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Fashionary 著

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出版社： Fashionary Internation...

ISBN：9789881354761

商品编码：18611762938

包装：精装

外文名称：Fashionpedia

出版时间：2016-01-06

页数：336

图书基本信息

时尚志百科 Fashionpedia
作者： Fashionary
ISBN13： 9789881354761
类型： 精装(精装书)
出版日期： 2016-01-06
出版社： Fashionary International Limited
页数： 336
重量（克）： 756
尺寸： 148 x 218 x 32 mm

商品简介

FASHIONPEDIA is a visual fashion dictionary covering all the technical terms from style to material to production with illustrations and infographics. It encompasses rich, extensive information and yet is so easy to read. Whether you’re an industry insider or a fashion connoisseur, FASHIONPEDIA is all you’ll ever need to navigate the fashion scene.

风格演进与文化脉络：一部关于服饰艺术的深度探索 书名：风格演进与文化脉络：一部关于服饰艺术的深度探索 内容简介： 本书深入剖析了人类服饰艺术自原始社会萌芽至当代多元发展的完整历程，旨在提供一个全面、系统的视角来理解服装不仅仅是遮蔽身体的工具，更是反映社会结构、经济水平、审美变迁和思想潮流的复杂载体。全书结构严谨，脉络清晰，内容涵盖了从材质的革新到廓形的革命，从宫廷礼服的象征意义到街头文化的反叛精神。 第一部分：服饰的起源与文明的镜像（史前至中世纪） 第一章：蛮荒之衣与文明初现 本章追溯了人类最早的服饰形态，考察了兽皮、树叶等原始材料在不同地域（如美索不达米亚、尼罗河谷）如何演变为具有初步社会区分功能的着装。重点分析了埃及亚麻织物下的等级制度，以及古希腊罗马时期，褶皱艺术（Drapery）如何体现对人体美学的理想化追求。我们探讨了“着装”与“身份标签”的早期绑定，例如罗马元老院的紫色镶边，如何成为权力不可逾越的界限。 第二章：中世纪的信仰与禁锢 从中世纪欧洲的封建社会结构切入，本章详述了哥特式服装的兴起。从拜占庭的华丽丝绸，到维京人的实用皮毛，服饰风格的分化直接映射了地域的隔离与文化核心的差异。重点分析了教会对服饰规范的严格约束，例如对暴露的禁止，以及这种约束如何在民间通过刺绣、头巾的细节变化中找到表达的空间。同时，对拜占庭帝国对丝绸之路沿线服饰风格的影响进行了细致描摹。 第二部分：文艺复兴的奢华与启蒙的理性（15世纪至18世纪） 第三章：文艺复兴的形体重塑：从束缚到彰显 文艺复兴时期是人类对自身价值重新认知的时代。服装开始从宗教的束缚中解放出来，转向对财富和学识的公开炫耀。本章详细阐述了西班牙的紧身胸衣（Farthingale）如何创造出夸张的几何廓形，象征着贵族对空间和地位的占有欲。意大利的丝绸、佛兰德斯的蕾丝，这些精湛的手工艺品成为了国际贸易和外交的无声语言。同时，我们对比了英格兰伊丽莎白一世时期与法国凡尔赛宫廷截然不同的审美倾向。 第四章：巴洛克与洛可可的戏剧性表达 巴洛克风格的宏大叙事与洛可可的轻盈细腻构成了17世纪至18世纪服饰的两极。本章侧重于法国路易十四和路易十五宫廷服饰的“剧场化”趋势。从男性的全套假发、三件套（Justaucorps, Vest, Culotte）到女性的宽大裙撑（Pannier）和精细的刺绣，服装成为权力展示的舞台。同时，启蒙运动思潮对服装的影响，特别是对“自然状态”的向往如何催生了向简朴田园风格的初步转向，为后来的革命做好了铺垫。 第三部分：工业革命与现代性的诞生（19世纪） 第五章：工业革命的冲击与大众时尚的萌芽 19世纪是服饰史上最具颠覆性的时代。