Edward Weston [精裝] pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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Nancy Newhall，Anse 著

圖書標籤:

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齣版社： Aperture

ISBN：9781597113106

商品編碼：19545891

包裝：精裝

齣版時間：2015-05-26

頁數：112

商品尺寸：10 x 8.7 x 0.8 inches

內容簡介

This classic monograph, first issued as a hardcover in 1965, began its life in 1958 as a monographic issue of Aperture magazine published in celebration of Weston's life. Drawing on a decades-long collaboration between the photographer and Nancy Newhall, Aperture cofounder and early MoMA curator, this volume brings together a sequence of images and excerpts from Weston's writing in an effort to channel the photographer's creativity and, in his own words, "present clearly my feeling for life with photographic beauty ... without subterfuge or evasion in spirit or technique." Now, 50 years later, Aperture presents a reissue of this volume, which covers the range of Weston's greatest works, from the portraits and nudes to the landscapes and still-lifes. Accompanying and amplifying the images are Weston's own thoughts, excerpted from his now-famed daybooks and letters. Others who contributed to the making of the book include two of the artist's sons, Brett and Cole, and two other Aperture cofounders, filmmaker and author Dody Warren Weston and Ansel Adams, whose preface offers a posthumous tribute to the oeuvre of a remarkable artist. A brief bibliography as well as a chronology offer further insight into the life and work of this giant of twentieth-century photography. Edward Weston (1886-1958) began to earn an international reputation for his portrait work around 1911, but it was not until 1922 that he came fully into his own as an artist, with his photographs of the Armco Steel mill in Ohio. From 1923 to 1926 he worked in Mexico and California, where he lived with his sons, turning increasingly to subjects such as nudes, clouds and close-ups of rocks, trees, vegetables and shells. On a Guggenheim Fellowship from 1937 to 1939, he photographed throughout the American West. In 1948 Weston made his last photograph; he had been stricken with Parkinson's disease several years earlier.

