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Don Thompson & 著

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店铺： 澜瑞外文Lanree图书专营店

出版社： Palgrave MacMillan

ISBN：9780230620599

商品编码：1098812364

包装：平装

外文名称：The 12 Million Stuffed...

出版时间：2010-04-13

页数：268

正文语种：英语

图书基本信息

The $12 Million Stuffed Shark: The Curious Economics of Contemporary Art
作者： Don Thompson;
ISBN13： 9780230620599
类型： 平装(简装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 2010-04-13
出版社： Palgrave MacMillan
页数： 268
重量（克）： 312
尺寸： 23.368 x 16.6624 x 1.8796 cm

商品简介

Why would a smart New York investment banker pay $12 million for the decaying, stuffed carcass of a shark? By what alchemy does Jackson Pollock's drip painting "No. 5, 1948 "sell for $140 million?

Intriguing and entertaining, "The $12 Million Stuffed Shark" is a "Freakonomics" approach to the economics and psychology of the contemporary art world. Why were record prices achieved at auction for works by 131 contemporary artists in 2006 alone, with astonishing new heights reached in 2007? Don Thompson explores the money, lust, and self-aggrandizement of the art world in an attempt to determine what makes a particular work valuable while others are ignored.

This book is the first to look at the economics and the marketing strategies that enable the modern art market to generate such astronomical prices. Drawing on interviews with past and present executives of auction houses and art dealerships, artists, and the buyers who move the market, Thompson launches the reader on a journey of discovery through the peculiar world of modern art. Surprising, passionate, gossipy, revelatory, "The $12 Million Stuffed Shark" reveals a great deal that even experienced auction purchasers do not know.

