Menu Design In America1850-1985 美國菜單設計 平麵設計 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

Jim Heimann 編

圖書標籤:

• 菜單設計
• 美國設計
• 平麵設計
• 餐飲設計
• 曆史設計
• 視覺文化
• 設計史
• 美國文化
• 餐飲曆史
• 設計參考

店鋪： 善本圖書專營店

齣版社： Taschen

ISBN：9783836526623

商品編碼：1444115141

包裝：精裝

開本：24.9 x 4.3 x 32.4 cm

齣版時間：2011-08-20

頁數：392

正文語種：英文

Until restaurants became commonplace in the late 1800s, printed menus for meals were rare commodities reserved for special occasions.  As restaurants proliferated, the menu became more than just a culinary listing. The design of the menu became an integral part of eating out and as such menus became a marketing tool and a favored keepsake.

Menu Design is an omnibus showcasing the best examples of this graphic art. With nearly 800 examples, illustrated in vibrant color, this deluxe volume not only showcases this extraordinary collection of paper ephemera but serves as a history of restaurants and dining out in America. In addition to the menu covers, many menu interiors are featured providing a epicurean tour and insight to more than a hundred years of dining out. An introduction on the history of menu design by graphic design writer Steven Heller and extended captions by culinary historian John Mariani accompany the menus throughout the book. Various photographs of restaurants round out this compendium that will appeal to anyone who enjoys dining out and its graphic and gastronomic history.

Nearly 800 stunning examples of menu design Covers
more than a century of exquisite vintage design

 

The editor:
Cultural anthropologist and graphic design historian Jim Heimann is Executive Editor for TASCHEN America, and author of numerous books on architecture, pop culture, and the history of the West Coast, Los Angeles, and Hollywood. His unrivaled private collection of ephemera has been featured in museum exhibitions around the world and dozens of books.

The contributing authors:
Steven Heller is the co-chair of the School of Visual Arts MFA Designer as Author Program. For 33 years he was an art director for The New York Times, and currently writes the "Visuals" column for The New York Times Book Review. He is the author of 120 books on graphic design, illustration, and satiric art.

John Mariani is food and travel columnist for Esquire Magazine, wine columnist for Bloomberg International News, and author of The Encyclopedia of American Food & Drink, America Eats Out, The Dictionary of Italian Food and Drink, and How Italian Food Conquered the World.

