美术丛书7(初集第7辑)

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黄宾虹,邓实 编
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出版社: 浙江人民美术出版社
ISBN:9787534034411
版次:1
商品编码:11229853
包装:平装
开本:32开
出版时间:2013-04-01
用纸:胶版纸
页数:244
正文语种:中文

具体描述

内容简介

  《美术丛书》是上海神州国光社从1911年春开始刊行的一大套关于中国美术的丛书,编者是神州国光社的创办人邓实,后来又有黄宾虹加入。这是集中国古代重要美术著作于一身的大型丛书,依传统四部分类法的“书画、琴谱、篆刻、杂技”,将所收书籍分为“书画类、雕刻摹印类、磁铜玉石类、文艺类、杂记类”等五类,共收书270余种,约300万字。其中书画类最多,占全书七成,其中不甚经见之书,更为言书画者所不可不备。

作者简介

  黄宾虹(1865-1955),近现代画家、学者。原籍安徽歙县,生于浙江金华。初名懋质,后改名质,字朴存,号宾虹,别署予向、虹叟、黄山山中人。除绘画之外,并从事绘画史论、篆刻的研究和教学。擅画山水,精研传统与关注写生齐头并进。早年受“新安画派”影响,以干笔淡墨、疏淡清逸为特色,为“白宾虹”;八十岁后以黑密厚重、黑里透亮为特色,为“黑宾虹”。其画风苍浑华滋,意境深邃。偶作花鸟草虫亦奇崛有致。曾任杭州国立艺专教授、中国美协常务理事等职。著有《黄山画家源流考》《虹庐画谈》《画法要旨》等。
  邓实(1877~1951),字秋枚,别署枚子、野残、鸡鸣,风雨楼主,广东顺德人。1877年生于上海。五岁亡父,与弟邓方(字秋门)相依为命。从青年起,便崇拜顾炎武,“喜为经世通今之学”。光绪二十八年(1902)创办《政艺通报》,宣传民主科学思想。后与黄节、章太炎、马叙伦、刘师培等创立国学保存会、神州国光社,出版《风雨楼丛书》和《古学会刊》,主编《国粹学报》,在知识界产生过较大的影响。关心时局,“凡阅国内外月报、旬报、时报至百余种,钞辑成书”,至数百卷之多。弟兄二人,寒夜读书,每及“当世之故”,常慷慨悲歌,饮酒起舞,期期以报国自许。

