗或空旷区域，反而能凸显出被聚焦的物体或演员的戏剧张力。这已经不是单纯的灯光设计指南，而是一篇关于视觉心理学的论文。阅读这些章节时，我感觉自己仿佛在进行一场冥想，不断地被引导去思考“看”的本质是什么，以及舞台设计如何像外科手术般精准地操纵人类的注意力焦点。它教会我的，是如何用光线去雕刻时间与情感，而非仅仅是照亮物体。