現代平麵設計史：從早期印刷到數字革命 本書深入探討瞭自工業革命晚期至信息技術時代早期，平麵設計領域所經曆的深刻變革與發展脈絡。我們聚焦於視覺傳達媒介的演變、設計思潮的更迭，以及技術進步如何重塑瞭我們理解和製作信息的方式。 第一部分：工業的黎明與設計的萌芽（1850-1920） 本部分考察瞭19世紀中葉至20世紀初，印刷技術成熟對視覺文化産生的巨大衝擊。蒸汽驅動的印刷機、照相製版技術的引入，使得大規模、低成本的圖像和文字復製成為可能。這催生瞭對“吸引眼球”的商業設計的迫切需求。 1. 維多利亞時代的繁復與裝飾性 在這一時期，設計深受工藝美術運動（Arts and Crafts Movement）和新藝術運動（Art Nouveau）的影響。設計作品傾嚮於高度裝飾化、有機綫條和對自然形態的模仿。廣告、海報和書籍封麵充滿瞭復雜的排版和豐富的色彩，反映瞭資産階級對精美物件的追求。我們詳細分析瞭英國的威廉·莫裏斯及其追隨者如何試圖對抗工業化帶來的粗製濫造，強調手工藝的價值，盡管他們的理念在商業印刷中往往被簡化或扭麯。同時，我們也探討瞭法國和比利時海報藝術的興起，如圖盧茲-洛特雷剋和阿爾豐斯·穆夏，他們利用石版畫技術創造瞭色彩鮮艷、富有錶現力的商業廣告。 2. 現代主義的前奏：早期功能主義的探索 隨著進入20世紀，一些先驅開始質疑過度裝飾的弊端，主張設計應更加直接、清晰和功能化。這一時期的關鍵在於對清晰度和效率的初步追求。例如，在德國和奧地利的先驅者開始探索更簡潔的網格係統和無襯綫字體的應用潛力。我們考察瞭這一時期早期企業標識（Logo）的演變，它們如何開始嘗試用幾何形狀來象徵現代企業精神。 第二部分：現代主義的崛起與設計原則的奠定（1920-1950） 兩次世界大戰之間的時期是平麵設計史上最富革命性的階段。設計不再僅僅是裝飾，而是被視為解決社會、政治和商業問題的工具。 1. 包豪斯與構成主義的衝擊 歐洲大陸的中心，特彆是德國的包豪斯（Bauhaus）學院，成為瞭現代設計哲學的溫床。包豪斯強調“形式追隨功能”，主張設計必須服務於大眾，並與技術生産緊密結閤。我們深入分析瞭赫伯特·拜爾、拉斯洛·莫霍利-納吉等人對字體、色彩和空間構圖的激進實驗。他們將建築的理性結構引入二維平麵，倡導使用無襯綫字體（如Futura）作為普遍可讀性的象徵。 幾乎同時期，俄國的構成主義（Constructivism）則將設計提升到政治宣傳的高度。羅德琴科和馬列維奇的作品展示瞭如何利用動態的斜綫、強烈的對比色和拼貼技術來激發革命熱情。我們將這些激進的視覺語言與西方的商業應用進行對比研究。 2. 國際主義風格的成熟與傳播 二戰結束後，源自德國和瑞士的現代主義設計理念迅速通過移民和設計教育體係傳播到全球，形成瞭國際主義風格（International Typographic Style），或稱“瑞士風格”。以約瑟夫·米勒-布羅剋曼和卡爾·格斯特爾為代錶的設計師，將網格係統推嚮極緻。他們堅信，客觀、理性的設計是跨越文化障礙的最有效方式。本部分詳述瞭他們對不對稱布局、清晰的視覺層級和中性色彩的偏好，及其如何成為戰後企業形象塑造的主流範式。 第三部分：全球化背景下的設計多元化（1950-1985） 隨著戰後經濟的復蘇和全球貿易的擴大，平麵設計麵臨新的挑戰：如何在保持清晰度的同時，注入個性和文化身份。 1. 美國的反思與企業形象的構建 在美國，設計界對歐洲的純粹理性主義進行瞭吸收和本土化。我們考察瞭保羅·蘭德（Paul Rand）等設計大師如何成功地將現代主義的簡潔性與必要的幽默感和象徵性結閤起來，為IBM、UPS等大型企業創建瞭持久的、易於識彆的視覺係統（Corporate Identity）。這一時期的設計更加注重“品牌”概念的形成與管理。 2. 印刷技術的進步與設計美學的拓寬 1960年代，光刻和膠印技術的改進使得彩色印刷的成本降低，設計錶達的可能性大大增加。同時，受迷幻藝術（Psychedelic Art）和波普藝術（Pop Art）的影響，平麵設計開始齣現對理性主義的反叛。我們分析瞭沃倫·萊茨科夫斯基等人在音樂海報設計中對高度飽和色彩、扭麯字體和復雜圖層的運用，這標誌著設計開始迴歸情感錶達的層麵。 3. 字體設計的復興與數字化前夜 在1970年代，隨著感應式排版機（Phototypesetting）的普及，設計師獲得瞭前所未有的字體選擇自由。這導緻瞭對曆史字體的重新挖掘，以及大量實驗性字體的湧現。這一時期，設計工作室開始探索如何用動態和時間維度來思考平麵設計，盡管電子媒介尚未成熟，但思維的邊界已經開始嚮未來延伸。 結論：嚮數字時代的過渡 本書的終點設定在1985年，這個時間點標誌著個人電腦和桌麵齣版（DTP）係統的初步成熟，為平麵設計帶來瞭又一次顛覆性的技術變革。通過對過去一個半世紀的梳理，我們可以清晰地看到，平麵設計是如何從手工藝作坊的裝飾性産物，逐步演變為一門融閤瞭社會學、心理學和技術科學的專業學科。它始終在清晰的溝通需求與不斷變化的審美傾嚮之間進行著艱難而富有創造性的平衡。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計就透露著一種跨越時代的質感，那種老式印刷特有的粗糲感和色彩飽和度，讓人立刻沉浸到那個時期的氛圍中。我原本以為這隻是一本圖錄，簡單羅列一些老菜單圖片，但翻開後纔發現，它更像是一部社會史的側寫。設計風格的演變，其實是美國社會變遷的縮影。從維多利亞時代的繁復裝飾，到兩次世界大戰期間的實用主義，再到戰後消費主義的興起，菜單的版式、字體、插畫風格無不反映著當時人們的審美取嚮和生活哲學。比如，早期那些燙金的、配有復雜花邊的菜單，簡直就是那個時代上流社會的“通行證”，每一道菜的名字都帶著一種儀式感。再看看五十年代那些快餐店的菜單，簡潔、明快，用色大膽，充滿瞭對現代工業效率的贊頌。這種從“展示財富”到“強調效率”的轉變，遠比單純看建築或服裝史更有意思，因為它與人們的日常飲食緊密相關，是觸摸曆史最直接的“味道”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的編輯和裝幀質量，本身就是對所討論主題的一種緻敬。那些用來復製早期印刷品的紙張紋理和油墨的細微滲色效果，處理得極為考究，讓人仿佛能聞到舊書頁和陳年油墨的味道。書中對彩色印刷發展曆程的梳理也極為精彩。從最初昂貴、笨拙的三色套印，到後來更經濟、更鮮艷的四色分離技術普及，菜單色彩的豐富程度直接反映瞭餐廳經營成本和印刷技術的進步。我喜歡那些專門闢齣的小章節，聚焦於特定元素，比如“黃油花”和“裝飾性邊框”的興衰。這些細節看似微不足道，但正是它們構築瞭那個時代的整體視覺語言。閱讀下來，你會發現，設計史上的每一個“小進步”，都凝聚瞭無數工匠和設計師的心血，絕非一蹴而就的偶然。

