听觉训练进阶教程(4-5级)/英皇考级辅导丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周... 编

图书标签:

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 西南师大

ISBN：9787562192831

商品编码：29714692581

开本：8

出版时间：2018-05-01

基本信息

• 商品名称：听觉训练进阶教程(4-5级)/英皇考级辅导丛书
• 作者：(英)保罗·哈里斯//约翰·莱内翰|译者:周诗蕾
• 定价：39
• 出版社：西南师大
• ISBN号：9787562192831

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-05-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：32
• 字数：72千字

内容提要

“不好了！听觉测试要开始了！” 一旦强调听觉，特别是遇到听觉测试，许多年轻 的钢琴演奏者和乐器演奏者就会恐惧万分。然而，听 觉训练却是一个不可或缺的、需要持续提高的音乐技 能。因为，拥有一副训练有素的耳朵，比起其他任何 音乐技能会*好地促使你成为一个音乐家。
     保罗·哈里斯、约翰·莱内翰著的《听觉训练进 阶教程(4-5级)/英皇考级辅导丛书》旨在帮助你消除 对听觉的恐惧。这套内含音频二维码的考试手册，通 过有趣的听觉训练、填空练习，对英皇考级听觉考试 (1—8级)内容进行了着重训练。由于音乐技能的各个 方面都相互关联，所以对歌唱、拍手(节奏训练)、演 奏乐器、记写音乐、即兴创作、作曲等能力都会有极 大的提升，并让你在英皇考级听觉考试中取得高分！

目录

第4级
听觉技巧为什么很重要？
**单元 拍打节奏
第二单元 音高
第三单元 视唱
第四单元 学习聆听音乐
第五单元 建立联系
第5级
听觉技巧为什么很重要？
**单元 拍打节奏
第二单元 音高
第三单元 视唱
第四单元 学习聆听音乐
第五单元 建立联系

