音乐欣赏十五讲肖复兴北京大学出版社正版教材课本普及读物9787301211977 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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肖复兴 著

图书标签:

• 音乐欣赏
• 音乐史
• 肖复兴
• 北京大学出版社
• 教材
• 普及读物
• 高等教育
• 艺术类
• 音乐理论
• 9787301211977

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301211977

商品编码：29859839199

页数：269

图书基本信息
书名：	音乐欣赏十五讲
丛书名：	名家通识讲座书系
出版社：	北京大学出版社
ISBN号：	9787301211977
出版年份：	2012年9月1日

版次：	第2版
总页数：	269页
开本：	1/16
图书定价：	38元
实际重量：	381g
新旧程度：	正版全新

编辑《名家通识讲座书系:音乐欣赏15讲(第2版)》编辑：西方古典音乐魅力褪色，了解经典音乐的 读本！《名家通识讲座书系:音乐欣赏15讲(第2版)》系由不同的作者撰写，这些作者有不同的治学风格，但又都有共同的追求，既注意知识的相对稳定性，重点突出，通俗易懂，又能适当接触学科前沿，引发跨学科的思考和学习的兴趣。《名家通识讲座书系:音乐欣赏15讲(第2版)》系大都采用学术讲座的风格，有意保留讲课的口气和生动的文风，有“讲”的现场感，比较亲切、有趣。肖复兴编著的《名家通识讲座书系:音乐欣赏15讲(第2版)》是《名家通识讲座书系》之一。 作者简介肖复兴，1982年毕业于戏剧学院。曾到北大荒插队六年，当过大、中、小学的教师十年。曾任《小说选刊》副总编、《人民文学》杂志社副主编、北京市写作学会会长。已出版长篇小说、中短篇小说集、报告文学集、散文随笔集和理论集百余部。近著有《肖复兴散文100篇》、《肖复兴新散文画作》两卷、《肖复兴音乐文集》三卷、《中国文学百家?肖复兴卷》等。曾获得全国以及北京、上海文学奖、冰心散文奖、老舍散文奖多种。

目录《名家通识讲座书系》总序 绪论 讲 帕勒斯特里那和蒙特威尔第——16世纪和17世纪的音乐 第二讲 巴赫和亨德尔——巴洛克时期的音乐 第三讲 奠扎特和贝多芬——古典时期的音乐 第四讲 韦伯和舒伯特——浪漫乐派的奠基者 第五讲 柏辽兹和李斯特——巴黎乐坛上的激进派 第六讲 门德尔松和肖邦——浪漫派中的两个柔弱的 第七讲 舒曼和勃拉姆斯——一条河的上游和下游 第八讲 罗西尼和比才——19世纪两位不对称的天才 第九讲 瓦格纳和威尔第——19世纪歌剧艺术的两座不可逾越的高峰 第十讲 布鲁克纳和马勒——后浪漫主义音乐 第十一讲 德彪西和拉威尔——浪漫派音乐的异军突起 第十二讲 柴可夫斯基和强力集团——关于俄罗斯民族音乐 第十三讲 斯美塔那和德沃夏克——捷克民族音乐的兴起 第十四讲 格里格和西贝柳斯——斯堪的那维亚的双子星座 第十五讲 理查?施特劳斯和勋伯格——世纪之交的新音乐 新版后记

《音乐欣赏15讲(第2版)》以音乐家串连起音乐史，史的背景中有了立体感而显影凸立，史在人物的衬托下有了生动的细节与血脉的流淌：从文艺复兴时期、巴洛克时期、浪漫主义时期……一直讲到了现代音乐的诞生。本次对全书进行了修订，吸收了新成果，丰富了欣赏实践，并纠正了个别谬误，更适于广大读者悦读。