本章探讨了缝纫机的发明、煤气照明和批量生产如何彻底改变了服装的制造周期和可及性。重点分析了维多利亚时代对“得体性”（Propriety）的极致追求，紧身胸衣的结构性强化（即“沙漏型”的统治），以及男装（Dandyism）如何从炫耀转向强调内敛的品质和剪裁的精准性。我们详述了早期百货商店的出现如何为“购物体验”奠定基础。 第六章：美的反叛：艺术与功能主义的先声 面对工业化带来的过度装饰和压抑，19世纪后半叶出现了一系列对既有美学的挑战。本章深入研究了“审美与艺术运动”（Aesthetic Movement）的服饰主张，他们提倡更宽松的剪裁和对自然色彩的回归。同时，对女性运动（Rational Dress Society）如何开始质疑紧身胸衣对健康的危害，并探索功能性服装（如运动服、骑行服）的早期设计原则进行了细致的梳理。 第四部分：20世纪的解放与全球对话 第七章：两次世界大战间的流线型革命 20世纪初的女性解放运动与爵士时代的到来，使服饰进入了“解放”阶段。本章着重分析了二战前夕，可可·香奈儿（Coco Chanel）如何通过引入男装元素（斜纹软呢、简约套装）和放弃繁复的装饰，为现代女性创造了实用的“战时优雅”。同期，对装饰艺术（Art Deco）风格如何影响服装的几何图案和剪裁进行了分析。 第八章：战后复兴与青年文化的崛起（1947-1970） 战后，迪奥（Dior）的“新风貌”（New Look）是对战时节俭的反动，它重新强调了女性的柔美和奢华感。然而，这种保守很快被更激进的青年文化所颠覆。本章详细考察了1960年代迷你裙的诞生及其文化意义——它不仅是时尚，更是性解放和社会平权运动的视觉宣言。从英国的摩登族（Mods）到嬉皮士（Hippies），服饰成为表达政治立场的尖锐工具。 第九章：权力着装与解构主义的碰撞（1980-1999） 1980年代，权力套装（Power Suit）反映了女性进入企业高层的时代需求，夸张的肩垫成为了力量的象征。同时，日本前卫设计师如三宅一生（Issey Miyake）和川久保玲（Rei Kawakubo）对传统“完成度”的挑战，引入了解构、不对称和对材料本身的关注，开启了后现代设计的新视野。本章也探讨了街头时尚（如嘻哈文化）如何开始反向影响高级时装。 第五部分：数字时代与未来趋势（21世纪至今） 第十章：全球化、科技与身份的流动性 进入21世纪，互联网和社交媒体极大地加速了时尚的传播速度和风格的融合。本章分析了“快时尚”的兴起如何重塑了供应链和消费模式，同时也探讨了可持续性设计（Sustainable Design）作为对过度消费的反思性运动，如何从边缘走向主流。高性能材料、智能织物（Smart Textiles）的应用，以及虚拟时尚（Digital Fashion）的探索，预示着服饰的物理边界正在被打破。 结论：永恒的对话 本书最后总结道：服饰艺术是一部不断循环、自我修正的人类历史书。它在传统与创新、实用与审美、个体表达与社会规范之间进行着永恒的对话。理解服饰，即是理解我们如何看待自己，以及我们希望被世界如何看待。 本书特色： 跨学科视角： 结合了社会学、经济史、材料科学和艺术史的理论框架。 详实的案例分析： 选取了关键历史时期的标志性单品进行深入解析。 清晰的时代划分： 确保读者能够准确把握不同历史阶段风格的内在逻辑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当抓人眼球，那种充满复古与现代交织的质感，一下子就让我这种对视觉美学有执念的人停下了脚步。我原本是冲着它名字里那个“百科”二字去的，心想能系统梳理一下时尚脉络，结果翻开第一页，就被那种铺陈开来的历史场景给彻底吸引住了。它没有那种枯燥的学术腔调，反而像是请了一位经验老道的时尚评论家坐在你旁边，轻描淡写地跟你聊起那些划时代的设计师和那些转瞬即逝的潮流风口。比如，它对六十年代迷你裙横空出世的描述，不仅仅是简单地告诉你“裙子变短了”，而是深入剖析了这种变化背后的社会文化松动，那种对既有秩序的反叛精神，简直让人读得热血沸腾。接着，它又会自然地过渡到七十年代的波西米亚风潮，用极具画面感的文字描绘出那种自由散漫、充满异域情调的服饰组合。我特别喜欢作者在描述面料和剪裁时那种近乎痴迷的细节捕捉，让你感觉仿佛能触摸到那些丝绸的光泽和粗花呢的肌理。这绝不是一本教你“穿什么”的书，它更像是一部艺术史，只不过它的媒介是布料和线条，读完后，我对那些经典款式的理解一下子提升到了一个全新的哲学层面。