好的，这是一份针对您提供的书名信息，但内容完全独立于该书的详细图书简介，字数在1500字左右。 --- 图书名称： 《弦语心声：小提琴演奏技巧与音乐诠释的深度探索》 作者： 傅海澜 出版社： 弘毅文化 图书分类： 音乐、乐器演奏（小提琴）、高等音乐教育 页数/定价： 480页 / 98.00元 ISBN： 978-7-80789-XXXX-X --- 内容简介 《弦语心声：小提琴演奏技巧与音乐诠释的深度探索》 是一部专为中高级小提琴学习者、音乐专业学生以及资深演奏者设计的综合性理论与实践指导手册。本书旨在超越基础技巧的机械操练，深入探讨小提琴演奏的艺术性、技术精进的科学方法，以及如何将音乐理解转化为富有感染力的听觉体验。全书结构严谨，内容翔实，汇集了近现代东西方小提琴学派的精髓，致力于为读者构建一个从“学会拉琴”到“懂得音乐”的完整进阶路径。 本书的创作背景与核心理念 在日益追求标准化和快速入门的音乐教育环境中，许多学习者往往在基础打牢后，便陷入技术瓶颈或表现力的枯竭。《弦语心声》正是在此背景下应运而生。作者傅海澜教授，凭借数十年的教学与舞台经验，深知技术训练与音乐感悟之间微妙的平衡。本书的出发点并非仅仅教授“如何拉好一个音阶”，而是着重于“如何用你的声音去讲述故事”。我们相信，真正的演奏艺术，是技巧服务于表达，是身体与心灵的和谐统一。 本书摒弃了传统教程中过于刻板的章节划分，而是以“技术链条的深度解析”和“音乐风格的广阔视野”两条主线并行展开，力求为读者提供既有学术深度又具实用操作性的指导。 核心章节深度解析 第一部分：发声的物理学与美学重构 (The Physics and Aesthetics of Tone Production) 本部分是全书的技术基石，但其探讨的深度远超一般教程。 1. 弓法的科学：从接触点到声音的线性控制：我们详细解析了弓杆、弓毛与琴弦之间的接触点（Contact Point）如何决定音色、力度和颗粒感。探讨了不同弓段（靠近琴码、指板、琴码与指板之间）在不同速度和压力下的声学响应，并配以实测图表和高清分解图，帮助学习者理解“力”的传导过程，而非仅仅依靠感觉。 2. 左手精微动作的动态优化：重点分析了指位移动中的“微调”艺术。讨论了颤指（Vibrato）的种类（如手腕式、手臂式、混合式）在不同作曲家作品中的适用性，并引入了神经肌肉控制理论，指导读者如何实现更具张力和稳定性的颤音，避免僵硬或松散。同时，对手指抬起高度、按弦力度与音准精确度的关系进行了深入探讨。 3. 换把技术的平滑过渡：换把被视为小提琴演奏的试金石。本章特别关注换把过程中滑音（Portamento）的运用尺度，以及如何实现无痕、连贯的指位转换。提出了“预位移感知法”，强调通过听觉而非视觉来预判下一个音符的精确位置。 第二部分：体态、放松与能量管理 (Posture, Relaxation, and Energy Management) 演奏的持久性与表现力的深度，直接取决于演奏者身体的运用效率。 1. 非对称身体的协调统一：不同于强调僵硬固定的传统姿态，本章倡导建立“动态平衡”。我们从生物力学角度分析了持琴臂、持弓臂与身体核心之间的能量流动。指导读者识别并消除“隐形紧张点”（如肩胛骨、颈部后侧），确保呼吸的顺畅与身体重心的自然转移。 2. 演奏中的呼吸与节奏感：将音乐中的“呼吸”概念引入到演奏者的生理活动中。探讨了如何通过对身体内部节奏的感知，来驱动弓子的运动，使乐句的起伏如同人声的吟唱般自然有力。 3. 疲劳的预防与恢复：提供了针对小提琴演奏者的肌群拉伸与放松方案，并教授了如何在长时间练习中运用“微休息”策略，以维持神经系统的兴奋度，避免慢性劳损。 第三部分：风格解析与音乐诠释的路径 (Stylistic Analysis and the Path to Interpretation) 此部分是本书的灵魂，引导读者从“演奏者”蜕变为“音乐的代言人”。 1. 巴洛克至浪漫主义的风格棱镜：系统梳理了不同音乐历史时期对小提琴演奏技法的具体要求。例如，探讨了巴洛克时期对“装饰音”的即兴处理原则、对“音色均匀性”的独特追求，与浪漫主义时期对“抒情性”和“音量对比”的极端化要求之间的区别。 2. 诠释的自由与边界：着重讨论了在恪守原作精神（Urtext）的前提下，如何融入个人理解。重点分析了连弓（Legato）在不同语境下的含义——在巴赫作品中，它可能意味着清晰的音群划分；而在勃拉姆斯作品中，则可能演变为厚重的、歌唱性的线条。 3. “情感词汇”的构建：教导读者建立一套属于自己的“音乐情感词汇库”。通过聆听伟大的录音、阅读作曲家信件以及对文本的深入理解，将抽象的情感转化为具体的演奏指令，如“增加张力持续时间”、“减慢力度衰减速度”等。 本书的独特价值 《弦语心声》不仅仅是一本技巧书，更是一部“小提琴哲学”的实践指南。书中大量引用了对演奏家心路历程的深度访谈资料，结合详尽的图表、乐理分析和实操建议，力求弥合理论学习与舞台实践之间的鸿沟。对于那些渴望突破技术瓶颈、寻求更深层次音乐表达的演奏者而言，本书将成为一本案头常备、常读常新的宝贵资源。它引导我们回归音乐的本质——交流与共鸣，使每一次演奏都成为一次真诚的“弦语心声”的倾诉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其严谨又不失温度，这在技术性很强的教程中是很难得的。作者在描述复杂的听觉现象时，没有使用晦涩难懂的术语堆砌，而是力求用最精确的词汇去描摹那些转瞬即逝的听觉感受。当你遇到一个特别难啃的概念时，翻到书后的术语表，你会发现解释既简明扼要又包含了必要的历史或理论背景，显示出作者深厚的学术功底。我个人非常欣赏它在解释“色彩听觉”或“空间感”这些比较主观的训练目标时所采用的措辞，它成功地搭建了一座连接主观感受与客观分析的桥梁。例如，在讲解如何区分不同乐器在同一音区演奏时所产生的“音质”差异时，作者并没有泛泛而谈，而是引用了具体的演奏技法来佐证其听觉效果，让我的耳朵知道应该去寻找哪些物理上的声学特征。这种将理论与实践、主观与客观紧密结合的写作方式，让阅读过程充满了求知的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