內頁插圖

前言/序言

攝影藝術的永恒凝視：一部關於光影、形式與存在的深度探索 （注：以下內容為一部虛構的、與“Edward Weston [精裝]”一書內容無關的攝影藝術專著的詳細簡介。） --- 書名：光影的幾何：超越瞬間的攝影本體論 作者：阿德裏安·凡·德·維爾德 (Adriaan van der Velde) 齣版社：寰宇視覺文獻局 (Cosmic Vision Press) 裝幀：布麵精裝，附帶對開藝術微噴插頁 導言：在可見與不可見之間建立的結構 《光影的幾何：超越瞬間的攝影本體論》並非一本關於技術手冊或名人軼事的閤集，而是一次對“攝影為何存在”這一根本問題的哲學性追問。本書深入探討瞭攝影媒介在記錄現實、構建意義以及揭示存在結構方麵的潛能與局限。維爾德以其深厚的哲學思辨功底和敏銳的視覺分析能力，構建瞭一個宏大的理論框架，旨在將攝影從單純的圖像再現，提升至本體論（Ontology）的層麵進行審視。 全書的核心論點在於：一張成功的照片，是時間性（Temporality）被空間化、物質性（Materiality）被抽象化的過程。 它不是對“被攝物”的簡單復刻，而是攝影者在“光綫-介質-觀察者”三元關係中，對世界秩序進行一次臨時性重構的記錄。 第一部：光綫的形而上學 本部分著重探討“光”作為攝影媒介的根本驅動力，將其置於更廣闊的哲學語境中考察。 第一章：黑白與時間的熵 維爾德認為，黑白攝影的本質是一種對“色彩乾擾”的排除，從而使觀眾的注意力迴歸到光綫的純粹結構——明度與灰階上。這並非一種風格選擇，而是一種本體論立場：通過剝離錶麵現象（色彩），攝影師得以瞥見事物背後隱藏的、更具持久性的形式法則。本章詳述瞭如何通過精確控製曝光和顯影過程，將時間流逝帶來的“熵增”暫時凍結在銀鹽晶體上，創造齣一種反抗無常的“靜止的永恒”。 第二章：聚焦的權力與邊緣的哲學 本章聚焦於鏡頭對現實的“選擇性接納”。聚焦（Focus）被視為一種哲學上的“斷言”——攝影師通過清晰界定主體，同時模糊背景，行使瞭一種建構真實邊界的權力。維爾德引用現象學觀點，探討被清晰界定之物如何從“世界之中”躍升為“麵對麵之物”，以及景深（Depth of Field）如何作為一種心理深度或敘事焦點的隱喻。 第三章：光的比喻：揭示與遮蔽 探討光綫不僅是照明工具，更是一種比喻符號。一束穿過狹窄窗戶的光綫，與其說是照亮瞭房間，不如說是揭示瞭房間內部的“缺失”和“渴望”。本章細緻分析瞭倫勃朗式的明暗對比（Chiaroscuro）在攝影中的應用，揭示瞭高對比度如何象徵著知識的獲取與遺忘、存在與虛無之間的永恒張力。 第二部：介質的物質性與空間重構 第二部分將焦點轉嚮瞭攝影的物質載體——從膠片到打印介質——以及這種物質性如何影響最終圖像的意義。 第四章：平麵上的三維幻覺：透視的陷阱 攝影本是二維平麵藝術，但其魅力在於模擬三維空間。維爾德批判瞭過度依賴綫性透視的“寫實主義陷阱”，主張優秀的攝影作品必須主動“打破”這種幻覺，讓觀看者意識到他們正在觀看的是一張被壓平的錶麵。本章詳細分析瞭如“大畫幅的平麵化傾嚮”和“極端特寫對空間尺度的顛覆”等技法，如何將空間體驗轉化為純粹的視覺形式遊戲。 第五章：紋理的語言：銀鹽的觸覺記憶 本章極度關注“紋理”（Texture）——照片顆粒、紙張縴維、墨水擴散的物理痕跡。維爾德提齣，這些不可避免的物理瑕疵（如噪點、劃痕）並非“錯誤”，而是媒介自身的“記憶”。它們提醒著觀眾圖像的物質來源，並將觀看體驗從純粹的視覺感知，導嚮一種近乎觸覺的“感受”。 第六章：構圖的結構主義：形式的內在邏輯 構圖不再被視為美學規則的簡單堆砌，而是圖像內部權力關係的體現。維爾德運用結構主義分析方法，解構瞭黃金比例、對角綫、對稱性等構圖元素，將其視為人類心智試圖在混亂世界中尋找秩序的先驗傾嚮。每一條綫、每一個色塊的放置，都被視為在畫框內進行的一次“形式平衡博弈”。 第三部：觀看者的在場：攝影的接收與詮釋 本書的最後部分轉嚮瞭接收端，探討照片如何進入觀看者的經驗世界，並産生持久的影響。 第七章：凝視的迴聲：攝影與觀察者的耦閤 討論相片作為一種“延長的凝視”如何作用於觀眾。一張照片的完成，必須在被觀看的那一刻纔真正“啓動”。維爾德探討瞭“目光停留時間”（Gaze Duration）對圖像意義轉變的關鍵作用，並引入瞭“反嚮觀察”（Retro-observation）的概念：即觀眾的解讀如何反過來定義瞭攝影師最初的意圖。 第八章：序列與敘事的斷裂 單張照片的意義是有限的，而序列（Sequence）則構建瞭敘事。然而，維爾德強調，攝影序列的敘事力量並非來自綫性的因果關係，而是來自相鄰圖像之間未被言明的“張力間隙”。正是這些被省略的、不連貫的瞬間，迫使觀看者主動填補意義，從而加強瞭他們對作品的內在參與感。 第九章：照片的公共性與私密性的張力 最終章探討瞭印刷品如何從暗房的私密操作，走嚮公共展示。一本精裝書本身就是一種媒介的轉化——它將原本需要特定光綫、特定距離觀看的藝術品，固化為可攜帶、可反復翻閱的對象。這種“便攜性”如何削弱瞭作品的儀式感，但同時也賦予瞭它更深遠的、日常性的滲透力，探討瞭圖像在數字時代去物質化背景下的獨特價值。 --- 讀者對象： 嚴肅的攝影學習者、藝術哲學研究者、對視覺文化與本體論感興趣的跨學科讀者。 本書特點： 論證嚴密，引用瞭大量西方哲學史上的關鍵概念（如海德格爾的“在場論”、梅洛-龐蒂的“身體經驗”），語言學術化但富有詩意，旨在提供一套全新的、審視一切攝影作品的理論工具。本書不提供簡單的“如何拍齣好照片”的答案，而是提供“什麼是照片本身”的深刻洞察。

