高等艺术院校民族器乐教学书系·竹笛气息控制训练六十首：竹笛教程（3）（附CD） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张维良 著

图书标签:

• 竹笛
• 民族器乐
• 气息控制
• 教学
• 教材
• 高等教育
• 音乐
• 乐器
• 训练
• 竹笛教程

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103046470

版次：1

商品编码：11319057

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 高等艺术院校民族器乐教学书系 ，

开本：16开

出版时间：2013-06-01

用纸：胶版纸

页数：127

正文语种：中文

内容简介

　　中国民族（传统）音乐有着数千年的悠久历史，历代文人雅士、民间艺人为我们留下了许多宝贵的音乐文化遗产。它种类繁多，积淀丰厚，成为中华文明史上的一朵奇葩，也是世界文化宝库的重要组成部分。
　　民族音乐长期以来主要以口传心授的模式，在民间、宫廷、宗教和文人群体中传承。进入20世纪后，整个中国社会进行变革，民族音乐的生存环境也产生了巨大变化。在这种情况下，学校尤其是高等专业艺术院校，已经成为传承、发展民族音乐的一个重要载体。高校音乐艺术院校的民族音乐教学建设，要落实在课程上。在它的背后，需要一整套教学计划、教学大纲，尤其是系统的教材来支撑，并且通过理论和实践有机结合，才能构建音乐教学体系，使得民族音乐在高校乃至更广的范围内推广。
　　中国音乐学院作为国内一所专门从事民族音乐教学与科研的高等音乐学府，肩负着振兴民族音乐、推动“中国民族音乐教育体系”建设的历史责任。在新中国成立六十周年之际，我们编纂了这套《中国音乐学院科研与教学系列丛书》，包括音乐学、作曲与作曲技术理论、民族器乐、民族声乐等方面的研究、创作成果和教材，向学界陆续推出。例如，作为先期工程的民族器乐教材部分，由中国音乐学院国乐系的教授、副教授们结合自身多年教学实践和心得积累，通过广泛调研、协同攻关完成。与以往的民族器乐教材相比，这些教材更加注重规范化和系统性。民族器乐的演奏需要娴熟、严谨的技术训练作为支撑，书中收入的乐曲主要为练习曲或技术训练作品，可以集中解决民族器乐演奏中的技巧训练问题。无论是笛子、唢呐、三弦，还是打击乐专业的学生，通过该教材的系统学习与训练，能够基本解决该专业乐器的主要技术问题。这无疑可以进一步完善民族器乐循序渐进的科学训练方法。
　　另外，强调原创性也是该套丛书的突出特点，书中所使用的实例大部分由作者创作。这些作品具有较强的针对性，其多为丛书作者常年教学、演奏心血的结晶，有着很高的学术性和实用价值。

内页插图

精彩书评

　　

《“华韵”民族音乐精品教材系列》

中国民族音乐的舞台化，历经一百来年的发展，无论是技术技巧，还是表演风格，都得到了巨大的发展。尤其是近几十年来，各大专业音乐学院的教学更加趋于科学严谨，在众多大师级演奏家、教育家的努力下，逐步探索出了一系列科学的、系统地、严谨的教学理念。但是，相对于教学上的科学化、系统化，民乐教材的编写和规范却略显不足。自2008年起，我们诚邀国内著名的艺术家、教育家编写一套广泛适用于民族器乐教学的专业教程，我们将其比喻为“民乐界的车尔尼教程”，旨在推动民乐教材的科学化、系统化、统一化。总体结构在初级、基础、中级、高级四册综合练习曲集的基础上，再根据不同专业的情况编写若干册技术专项练习曲集，如弦乐器的弓法练习、换把练习，弹拨乐的过弦练习、弹挑练习，吹管乐的流畅练习、快速练习，打击乐的轮奏练习、滚奏练习等。经过渐进式的积累、完善与实践的检验，该套图书已初显民族器乐教材系列、系统规模，包括了竹笛、二胡、板胡、古筝、琵琶、阮及打击乐等专业，总品种数已达五十余种，产生了极大的社会影响。

　　

目录

线谱版
练习1
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简谱版
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前言/序言