音乐的万花筒：一部跨越时空的听觉盛宴 —— 一部探索音乐本质、风格流变与文化意蕴的权威导览 本书主题 本书旨在为音乐爱好者、初学者乃至专业人士提供一个全面、深入且引人入胜的音乐世界导览。我们不局限于单一的教学体系或特定的历史阶段，而是力图构建一个广阔的音乐图景，涵盖从古代文明的声响遗迹到当代电子音乐的实验前沿，探究音乐作为人类情感载体和文化现象的核心奥秘。 第一部分：音乐的基石——声音的语法与结构 在音乐的宏大叙事开始之前，我们必须首先理解其构建的“砖瓦”——声音本身。本章将深入剖析音乐的物理学基础，探讨频率、振幅、音色如何被人类感知和组织。我们详细讨论音高系统的演变，从五声音阶的古朴到十二平均律的精细划分，分析不同文化背景下音律体系的差异及其对音乐风格的制约。 随后，我们将进入节奏与节拍的领域。节奏不仅是时间的组织，更是驱动音乐生命力的脉搏。本部分将解析复节奏、多节奏的复杂交织，追溯从原始部落的鼓点到巴洛克赋格中严谨的节拍结构。我们还将探讨旋律的构建逻辑，分析动机的展开、主题的发展以及乐句的呼吸感，阐明旋律线如何承载叙事性和情感张力。 和声学作为西方音乐体系的骨架，在本章占据重要篇幅。我们将循序渐进地梳理和声的演变历程：从古老的奥尔加农和经文歌的平行五度、四度，到文艺复兴时期对三和弦的完善，再到浪漫主义时期半音和弦与调性模糊的探索。本书将用清晰的图例和听觉示例，解释和弦的连接规则、功能和色彩变化，使读者能够理解和声如何创造冲突、解决矛盾，并最终塑造听觉上的“色彩感”。 第二部分：风格的洪流——历史长河中的音乐演变 音乐史并非一条平坦的道路，而是一系列风格、思想和技术的激烈碰撞与融合。本部分将以欧洲古典音乐史为主线，辅以对世界其他主要音乐传统的对比观察，勾勒出音乐风格的宏伟画卷。 我们将从中世纪的宗教音乐（如格里高利圣咏）的神秘与庄严开始，进入文艺复兴时期复调音乐的清晰与人文主义色彩。巴洛克时期是音乐“激情与装饰”的时代，重点分析巴赫的对位艺术、亨德尔的清唱剧，以及协奏曲体裁的成熟。 随后的古典主义时期，我们聚焦于海顿、莫扎特、贝多芬如何确立了奏鸣曲式、交响曲和室内乐的典范，追求结构的平衡、清晰的逻辑和普世的人性表达。 浪漫主义的浪潮带来了主观情感的爆发。本章将详细考察肖邦、李斯特、瓦格纳等人如何通过更丰富的和声、更宏大的配器和更具文学性的标题，将音乐推向个人内心深处。同时，我们也会讨论民族乐派（如德沃夏克、穆索尔斯基）如何将民间音乐元素融入古典框架，构建地域性的音乐身份。 进入二十世纪以来，音乐的边界被彻底打破。我们将探讨印象主义（德彪西）对传统和声的“溶解”，表现主义（勋伯格）的无调性实验，以及序列主义、偶然音乐（约翰·凯奇）对“音乐”定义的颠覆性挑战。 第三部分：跨越疆界——民族音乐与当代声音景观 真正的音乐欣赏，必然要求走出欧洲的中心视角。本部分致力于拓宽读者的听觉视野，审视世界音乐（World Music）的丰富性与复杂性。 我们将深入研究印度古典音乐（拉格与塔拉体系）、中国传统音乐（如古琴的意境与戏曲的声腔艺术），以及非洲鼓乐的群体性与仪式功能。通过对这些非西方音乐体系的分析，读者将理解音乐是如何在不同的文化语境中，服务于宗教、社会互动和身份认同的。 紧接着，我们将转向近现代流行音乐的崛起与演变。爵士乐——这门诞生于美国、融合了非洲节奏与欧洲和声的独特艺术形式——将得到详细的考察，重点分析布鲁斯根源、摇摆乐的活力以及比波普的智性。 摇滚乐的爆炸性发展、电子音乐（从合成器实验到浩室、科技舞曲）的节奏革命，以及嘻哈文化如何将口语、采样和节奏编程提升为一种新的音乐表达形式，都将是本章的重点议题。我们探讨技术（录音技术、数字合成）如何成为塑造当代音乐风格的决定性力量。 第四部分：音乐的实践与诠释 音乐的生命力在于演奏与聆听。本章关注演奏实践的演变。我们将对比不同历史时期对同一部作品（例如一部奏鸣曲）的演绎差异，探讨演奏家如何在遵循“文本”的同时，注入个性化的“诠释”。 我们还将讨论配器法这门“声音的绘画技术”，分析管弦乐队的组成、不同乐器的音色特性，以及作曲家如何巧妙地运用色彩组合来烘托情绪或描绘场景。 最后，本书将引导读者掌握有效的聆听技巧。欣赏音乐不仅是感官的享受，更是一种智力活动。我们将提供分析框架，指导听众如何识别曲式结构、理解和声的功能、追踪主题的发展，从而将单纯的“听音”升华为对作曲家思想和情感世界的深刻“理解”。 本书特色 本书以严谨的学术态度为基础，同时兼顾普及读物的可读性与趣味性。它不是一部枯燥的教科书，而是一部充满探索欲的指南。我们致力于打破学科壁垒，将音乐理论、历史发展、文化背景和审美体验融为一体，帮助每一位读者建立起属于自己的、丰富而立体的音乐世界观。阅读本书，即是开启一场永不落幕的听觉冒险。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格如同涓涓细流，看似平缓，实则暗藏深邃的洞察力。作者似乎并不急于将高深的理论砸向读者，而是采取了一种非常温和且循序渐进的方式，将复杂的音乐概念层层剥开，引导我们自然而然地进入到那个宏大的音乐世界。他擅长运用生活化的比喻来阐释那些晦涩难懂的音乐术语，比如，将复调音乐比作一场精心编排的群像戏，每个人都有自己的角色和对白，但最终又和谐地融为一体。这种“润物细无声”的教学方法，极大地降低了普通读者的学习门槛，让人在不知不觉中就吸收了大量的知识，完全没有传统教材那种枯燥乏味的感觉。我尤其欣赏作者在处理历史脉络时的那种宏观视野，他总能将不同时期、不同地域的音乐风格串联起来，勾勒出一幅清晰而富有张力的音乐演变图谱，让人对音乐史的理解不再是零散的片段，而是一个有机的整体。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的地方在于它对“欣赏”二字的深刻诠释。它超越了单纯的技术分析，更像是一本关于如何“聆听”世界的哲学指南。作者反复强调，音乐欣赏不仅仅是识别曲式结构或者乐器配置，更重要的是学会调动自己的想象力和情感共鸣。书中有几处关于“沉默的力量”和“不完美中的美学”的探讨，至今仍在我脑海中萦绕。他引导我们去关注那些被主流评论忽略的细节，去感受旋律中蕴含的人文关怀和时代情绪。通过他的引导，我开始有意识地去捕捉音乐背后作曲家的生存状态和时代背景，这使得每一次聆听都变成了一次与历史和心灵的深度对话，而不是简单的背景噪音处理。这本书真正教会了我如何将耳朵变成心灵的接收器，极大地丰富了我的精神生活体验。