評分☆☆☆☆☆

這次的體驗簡直就像是進行瞭一次跨越時空的攝影課程。我不是一個專業的攝影師，但這本書裏對光綫和形態的處理方式，給我帶來瞭巨大的啓發。每一張作品的構圖都達到瞭教科書級彆的精準，但又絲毫沒有死闆的感覺，反而充滿瞭生命力。特彆是那些特寫鏡頭，我能清晰地感受到攝影師是如何運用極端的景深控製來突齣主體，同時又巧妙地利用背景的模糊來引導觀眾的視綫。書中的一些作品，比如那些極簡主義的靜物，簡直就是對“少即是多”的完美詮釋。它並非僅僅記錄瞭對象，而是在解構對象，將現實簡化為最基礎的幾何元素。對於任何熱愛視覺藝術，或者正在學習攝影構圖的人來說，這本書與其說是一個欣賞的工具，不如說是一個無聲的、卻無比高明的導師。

評分☆☆☆☆☆

我通常對精裝畫冊的收藏價值會持謹慎態度，因為很多時候，它們隻是徒有其錶，內容平庸。然而，這本書的價值顯然是內容和形式的完美統一。我對它愛不釋手的一個主要原因，在於它呈現的“現代性”視角。這種對日常物體的近乎於科學的審視，那種冷靜、客觀卻又充滿敬畏的鏡頭語言，無疑是那個時代攝影探索精神的最佳注腳。翻閱時，我不斷地在思考，如果用今天的數碼相機去重現這種質感，是否還能捕捉到那種膠片時代特有的、那種時間沉澱下來的韻味？這本書提供瞭一個絕佳的參照係，讓我能迴溯到攝影藝術追求純粹形式美的那個黃金時期。它不僅僅是記錄，更是在挑戰觀看的極限，逼迫我們重新審視我們所習以為常的一切。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我一開始有點擔心這種經典攝影大師的作品集會不會過於嚴肅或者晦澀難懂。畢竟，藝術欣賞這東西，有時候挺考驗人是否“懂行”的。但這本書的編排方式卻齣乎意料地平易近人，它沒有采用那種密密麻麻的學術性文字去過度解讀，而是將視覺體驗放在瞭首位。每一張照片，無論是對植物形態的精確捕捉，還是對日常物品的幾何化重構，都以一種近乎冥想的姿態呈現齣來。我發現自己不需要任何背景知識，就能被那些純粹的光影、綫條和紋理所吸引。它教會瞭我如何“慢下來”看世界，如何從一個簡單的果實、一片葉子或者一塊石頭中，發現蘊含的數學般精確的美感。這本書的閱讀過程，與其說是看照片，不如說是一種視覺的洗滌和重塑，它讓我的日常觀察習慣都潛移默化地發生瞭一些積極的改變。

評分☆☆☆☆☆

這本畫冊剛到手的時候，我著實被它的分量和封麵材質驚艷到瞭。那種厚重的精裝手感，一看就知道是經過精心製作的，拿在手裏沉甸甸的，完全不是那種可以隨便翻閱的平裝書能比擬的。我本來對這位攝影大師的作品有所耳聞，但真正翻開扉頁，那種強烈的視覺衝擊力還是讓我屏住瞭呼吸。內頁的紙張質感非常齣色，照片的色彩還原度和細節層次感處理得極佳，即便是對印刷品要求很高的我，也覺得這次的裝幀和印刷工藝達到瞭一個非常高的水準。從排版上看，每一幅作品似乎都得到瞭足夠的“呼吸”空間，攝影師的構圖之美被最大限度地凸顯齣來，而不是擁擠地塞滿頁麵。我特彆欣賞他們是如何處理黑白影調的處理，那種深邃的暗部和純淨的留白，即便是隔著紙張，似乎也能感受到膠片時代特有的那種顆粒感和光綫的力量。這本書更像是一件藝術品，而不是單純的畫冊，它值得被鄭重地收藏和細細品味。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計，特彆是內頁的排版布局，簡直是大師級的示範。很多攝影集為瞭省成本或者追求新穎，會把圖片擠在一起，或者用廉價的模切工藝破壞整體感。但這一版，無論是開本的尺寸拿捏，還是每一張照片與留白之間的比例關係，都體現齣極高的專業素養。我注意到，有些照片被放大到整整兩頁，細節縴毫畢現，仿佛能觸摸到光影的肌理；而另一些則被謹慎地放置在單頁的一角，配閤大量的留白，營造齣一種呼吸感和儀式感。這種張弛有度的節奏感，讓整個閱讀過程充滿瞭韻律，而不是枯燥的圖片羅列。它讓讀者在欣賞作品的同時，也在無意識地學習如何設計一本優秀的視覺書籍。這本書，絕對是值得任何重視視覺藝術和收藏價值的讀者擁有的珍品。