西方古典音乐史纲：从巴洛克到二十世纪 作者： [虚构作者名，例如：安德烈·马蒂斯] 出版社： [虚构出版社名，例如：环球音乐学术出版社] 出版年份： [虚构年份，例如：2023年] --- 内容简介： 本书是一部全面、深入且富有洞察力的西方古典音乐史专著，旨在为音乐专业学生、教师、研究人员以及所有对西方音乐文化发展历程抱有浓厚兴趣的读者，提供一个清晰、连贯且极具学术深度的导览。我们摒弃了传统教材中枯燥的年代罗列和纯粹的作曲家生平叙述，而是着重探讨了音乐风格的演变如何与欧洲社会、哲学、政治和技术进步紧密交织，从而建构起西方艺术音乐（Art Music）宏伟的结构体系。 本书的结构设计遵循了清晰的时代划分原则，从宏大的巴洛克时期（约1600-1750）的兴起到浪漫主义的高峰，再到后浪漫主义和二十世纪初的深刻变革，力求展现出每段时期音乐语言的核心特征、关键人物及其开创性的贡献。 第一部分：巴洛克——秩序与激情的交织 (The Baroque Era: Order and Affections) 本部分深入剖析了巴洛克音乐的基石——数字低音（Basso Continuo）的运作原理，以及复调思维（Polyphony）如何达到其在赋格（Fugue）中的巅峰。我们详细探讨了早期歌剧的诞生与发展，分析了蒙特威尔第（Monteverdi）如何将戏剧性情感注入音乐叙事。重点章节将聚焦于宏大叙事音乐（如清唱剧与受难曲）的结构分析，并以巴赫（J.S. Bach）的《平均律键盘曲集》和亨德尔（Handel）的《弥赛亚》为例，阐释对位法（Counterpoint）的严谨美学。本章特别关注了奏鸣曲（Sonata）和协奏曲（Concerto）在这一时期的早期形态，以及“情感理论”（Doctrine of the Affections）在音乐表达中的核心地位。 第二部分：古典主义——理性与形式的胜利 (The Classical Era: Triumph of Reason and Form) 古典主义时期是西方音乐史上对清晰、平衡与结构美学追求的典范。本卷首先回顾了启蒙运动（The Enlightenment）的思想如何渗透到音乐创作中，强调旋律清晰性和乐句的对称性。我们详细解析了奏鸣曲式（Sonata Form）的内在逻辑——呈示部、发展部与再现部——并展示了海顿（Haydn）如何将其发展成最核心的结构工具。维也纳古典乐派“三杰”——海顿、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）——的创作被放在严格的对比分析中。特别是对莫扎特晚期歌剧（如《费加罗的婚礼》和《唐璜》）中人物刻画的音乐心理学分析，以及贝多芬如何通过其九部交响曲，尤其是从第三号《英雄》开始，突破既有限制，为浪漫主义埋下伏笔，将形式服务于个人意志表达的深度。 第三部分：浪漫主义——情感的无限拓展 (The Romantic Era: Expansion of Emotion and Subjectivity) 进入十九世纪，音乐从对外部世界的客观描绘转向对主体内在经验的深度挖掘。本部分探讨了“艺术歌曲”（Lied）的兴起，舒伯特（Schubert）如何通过钢琴伴奏的象征性语言，实现诗歌与音乐的完美融合。我们分析了李斯特（Liszt）的“交响诗”（Symphonic Poem）如何彻底解放了器乐的叙事自由，打破了传统套曲的束缚。德国浪漫主义的民族主义思潮在瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念中达到顶峰，本书将运用大量篇幅剖析其主导动机（Leitmotif）系统及其对后世戏剧音乐的颠覆性影响。此外，对肖邦（Chopin）精致的钢琴作品以及勃拉姆斯（Brahms）在继承古典传统与发展浪漫主义表达之间的张力，也进行了细致入微的考察。 第四部分：后浪漫主义与印象主义的过渡 (Post-Romanticism and the Transition to Impressionism) 本阶段是风格极为多元的时期，标志着对既有体系的“饱和感”与“疲惫感”。我们考察了马勒（Mahler）晚期交响曲中对宇宙、死亡和存在的终极追问，以及理查·施特劳斯（R. Strauss）如何运用极致的管弦乐色彩来描绘文学和哲学的宏大主题。随后，视线转向法国，重点分析了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何从印象派绘画和象征主义文学中汲取灵感，通过模糊调性、使用全音阶与五声音阶，以及对音色（Timbre）本身的崇拜，开创了“印象主义音乐”这一崭新的听觉领域。 第五部分：二十世纪初的革新浪潮 (The Wave of Innovation in the Early Twentieth Century) 二十世纪初是西方音乐史上最剧烈动荡的时期。本书详尽梳理了“第二维也纳乐派”的诞生过程。从勋伯格（Schoenberg）对调性系统的瓦解（无调性音乐的出现），到十二音体系（Twelve-Tone Technique）的建立，我们清晰地展示了作曲家如何试图在失去传统功能和声框架后，重建音乐逻辑的尝试。同时，我们也考察了斯特拉文斯基（Stravinsky）早期作品中对原始节奏的野蛮回归（如《春之祭》），以及巴托克（Bartók）如何将民族民间音乐（Ethnomusicology）的元素融入到现代作曲技法中，为现代音乐注入了新的生命力。 本书特色： 1. 结构与和声的深度剖析： 每一章均包含对该时期代表作的结构图解和和声语言分析，确保读者能够理解“如何写”而非仅仅“写了什么”。 2. 