中国少数民族传统音乐考试读本/21世纪中央民族大学音乐学院理论教材丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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柯琳，高乐 著

图书标签:

• 少数民族音乐
• 传统音乐
• 音乐教材
• 音乐教育
• 中央民族大学
• 民族音乐学
• 考试读本
• 理论教材
• 中国音乐
• 音乐理论

出版社： 民族出版社

ISBN：9787105129454

版次：1

商品编码：11458348

包装：平装

丛书名： 21世纪中央民族大学音乐学院理论教材丛书

开本：32开

出版时间：2013-11-01

用纸：胶版纸

页数：219

正文语种：中文

内容简介

　　《中国少数民族传统音乐考试读本/21世纪中央民族大学音乐学院理论教材丛书》是专为报考音乐学院的本科生和研究生编写的考试辅导用书。作者将高效的学习策略、学习方法融入概念、要点的梳理中。将纷繁复杂的中国少数民族传统音乐内容打造成方便记忆的知识要点，使学生学习、记忆更加有效，为其取得理想成绩打下基础。《中国少数民族传统音乐考试读本/21世纪中央民族大学音乐学院理论教材丛书》简要介绍了我国少数民族人口、语言、宗教信仰、分布的特点和状况，系统介绍了中国少数民族传统音乐的概念、基本属性、历史沿革以及中国少数民族传统音乐研究的历史与现状，对各少数民族的各类型代表曲目、乐器等进行了较为精要的介绍，对普通读者了解中国少数民族传统音乐的发展和现状也具有一定的价值。