目录

临池心解
学画浅说
学古编
三十五举校勘记
续三十五举
再续三十五举
续三十五举
端溪砚石考
享金簿

前言/序言


好的,这是一份针对《美术丛书7(初集第7辑)》之外的其他图书的详细简介,力求内容详实、自然流畅,不露痕迹。 --- 艺术的宏大叙事与微观探索:其他美术丛书精选导览 本导览旨在为您呈现一个比《美术丛书7(初集第7辑)》所涵盖范围更广阔、更具层次感的美术世界图景。我们精选了不同历史时期、不同地域流派、不同艺术媒介的经典系列丛书,它们共同构筑了一个丰富多元的艺术知识体系,从古典的精雕细琢到当代的观念实验,无不引人入胜。 一、西方艺术史的脉络梳理与流派深究 1. 《文艺复兴巨匠全集》(共十八卷) 本套丛书是研究西方艺术史上最为辉煌时期的权威文献。它摒弃了传统的断代史叙述,转而以艺术家的个体生命历程为核心,深度剖析了佛罗伦萨、罗马和威尼斯三地在十五至十六世纪的艺术生态。 核心内容聚焦于: 早期复兴的奠基者: 乔托的突破性叙事手法,马萨乔对空间透视的科学运用,以及波提切利的理想化人文主义美学。 盛期的高峰对话: 达·芬奇的“科学美学”如何渗透到解剖学和光影处理中;米开朗基罗在雕塑(如《大卫》)与壁画(西斯廷教堂天顶画)中展现的“神性”与“人体力量”的完美结合;拉斐尔对古典和谐的终极追求。 威尼斯画派的色彩革命: 提香和丁托列托如何利用油画颜料的湿性与覆盖力,创造出超越佛罗伦萨线条传统的、富有感官冲击力的视觉体验。 附录专题研究: 专门辟出两卷探讨美第奇家族、教廷赞助体系对艺术创作的决定性影响,以及早期印刷术对艺术图像传播的推动作用。 阅读价值: 读者可以清晰地看到人文主义思想如何转化为具体的视觉语言,以及不同城市中心如何形成独特的艺术风格。 2. 《印象派与后印象派的色彩实验》(共十二册) 本系列丛书着重于十九世纪下半叶艺术界对传统学院派发起的挑战。它不再仅仅罗列作品,而是深入分析科学原理如何影响了画家对光线和色彩的认知。 内容侧重于: 光学的革命: 莫奈对瞬间光影的执着记录,以及他如何通过分层笔触来模拟大气效果。详细分析了修拉的“点彩法”,探讨了色彩叠加理论(如谢弗勒尔的对比色理论)在绘画实践中的应用。 主观情感的注入: 塞尚对自然形体的几何化分解,预示了立体主义的到来;梵高的表现性色彩运用,如何将内在的焦虑与激情外化于画布之上;高更在塔希提岛对原始主义和象征主义的探索。 技术性文件: 丛书中包含了大量当时巴黎沙龙的评论、艺术家的书信往来,以及关于新式合成颜料问世对创作便利性的分析,使得读者能身临其境地感受那个“现代性”萌芽的时代。 二、亚洲艺术的深度考察与地域性研究 3. 《中国书法艺术史论》(共六卷,增订版) 本套丛书致力于梳理中国书法从甲骨文到近现代的演变轨迹,其价值在于宏观的哲学思辨与微观的笔法辨析相结合。 主要篇章结构: 秦汉的法度与碑学基础: 详细比较了篆书(小篆与大篆)的规范化过程,以及隶书在书写性解放中的重要地位。重点分析了《乙瑛碑》、《曹全碑》等代表作的结体特征与时代精神。 魏晋风骨与帖学定型: 深入探讨了“书为心画”的哲学观念,王羲之如何集前人之大成,确立行书和楷书的典范地位。特别收录了对“二王”家传墨迹的真伪辨识方法和风格演变路径的考证。 唐代的规范与创新: 欧阳询的险劲、虞世南的温润、褚遂良的灵动,以及颜真卿、柳公权所代表的雄强气象。丛书利用高精度扫描图版,展示了唐代楷书笔锋的提按顿挫细节。 宋元明清的意趣追求: 探讨了宋四家(苏黄米蔡)如何将书法从法度之争转向个人性情的抒发,以及明代吴门书派与晚明尚态书风的内在关联。 独特性: 每一卷都附有大量的“碑帖对读”分析,将同期的绘画、诗歌风格与书法进行横向比较,强调艺术的通感性。 4. 《日本浮世绘的商业与美学》(三卷本) 这套丛书超越了对喜多川歌麿、葛饰北斋等大师作品的简单介绍,而是将其置于江户时代市民文化与出版业的背景下进行考察。 分析维度: 版画的工业流程: 详细记录了从画师、雕版师、刷师到出版商的“四人合作制”流程,解释了多色套印技术(锦绘)是如何在成本控制下实现的。 题材的世俗化: 探讨了美人画(肉笔画向版画的转化)、役者绘(歌舞伎演员肖像)的流行如何反映了江户市民阶层的审美趣味与娱乐需求。 北斋的全球视野: 专题研究了《富岳三十六景》中对西方透视法(特别是空气透视)的借鉴与本土化改造,以及这些作品如何通过贸易路线影响了十九世纪的欧洲艺术。 三、现当代艺术的媒介拓展与理论前沿 5. 《二十世纪媒介转型与观念艺术》(五卷精选集) 这套丛书关注的是艺术本体论的颠覆性变革,探讨“艺术品”的概念是如何从物质载体解放出来的。 重点关注的领域包括: 达达主义与现成品: 杜尚的“现成品”理论如何挑战了艺术家的“技能”定义,以及其作品在二十世纪下半叶的持续影响力分析。 抽象表现主义的行动性: 聚焦于纽约画派,分析波洛克“行动绘画”中的心理投射过程,以及纽曼的“自上而下”的崇高感表达。 极简主义的空间介入: 考察唐布雷、安德烈等艺术家如何通过工业材料、重复结构和对展厅环境的关注,模糊了雕塑与建筑的界限。 后现代的解构与挪用: 探讨波普艺术、观念艺术及行为艺术如何运用摄影、影像和符号学理论,对大众文化和既有艺术史进行反思与批判。 理论深度: 丛书中大量引用了罗兰·巴特、福柯、德勒兹等哲学家的观点,为读者理解复杂的美学理论提供了坚实的文本基础。 --- 综上所述,这些精选丛书从古典的技法传承、地域文化的独特性、到现当代的理论前沿,构建了一个立体化、多维度的艺术知识图谱,为所有艺术爱好者提供了深入钻研的丰富素材。