评分☆☆☆☆☆

在我以往的阅读经验中，很多音乐普及读物往往在理论深度上有所欠缺，或者过于偏向某一特定的音乐流派，导致视野受限。然而，这本书的广度与深度达到了一个令人称赞的平衡点。它不仅系统地梳理了西方古典音乐的主干，从巴洛克到浪漫主义，再到现代音乐的探索，都给予了足够的篇幅进行剖析，而且更难能可贵的是，作者还穿插介绍了许多非西方音乐的视角，虽然篇幅不长，但足以拓宽读者的听觉边界，激发我们去探索更广阔的音乐版图。对于每一个重要的作曲家或作品的分析，作者都做到了既有准确的技法解读，又有充满个人情感色彩的评价，这种“理与情”的完美结合，让作品的生命力得到了最大程度的展现。读完之后，你会发现自己看待任何一段音乐的眼神都变得更加锐利和包容了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，拿到手里就感觉物超所值。封面采用了经典的莫兰迪色系，低饱和度的色彩搭配上烫金的书名，散发出一种沉静而又不失格调的艺术气息。纸张的选择也相当考究，触感细腻，翻阅时几乎没有噪音，这对于需要长时间沉浸在阅读中的人来说简直是福音。内页的排版布局也体现了出版方的用心，字号大小适中，行距恰到好处，阅读起来毫无压迫感。尤其值得一提的是，作者在某些章节的配图选用上颇具匠心，那些黑白照片或艺术作品的插图，不仅仅是简单的装饰，更是与文字内容形成了绝妙的呼应，让抽象的理论变得具象可感。整体而言，这本书在物理层面上已经达到了精品的标准，每一次拿起它，都像是在进行一次温柔的仪式，让人对手中的知识充满了敬意。这种对书籍本体的尊重，也反向激励着读者去更认真地对待书中的内容，可以说是从外在美学引导了内在的求知欲。

评分☆☆☆☆☆

从一个初学者的角度来看，这本书的教育设计简直是教科书级别的典范。作者清晰地知道，对于一个“普及读物”的目标读者来说，最需要的是建立起一个稳固且清晰的知识框架。他通过设置明确的学习目标和阶段性的小结，确保读者不会在知识的海洋中迷失方向。而且，书中还穿插了一些非常实用的“听力练习建议”，指导读者如何具体地去实践书本上学到的理论知识，比如建议我们反复聆听某个特定乐章的某个小节，并对照文字去分辨对位法是如何运作的。这种理论与实践紧密结合的教学法，极大地增强了学习的主动性和有效性。我感觉自己像是拥有了一位耐心、博学又充满热情的私人音乐导师，随时随地都可以进行一次高质量的学习。对于那些想认真入门音乐欣赏领域，却又害怕复杂专业术语的人来说，这本书无疑是开启大门的最佳钥匙。