沉寂的画布：探寻现代艺术中的失语与回响 本书是一部深入剖析当代艺术界现象、权力结构及其背后哲学思辨的非虚构力作。它聚焦于那些在光怪陆离的市场泡沫之外，默默记录时代变迁的艺术实践，探究在资本洪流和社交媒体喧嚣中，艺术的本质价值和独立声音是如何被重塑、被消解，乃至被重新定义的。 第一部分：凝视空无——艺术市场的疏离与表象 艺术，本应是人类精神活动最直接的投射，然而在二十一世纪的语境下，它越来越多地被还原为一种金融资产、一种身份标签，甚至是一种纯粹的视觉奇观。本书的第一部分，将目光投向了全球主要艺术中心——从苏富士的拍卖厅到巴塞尔的展会现场——去审视这种“物化”过程的深层机制。 我们首先着手分析的是“稀缺性”的神话构建。当代艺术品的价格标签，往往与其内在的艺术价值不成正比，而是与市场对创作者“叙事”的集体接受度紧密相关。书中详细考察了几个极端的案例，这些案例并非关于某件具体艺术品的天价成交，而是关于围绕这些作品所构建的文化资本的运作逻辑。我们揭示了画廊、评论家、收藏家三者之间微妙的权力三角关系，这种关系如何将某些艺术家推向神坛，而将同样具有创造力的同行遗忘在阴影之中。 接着，本书深入探讨了“观念性”的悖论。当艺术日益趋向于观念先行时，其表达的载体（媒介）的重要性似乎被削弱了。我们追问：在去除具象美感和精湛技艺之后，留下的“纯粹观念”是否真的能抵抗时间的侵蚀？作者走访了数位重量级的当代哲学家和艺术史学家，他们的访谈揭示了“后现代解构”思潮如何被市场成功地“商品化”——曾经挑战既有秩序的批判性艺术，如今却成为了最安全、最易于收藏的符号。 一个重要的章节专门审视了“展览空间”的异化。博物馆和美术馆，曾经是知识传播和审美教育的殿堂，如今越来越多地扮演起文化营销和高端娱乐的场所。我们通过对几个国际双年展的观察，剖析了策展人制度下的“主题绑架”现象，即艺术家的创作意图如何被宏大的、往往是政治正确的叙事所驯化，最终导向一种“表演性”的文化输出，而非深刻的内省。 第二部分：失语者的回响——边缘地带的抵抗与重建 如果说主流艺术界是光鲜亮丽的舞台，那么本书的第二部分，则将镜头转向了那些拒绝或被排除在主流话语之外的艺术实践。这一部分旨在发掘那些在“去中心化”的口号下，真正进行着艰难探索的艺术家群体。 我们首先关注的是“材料的复权”。面对数字媒体的泛滥和观念的过度强调，一些艺术家重新拾起了被现代主义抛弃的传统材料——泥土、植物、非工业废料——并赋予其新的生命力。这些实践不仅仅是对回归自然的怀旧，更是对过度依赖技术和资本的艺术生产链条的无声抗议。书中详细记录了一位欧洲陶艺家如何用上百年的时间，去尝试烧制出一种介于完美与残缺之间的釉色，这种对“时间性”的执着，构成了对当下即时满足文化的有力反驳。 随后，本书深入探讨了“地方性”与“全球化”的张力。在全球化使得艺术语言趋于同质化的今天，那些扎根于特定地理、文化和历史语境的艺术创作，显得尤为珍贵。我们考察了亚洲、拉丁美洲以及非洲某些区域的当代艺术群体，他们如何在回应本土社会剧变的同时，避免被西方主导的艺术理论框架所定义。这里的艺术，往往带有强烈的社会介入性和非商品化的倾向，它们更像是社区的记录仪和记忆的守护者。 一个核心的议题是“非正式空间”的价值。许多有价值的艺术实验并没有发生在官方画廊中，而是出现在废弃的工厂、非法的公共墙面，甚至是数字网络的匿名角落。本书记录了对一系列“地下”艺术运动的田野调查，分析了这些非正式空间如何为艺术提供了最大的自由度，但也付出了被遗忘或被压制的代价。这些实践揭示了艺术的生命力往往存在于系统的裂缝之中。 第三部分：时间之外的诘问——艺术的未来与伦理责任 全书的第三部分着眼于未来，对艺术在科技巨变和环境危机下的伦理责任进行了深刻的拷问。 我们探讨了人工智能（AI）生成艺术的崛起对“作者身份”的颠覆。AI是否能成为一个“创作者”？如果能，那么人类艺术家的独特价值又在何处？本书并非简单地排斥新技术，而是通过与人机交互艺术的先驱们的对话，试图在“工具理性”和“主体创造力”之间寻找新的平衡点。我们认为，真正的艺术价值，将越来越体现在对AI工具的提问、选择和干预过程之中。 接着，本书对“艺术的寿命”进行了哲学层面的反思。当代市场追求即时轰动，而真正的艺术价值往往需要数代人的沉淀才能被充分理解。我们对比了十八世纪被遗忘的肖像画家与今天昙花一现的网红艺术家，探讨了“永恒性”在信息爆炸时代是否已成为一个伪命题。作者引用了多位时间理论家和现象学家的观点，认为艺术的意义在于它如何改变我们对“此刻”的感知，而非其能否流传千年。 最后，本书以对艺术赞助体系的批判性审视为结。无论是政府资助、企业赞助还是私人基金会，艺术的生存都越来越依赖于外部的经济动力。这种依赖性如何影响了艺术的内容和取向？作者呼吁建立一种更具韧性和多样性的艺术生态系统，一个能够真正支持那些不迎合市场、不追逐热点的“艰难艺术”的系统。 总结而言，本书旨在提供一个清晰的、去魅化的视角，审视当代艺术世界中光环背后的复杂运作。它不提供简单的答案，而是邀请读者带着批判性的眼光，重新审视我们被告知“应该”欣赏什么，并思考艺术的真正力量——那份超越标价、超越喧嚣的、对人类经验深层次的诚实表达。