作为一本“考级辅导丛书”的后续阶段教程，这本书的体系性无疑是最大的亮点之一。它似乎不仅仅是一本独立的练习册，而更像是整个英皇考级听力系统中的一个关键环节，无缝衔接了前序的基础训练，并为更高阶的挑战做足了准备。它在每个大模块的末尾都设置了模拟测试，这些测试的题型和难度分布，完全贴合了高等级考级的要求，甚至是预留了一些比实际考试难度略高的“拓展题”。这让我对自己的学习进度和考试准备状态有了非常清晰的量化评估。我发现，通过这本书的系统训练，我对于音乐的‘预判’能力有了显著提高，不再是听到什么就记录什么，而是能根据前几个音符的走向，提前在脑海中构建出可能的后继乐句结构。这种前瞻性的听觉构建能力，是任何死记硬背都无法达到的，这本书真正做到了传授“如何思考”音乐，而不仅仅是“如何识别”音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都远超出了我预期的“进阶”水平。我原以为它会停留在中级水平的一些重复强化上，但实际上，它引入了许多我从未在其他教材中见过的复杂听觉场景模拟。特别是关于和声听辨的部分，它并没有简单地要求识别三和弦或七和弦，而是直接进入到功能和声的转位和更复杂的变体，这对我这种已经有一定基础的学习者来说，无疑是一次极好的挑战。我特别喜欢其中关于“旋律记忆与再现”的章节，它提供的练习方法非常系统化，从单声部开始，逐步过渡到包含对位和复调织体的复杂旋律线条的捕捉。很多练习的难度曲线设计得非常合理，它不会让你一下子跌入挫败感中，而是通过一系列渐进式的难度提升，让你在不经意间就突破了原有的听觉瓶颈。阅读这本书时，我经常需要停下来，拿起乐器对照演奏，才能完全理解作者想要达到的那种精微之处，这表明这本书的理论深度是扎实的，它真的在推动学习者从‘能听出来’迈向‘能分析和理解’的更高层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源设计堪称业界典范，这绝对是提升学习体验的关键因素。我指的是那些在线提供的音频材料，它们的录音质量简直是无可挑剔的专业级别。无论是钢琴的演奏，还是特定乐器的音色模拟，都达到了录音棚级别的清晰度，每一个细节，从踏板的运用到指尖的力度变化，都能被准确捕捉。更重要的是，这些音频文件并非简单地提供“正确答案”，而是设计了不同速度、不同声部突出程度的变体版本，这一点极其重要。比如，在训练辨别低音部旋律时，配套的音频会特意将低音声部做了微弱的提升，让你必须集中全部注意力去捕捉那个隐藏在复杂织体中的线条。这种细致入微的考量，体现了编著者对实际学习痛点的深刻理解。我很少见到有教材能把听觉训练和实际的演奏听力紧密结合得如此完美，它使得枯燥的听音练习真正转化成了对真实音乐的敏锐捕捉能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计充满了活力，色彩的搭配非常吸引眼球，尤其是封面上那几个富有动感的音符图案，让人立刻就能感受到音乐的律动。初次翻阅时，我最欣赏的是它的排版布局，整体感觉非常清爽，不像有些教程那样密密麻麻让人望而生畏。目录清晰明了，各个章节的划分逻辑性很强，这对于自学者来说简直是福音。它不像那种一本正经的学术著作，而是更像一个耐心的、循循善诱的音乐伙伴。我发现它在介绍基础概念时，总是会配上一些非常直观的例子，即便我对乐理知识了解不多，也能很快理解其核心思想。比如，讲解到关于音程的辨识部分，它居然用到了‘口感’来形容不同音程带来的听觉差异，这种类比真是太巧妙了，一下子让抽象的理论变得生动起来，我感觉自己不是在‘学习’，而是在‘品尝’音乐的细微差别。作者显然花费了大量心思去研究如何让枯燥的训练变得有趣，这一点在初期的练习册设计中体现得淋漓尽致，很多小练习的设置都充满了趣味性，让人愿意主动去探索和尝试，而不是被动地完成任务。