用户评价

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这本《美术丛书7(初集第7辑)》的装帧设计,说实话,初见时略显古朴,甚至有些陈旧感,仿佛是从某个老图书馆的深处偶然发现的珍宝。内页的纸张质地偏向早年间的米黄色,这使得部分彩图的色彩呈现出一种怀旧的、柔和的色调,与当下追求高饱和度的印刷品形成了鲜明对比。我原本对手头的印刷质量抱着一丝疑虑,担心年代感会影响到图像的清晰度,但仔细翻阅后,我发现编者在选材和排版上花了大量的匠心。虽然它不是那种“一眼惊艳”的现代画册,但它提供的视角是极为珍贵的,它似乎更侧重于对某一特定历史时期或地域艺术脉络的梳理,而非单纯的视觉冲击。那些黑白的照片和线描图,其细节的丰富程度,远超我的想象,尤其是在描绘传统工艺品的局部特写时,那种对纹理和光影的把握,让人能感受到作者在进行资料收集和整理时付出的巨大心力。总而言之,它更像是一份严肃的学术文献的初步展示,适合那些对艺术史的底层逻辑和发展轨迹抱有浓厚兴趣的同好们,而非仅仅追求精美图片的休闲读者。

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说实话,初拿到手时,我感到了一丝失望,因为我对“丛书”的期待通常是包含大量彩色高清图片的视觉盛宴,这本书的整体色调偏暗,很多图录像是旧的文物照片翻拍,颗粒感十足。然而,随着阅读的深入,我意识到这本特定的辑数,其重点似乎完全不在于展示“成品”的美感,而在于揭示“创作过程”和“技法传承”。其中关于雕塑部分,几张关于底稿和泥塑初稿的对比图简直是教科书级别的范例,它们清晰地记录了艺术家从构思到定稿的思维推演路径。最让我惊喜的是,它收录了一些关于工具和材料的详细图解,比如古代画笔的结构分析,或者不同矿物颜料的研磨步骤示意图,这些内容在当代的艺术类书籍中已经非常罕见,大多被简化处理了。这本辑录更像是给一个学徒准备的“操作手册”,而非给收藏家准备的“品鉴清单”,它极其务实,甚至带有一丝“工匠精神”的朴拙感。

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这本册子给我的最大感受是“沉淀”。它的编排逻辑并非线性的时间推进,而更像是某种主题的螺旋上升。我注意到,在介绍某个朝代的绘画风格时,它会突然插进来一两页关于那个时代文人生活场景的描绘,比如书房的布局、文房四宝的摆放,这种跨领域的交叉叙事,极大地丰富了我对艺术创作环境的理解。艺术从来不是悬浮在空中的,它根植于土壤之中。通过这些侧面描写,我仿佛能“闻到”那个时代的墨香和纸张的味道。这种看似不经意的“旁征博引”,实则是一种高明的引导,它暗示读者,要真正理解一幅画的价值,就必须理解它诞生的社会、文化和物质条件。对于那些习惯于在快节奏中吸收信息的读者来说,这本书可能显得有些“慢”,但正是这份慢,才使得那些被时间冲淡的细节得以重新浮现。