评分☆☆☆☆☆

真正让这本书超越一般时尚读物的，在于它对“潮流的生命周期”这一概念的深刻解析。很多同类书籍只是简单地记录了哪些东西流行过，但这本书却花了大篇幅去探讨“复古”是如何运作的，以及一个风格从边缘走向主流，再沉寂，最终又以新的面貌回归的完整循环机制。作者用一种近乎科学的严谨性，去剖析了时尚界的“记忆”是如何被储存、被重构的。我尤其欣赏它对“经典”的定义。它没有将经典等同于“永恒不变”，而是将其视为在不断变化的环境中，那些能够成功“对话”的结构和形式。这种辩证的思维方式，让我对当下流行的事物有了更审慎的观察角度——我们现在追逐的一切，在未来又将如何被重新诠释？这本书提供的不是答案，而是一套极其有力的分析工具。读完之后，我感觉自己不再是被动地接受信息，而是有能力去解读和预判时尚背后的驱动力，这对于任何一个想要深入了解这个行业的人来说，都是无价的收获。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的编排方式简直是教科书级别的，尤其是在处理不同地域时尚风格的对比上，做得非常高明。它没有简单地将“巴黎”、“米兰”、“纽约”并列，而是构建了一个动态的对话场域。比如，当它深入探讨八十年代权力套装（Power Suit）的崛起时，先是描绘了华尔街对结构化服装的偏爱，那种强调肩部和腰线的刚硬感，随后笔锋一转，马上对比了日本设计师如何用解构主义和不对称剪裁，对这种西式主流进行了一种温柔而坚定的反叛。我记得有一段专门讲面料革新的部分，从人造纤维的诞生如何解放了大众的衣橱，到后来环保面料的兴起如何重新定义了“奢华”，这种跨越时间和技术的叙事，让整个时尚史的演进看起来逻辑清晰，又充满了不可预测的戏剧性。阅读过程中，我经常会停下来，在脑海中构建一个虚拟的秀场，想象着那些服装在不同时代背景下被穿着的样子。它成功地将时尚从单纯的商品属性中剥离出来，赋予了它强大的文化载体功能，让每一个章节都像是一个微型的社会观察报告，深刻而引人入胜。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格，对我来说是一种非常愉快的阅读体验。作者的叙事节奏掌握得炉火纯青，时而如同激昂的交响乐，用密集的排比句和强烈的比喻来描绘某个颠覆性的设计时刻，比如某个标志性秀场的爆发力；时而又回归到一种沉静的、近乎散文的笔调，去探讨某个被忽略的小众风格或某种特定工艺的复兴。这种张弛有度的叙事，使得即便是相对专业的术语，也被巧妙地融入到流畅的语境中，丝毫不会让人感到晦涩难懂。我个人对“身份构建”这个主题特别感兴趣，而这本书恰好提供了一个绝佳的视角。它展示了服装如何从阶级符号演变为个人表达的工具，比如通过分析不同时期对“中性”着装的接受度变化，就能洞察到社会对性别规范的松动。这本书的文字拥有极强的代入感，它不是在“告诉”你时尚史，而是在“邀请”你亲自走过那段历史的长廊，去感受每一件衣服背后蕴含的文化重量。

评分☆☆☆☆☆

最让我惊喜的是，这本书在配图的选择上，简直是品味的极致体现。要知道，很多时尚类的书籍，要么是图文分离，要么就是用一些平庸的商业大片滥竽充数。但在这本书里，每一张图片的选择都像是经过了策展人的精心挑选，它们不仅仅是服装的展示，更像是一张张历史快照。我尤其欣赏它收录了大量幕后花絮和早期手稿的扫描件，那些铅笔勾勒出的草图，那种原始的、未被修饰的线条感，比最终的成品更能体现设计师的初衷和灵感爆发的瞬间。记得有一组对比图，将同一件外套在不同年代的演绎放在一起，从面料的光泽度到模特的肢体语言，每一个细节都在无声地诉说着时代的变迁。这种视觉上的冲击力和信息量是巨大的，它极大地弥补了纯文字描述可能带来的抽象感。对于我这种视觉驱动型的学习者来说，这本书简直是视觉盛宴，它让我深刻体会到，时尚的“美”是如何通过精准的视觉传达来完成最终的社会意义建构的。