評分☆☆☆☆☆

這本書的學術深度著實讓我有些意外。它不僅僅是展示瞭視覺上的美感，更深入探討瞭印刷技術、商業營銷策略與菜單設計之間的復雜互動關係。作者沒有滿足於將菜單視為孤立的藝術品，而是將其置於更宏大的傳播學和文化研究的語境下進行分析。我特彆欣賞其中關於“信息層級”的討論，尤其是在自助餐廳和連鎖餐廳興起之後，菜單如何從一份“邀請函”轉變為一個高效的“銷售工具”。他們如何利用字體大小、留白甚至油墨的顔色來引導顧客的目光和購買欲望，這種商業心理學的應用，在那個時代就已經達到瞭相當高的水準。有些章節詳細剖析瞭特定地域（比如新奧爾良的剋裏奧爾餐廳或加州的健康食品店）菜單設計的地域特色，這種細緻入微的地域差異比較，讓這份曆史畫捲更加立體豐滿，絕非泛泛而談的錶麵功夫。

評分☆☆☆☆☆

這本書的社會學意義，超齣瞭我對一本“設計史”書籍的預期。它描繪瞭美國中産階級的崛起與消費文化的形成。菜單的設計語言，直接服務於社會階層的區隔。高檔餐廳的菜單通常厚重、使用昂貴的紙張、字體優雅，目的是傳遞“專屬感”和“永恒性”；而廉價咖啡館的菜單則傾嚮於使用大號粗體字和高對比度色彩，追求“即時滿足”和“高周轉率”。通過分析這些設計選擇背後的商業動機，我們能更深刻地理解“體驗經濟”的早期形態。尤其值得一提的是，書中對戰後美國郊區化和汽車文化的反映——那些路邊餐館和汽車穿梭餐廳（Drive-in）的菜單設計，那種充滿速度感和未來主義色彩的視覺語言，簡直就是對“美國夢”中移動和便捷生活的完美詮釋。這本書，是瞭解美國現代商業視覺文化繞不開的一把鑰匙。

評分☆☆☆☆☆

作為一名平麵設計愛好者，我最享受的是那些關於“排版實驗”的部分。1850年代到1985年，這百餘年間，幾乎涵蓋瞭所有重要的字體和版式革新。你能清晰地看到早期襯綫體如何被無襯綫體挑戰，以及裝飾藝術（Art Deco）風格如何以其幾何化的綫條和對稱性徹底顛覆瞭維多利亞時代的柔美。最引人入勝的是對1960年代“反主流文化”時期菜單的解讀。那時候，一些先鋒餐廳開始故意打破常規，使用迷幻的字體、不協調的色彩搭配，甚至手繪的、近似塗鴉的元素，這簡直就是當時社會對既有設計規範的一種視覺上的“叛逆宣言”。這些設計不再僅僅是為瞭“告知價格”，它們本身就是一種態度、一種宣言，記錄瞭設計如何從單純的實用服務工具，逐漸進化為一種強大的文化錶達媒介。