评分☆☆☆☆☆

这本关于现代艺术界那些光怪陆离的事件的书，简直是一部精彩绝伦的社会观察录。它没有直接去剖析那些天价艺术品的创作过程，反而聚焦于围绕这些作品所构建起来的整个生态系统——收藏家们的心理博弈、画廊老板们的精明算计，以及那些偶尔会冒出来的、挑战传统审美的“破坏性”艺术行为。作者以一种近乎猎奇却又带着深厚洞察力的笔触，带我们潜入了那个光鲜亮丽外表下充满着焦虑与投机色彩的上流社会。我特别喜欢它对“价值”的探讨，那种模糊不清、随时可能因为市场风向而骤变的价值体系，让人忍不住思考，我们究竟在为“艺术”买单，还是为“叙事”买单？书中那些关于艺术品拍卖现场的描写，紧张得如同观看一场高智商的牌局，每一个加价的背后都隐藏着复杂的动机。读完后，我对当代艺术的理解不再仅仅停留在视觉层面，而是被提升到了一个社会学和经济学的交叉点上，那份震撼和反思是相当持久的。

评分☆☆☆☆☆

我被这本书中那种对“符号价值”的解构能力深深折服。它没有过多纠缠于艺术技巧的优劣，而是专注于研究一件物品如何通过一系列的文化操作和市场定价，从普通物件一跃成为价值连城的“图腾”。作者的分析逻辑极其清晰，像是一位冷静的社会工程师在解剖一个复杂的系统。书中关于“策展人”角色的权力分析尤其深刻，他们如何通过空间叙事和语境设定，为作品注入甚至重塑了其意义，这一点让我印象深刻。这本书读起来有一种“拨开迷雾见真相”的快感，它让我意识到，艺术品的价格标签后面，堆积了多少复杂的文化资本、人际网络和金融杠杆。它是一部关于现代社会如何“创造意义”的教科书。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书读起来的体验非常独特，它不是那种教科书式的讲解，而更像是跟随一位资深“狗仔队”深入艺术圈内部的视角。那些关于艺术品背后的小道消息、那些光鲜艺术家私下的挣扎与算计，被作者用一种近乎八卦的语气娓娓道来，但每一个细节的描摹都无比精准。我最欣赏的是作者对于“流行文化”与“精英艺术”界限模糊的探讨。在这个时代，界限似乎正在被不断地侵蚀，而这本书就精准地抓住了这个断裂点。它没有对任何一方进行道德审判，而是冷静地记录和呈现了这场文化大迁徙。读完后，我感觉自己像是拿到了一份秘密内部备忘录，对当下艺术品市场的运作逻辑有了前所未有的清晰认知，那些曾经看似高深莫测的“艺术行为”，现在看来，似乎都找到了合理的逻辑支点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文笔非常具有画面感，即便是描述那些抽象的理论或枯燥的商业谈判，作者也能描绘得如同电影场景一般生动。它成功地将艺术评论提升到了一个更具娱乐性和可读性的层面，完全打破了我对“严肃艺术读物”的固有偏见。我特别沉浸于作者对不同文化背景下“审美标准”变迁的对比研究。书中对比了不同年代、不同地域对何为“伟大艺术”的定义差异，揭示了审美标准的流动性和主观性。这种跨文化的视角，极大地拓宽了我对艺术的理解边界。它不是在教你如何欣赏艺术，而是在教你如何去理解“欣赏”这件事本身是如何被社会建构起来的，这种元认知层面的引导，是这本书最宝贵的价值所在。

评分☆☆☆☆☆

我原本以为这是一本严肃的艺术史评论集，结果却意外发现它更像是一本关于人类行为学和文化现象的深度田野调查报告。作者的叙事风格非常流畅自然，像是在与一位见多识广的朋友闲聊，但其信息密度却令人咋舌。他巧妙地穿插了各种时代背景和文化思潮，解释了为什么某些看似荒谬的创作能够在特定历史节点上获得巨大的关注和市场认可。书中对于“争议”如何成为一种有效的营销策略的分析，尤其精彩。它揭示了艺术界内部的权力结构和话语权争夺，那种为了制造“话题性”而进行的精心策划，读起来令人拍案叫绝。这本书的厉害之处在于，它让你在捧腹之余，又不得不严肃地审视我们对“原创性”和“颠覆性”的狂热追逐，以及这种追逐如何被资本巧妙地驯化和利用。