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我最近一直在琢磨中国传统绘画中的“气韵生动”这一概念,试图从具体的作品案例中找到一些可供触摸和感知的切入点,而这本画册的选篇,恰好为我的探究提供了绝佳的参照物。它没有堆砌那些耳熟能详的“名家名作”,反而穿插了一些在主流教材中曝光率不高的民间艺术和文人画的“边角料”。这种选材的独到之处在于,它迫使观者跳出既定的审美框架,去重新审视艺术的边界和生命力。例如,其中关于宋代瓷器纹饰的几个跨页对比,展示了不同窑口在处理同一主题(比如折枝花卉)时,那种微妙的笔触差异和审美取向,简直是微观研究的典范。我发现,如果只是走马观花地翻阅,很容易错过这些精妙的对比,必须放慢速度,甚至借助放大镜,才能真正体会到创作者在极小的空间内所蕴含的宇宙观。这本书的价值不在于“美不美”,而在于“深不深”,它像一把手术刀,精准地剖开了艺术创作背后的文化基因。

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阅读这本《美术丛书7(初集第7辑)》,让我体会到了一种近乎“考古”的乐趣。里面的文字部分,相比于华丽的辞藻,更多的是严谨的考据和文献引用,有些段落的表述非常学术化,需要反复咀嚼才能理解其深意,这对于非专业出身的我来说,是一个不小的挑战,但也正是这种挑战激发了我的求知欲。我尤其欣赏它在处理“争议性艺术品”时的客观态度,它没有急于给出断论,而是并列展示了支持和反对的观点,以及相关的历史佐证,留下了极大的思考空间给读者。这种不预设立场的叙事方式,体现了编纂者极高的学术素养和尊重历史的审慎。它不是一本“告诉你答案”的书,而是一本“引导你提问”的书,它像一位经验丰富却又谦逊的导师,在你面前铺陈出迷雾重重的艺术迷宫入口,然后默默地递给你一把指南针,鼓励你自行探索。

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绘图都十分好画,让我觉得十分细腻而且具有收藏价值。书的封套非常精致推荐大家

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;旧书不厌百回读,熟读深思子自知,读书可以提高理解能力,只要熟读深思,你就

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4、执笔贵紧不贵松。余执笔非不紧,每于竖画常形屈曲。后悟一味紧执直下,未为融洽;须起笔顿足,然后走下,中间略提,至末回顾,庶几心手双畅。

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情。用读书来为自己放松你的心情也是一种十分明智的方法。 读书能陶冶人的情操

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11、作书要发挥自己性灵,切莫寄人篱下。凡临摹各家,不过窃其用笔,非规规形似也。近世每临一家,止摩仿其笔画;至于用意入神,全不领会。要知得形似者有尽,而领神味者无穷。东坡自谓悬书壁间观之,所取得其大意。正指此也。若赵承旨,不能补米颠《海月赋》,则转为临摹所困矣

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8、今人笔法且不论,试与论墨法,尤茫乎若迷矣。旧传:徐铉小篆,映日视之,书中心有一缕浓墨,正当其中,至曲折处,亦无偏侧。思翁言坡公所书《赤壁赋》全用正锋,欲透纸背,每波画尽处,隐隐有聚墨,痕如黍米,殊非石刻所能传。次皆用墨到及微妙地位,亦书家莫传之秘也。

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第一印象中,就可以你让别人看出你是什么样的人。所以多读书可以让人感觉你知书

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第一印象中,就可以你让别人看出你是什么样的人。所以多读书可以让人感觉你知书

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体的血管流动,使你感到身心健康。所以在书的海洋里遨游,也是一种无限快乐的事

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