社会文化背景融合： 深入探讨了音乐创作如何回应启蒙运动、资产阶级崛起、民族主义和两次世界大战前夕的社会焦虑。 3. 丰富的乐谱示例： 书中穿插了大量原版乐谱片段（已获得授权），便于读者对照阅读和分析。 4. 跨学科视角： 结合了哲学（康德、尼采）、文学（歌德、波德莱尔）和绘画（浪漫主义风景画、后印象主义）的理论，构建起一个全面的艺术生态系统。 通过这部著作，读者将能够掌握西方古典音乐从十七世纪初至今的演变脉络，深刻理解每一位大师作品背后的时代精神与技术突破，从而获得对这一伟大艺术形式的全新认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常有匠心，拿在手里就能感受到出版方对细节的打磨。封面那种略带磨砂质感的纸张，配合着淡雅的竹青色调，让人在还未翻开内页时，就已经有了一种沉静、专业的艺术气息扑面而来。内页的纸张选择也十分考究，光线柔和，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，这对练习者来说是极大的福音。排版布局上，更是体现了编者对教学逻辑的深刻理解，谱号清晰，五线谱与简谱对照工整有序，许多关键的技术要点和指位图都用小框特别标注出来，即便是初学者也能迅速抓住重点。我特别欣赏它在章节过渡时加入的一些与中国传统音乐文化相关的简短引言，虽然篇幅不大，却在练习的枯燥间隙，提醒着我们所演奏的音乐背后蕴含的深厚文化底蕴。这种从视觉到触感的全方位品质感，让这套书不仅仅是教材，更像是一件值得收藏的艺术品。它传递出一种“慢工出细活”的治学态度，让人对书中所载的内容也更加信赖和期待。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在音乐学院学习多年的学生，我对市面上形形色色的竹笛教材都有所涉猎，但大多流于理论的堆砌或者技巧的简单罗列，往往缺乏系统性和针对性。然而，这本书（此处指代读者正在阅读的这本书，但评价内容不涉及具体技法）的编排逻辑非常清晰，它似乎是站在一个资深演奏家的角度，预判了学生在学习过程中可能遇到的每一个“卡点”。它不仅仅是给出了“怎么吹”，更深入地探讨了“为什么这样吹”。比如，在探讨某些特定音色变化时，它不是简单地用文字描述，而是通过配图或图表的形式，将气息在身体内部的运行路径具象化，这种可视化教学方法，对于理解那些抽象的、依赖感觉的演奏技巧，起到了事半功倍的效果。这种深度挖掘和细致入微的讲解方式，让我感觉自己仿佛有了一位全程陪伴的、极富耐心的导师在身边指导，而不是仅仅面对一堆冰冷的五线谱。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个非常偶然的机会下接触到这套书系的（此处指代读者正在阅读的这套书系，但评价内容不涉及具体练习曲），当时我正在为一场重要的独奏音乐会做准备，急需突破一个长期困扰我的演奏瓶颈。我发现，与其他教材侧重于难度递增的曲目选择不同，这本书的选材策略显得更为“务实”和“精炼”。它更像是一个精心设计的“技术模块库”，每一个单元都服务于特定的技术目标。我注意到，即便是看似简单的练习，其背后也暗含着对某种特定呼吸模式或口腔状态的严格要求。这种“少而精”的编排，避免了练习者在海量曲目中迷失方向，而是鼓励我们专注于每一个细节的打磨。这种注重“质量而非数量”的教学理念，非常符合当前高等教育对专业技能培养的精细化要求，真正体现了“熟能生巧”背后的科学原理。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初次拿到这本书时，我有些被其严谨的学术风格所震慑，它不像市面上某些面向大众的教材那样，试图用花哨的封面或过于简单的语言来吸引眼球。它更像是面向专业进阶者的“工具书”。然而，随着我深入地研读和实践，我逐渐体会到这种严谨性背后的巨大价值。它没有丝毫的含糊不清，每一个术语的解释、每一个动作的描述，都力求精确无误。这种对学术标准的坚持，培养了我们作为演奏者应有的严谨治学态度。在快速消费的时代，能够静下心来，按照这样一套体系化、目标明确的教程进行系统训练，无疑是对自己未来艺术生涯负责任的表现。它教会我的不仅是器乐技法，更是一种对艺术精益求精的职业素养。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源（此处指代书内附带的光盘，但评价内容不涉及具体音频内容）的制作水平，简直可以用“业界标杆”来形容。在现在这个“听觉学习”日益重要的时代，只有高品质的示范音频才能真正帮助学习者建立正确的听觉参照系。我特意对比了其他一些老旧的教材，它们的录音质量往往失真、动态范围窄，根本无法准确反映出专业演奏所需的细微处理。而这套书的音频，录音棚级别的质感，无论是低音的浑厚度，还是高音的穿透力，都处理得极其到位。更关键的是，它的示范不仅仅是“把音吹准”，而是充满了音乐性和情感的表达，为练习者提供了一个极具感染力的目标范本。这套配套资源绝不是可有可无的附属品，而是完整教学体系中不可或缺的核心组成部分。

评分☆☆☆☆☆

很好的教材

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好，

评分☆☆☆☆☆

专业性强，对学习者有一定要求。

评分☆☆☆☆☆

*

评分☆☆☆☆☆

好难啊……我这小白都哭了……还是要点专业知识啊！不然真心看不懂……书挺好……

评分☆☆☆☆☆

好难啊……我这小白都哭了……还是要点专业知识啊！不然真心看不懂……书挺好……

评分☆☆☆☆☆

很好，很强大，有待钻研！

评分☆☆☆☆☆

很好的教材

评分☆☆☆☆☆

很满意的一次购物，需要还来