作者简介

　　柯琳，女，中央民族大学音乐学院教授，博士生导师。
　　高乐，女，中央民族大学音乐学院2012级硕士研究生。

目录

第一章 中国少数民族传统音乐总论
第二章 中国少数民族民间音乐
第三章 中国少数民族宫廷音乐
第四章 中国少数民族宗教音乐
练习与检测
模拟试题
参考文献
后记

前言/序言

多元交响：全球音乐史概览与民族音乐学前沿探索 （本书系“世界音乐研究与民族文化遗产丛书”之一，面向音乐学、人类学、文化研究及对世界音乐持有浓厚兴趣的读者） 引言：倾听世界的脉动 本书旨在为读者提供一个宏大而精微的视角，审视人类音乐的演进历程，并深入探讨当代民族音乐学的理论前沿与实践挑战。我们并非将音乐视为孤立的艺术形式，而是将其置于社会结构、历史变迁、宗教信仰和技术革新的广阔背景之中进行考察。从史前文明的原始律动到数字时代的全球混响，音乐始终是人类经验不可或缺的载体。 本书的叙事结构分为三个主要部分：第一部分追溯西方音乐的经典发展轨迹，描绘其从古代至近代的演变脉络；第二部分则聚焦非西方音乐传统，特别是那些在特定文化语境中形成并传承的独特体系；第三部分则转向理论与方法论，探讨民族音乐学（Ethnomusicology）如何应对全球化带来的文化流动性与身份重塑。 --- 第一部分：西方音乐的结构与嬗变 (The Architecture of Western Tonal Systems) 本部分将系统梳理西方音乐自其根源至二十世纪初的核心发展阶段，重点分析其理论基础、美学范式与社会功能的变化。 第一章：古典音乐的奠基：从格里高利圣咏到巴洛克盛期 本章详细考察了早期西方音乐的宗教根源，特别是格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音性结构及其在教会礼仪中的地位。随后，转向中世纪世俗音乐的兴起，如游吟诗人（Troubadours/Trouvères）的艺术。重点分析了复调（Polyphony）技术的突破，特别是巴黎乐派和奥尔加农（Organum）的发展。文艺复兴时期，人本主义思潮如何影响音乐创作，如若斯坎（Josquin des Prez）的精妙对位。巴洛克时期（c. 1600-1750）被视为西方音乐体系成熟的关键阶段。我们将剖析巴赫（J.S. Bach）与亨德尔（G.F. Handel）如何将复调、和声（Tonality）及音乐体裁（如赋格、清唱剧、协奏曲）推向极致，并探讨“音乐的激动理论”（Doctrine of the Affections）在情感表达中的作用。 第二章：古典主义的清晰与浪漫主义的激情 十八世纪中叶，随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向追求清晰、平衡与形式的完美，这催生了维也纳古典乐派——海顿、莫扎特和贝多芬。本章着重探讨奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑、交响曲与弦乐四重奏的发展，以及古典主义如何确立了西方音乐的“标准范式”。 进入十九世纪，浪漫主义思潮带来了对个体情感、自然崇拜与民族精神的强烈表达。本章将分析肖邦、李斯特等钢琴家如何拓展演奏技巧和音乐语汇，以及瓦格纳（Wagner）对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求如何挑战了既有的歌剧结构。此外，民族主义在十九世纪的音乐中扮演的角色——如俄国五人组和德沃夏克——亦是讨论的重点。 第三章：世纪之交的革新与瓦解 二十世纪的来临，标志着西方调性体系的深刻危机。本章探讨了印象主义（德彪西）、表现主义（荀伯格）以及无调性（Atonality）的出现。重点分析了十二音体系（Twelve-Tone Technique）的发明及其对传统和声语言的颠覆性影响。我们还将简要介绍斯特拉文斯基（Stravinsky）对原始主义（Primitivism）的借鉴，以及早期电子音乐的萌芽，为后来的先锋音乐奠定基础。 --- 第二部：超越边界：非西方音乐传统的多样性 (Plural Worlds of Sound) 本部分将跳出欧洲中心的视野，聚焦于几个具有代表性的非西方音乐传统，揭示其独特的音高系统、节奏组织、社会功能和传承模式。 第四章：亚洲的音律与哲学：印度与中东 印度古典音乐以其极其复杂的即兴创作系统闻名于世。本章详细阐述了“拉格”（Rāga，旋律框架）和“塔拉”（Tāla，节奏循环）的概念，探讨了这些系统如何根植于印度教的哲学与精神实践中。我们将分析南印度卡纳提克音乐（Carnatic Music）和北印度斯坦尼音乐（Hindustani Music）的主要差异及核心乐器（如西塔琴、塔布拉鼓）。 紧接着，本章转向中东地区（特别是阿拉伯世界），探讨了其“马卡姆”（Maqam，调式系统）的精妙之处，特别是其对四分之三音（Microtones）的精细运用，以及在宫廷音乐、苏菲音乐和民间叙事中的体现。 第五章：东亚的仪式与美学：中国、日本与韩国的音乐遗产 本章将集中探讨东亚儒家文化圈内的音乐传统。对于中国音乐，我们将分析其独特的五声体系（Pentatonicism），以及“雅乐”（Court Ritual Music）与“民间音乐”（如说唱、戏曲）在历史上的张力与融合。我们将考察传统乐器（如古琴、琵琶）的音色哲学，及其与文人精神生活的关联。 日本音乐部分，侧重于“雅乐”（Gagaku）的古老仪式性，以及“能剧”（Noh）和“歌舞伎”（Kabuki）中音乐与戏剧的结合。韩国音乐则将重点放在其充满活力的“盘索里”（Pansori，说唱剧）和复杂的节奏模式上。 第六章：非洲的节奏本体论与口头传承 非洲大陆的音乐多样性是无与伦比的。本章的核心论点是，在许多非洲文化中，音乐并非独立于生活，而是与舞蹈、语言和仪式紧密结合的“动态事件”。我们将深入探讨非洲音乐中的多重节奏（Polyrhythm）现象，分析其作为社会黏合剂的功能。重点考察了西非的格里奥特（Griot）传统——口头历史学家和音乐家，以及中非与南非在殖民化和后殖民化进程中音乐风格的演变。 --- 第三部：理论转向：民族音乐学的新视野 (Methodological Frontiers in Ethnomusicology) 本书的最后部分将探讨将音乐置于文化、政治和全球化背景下进行研究的理论工具和方法论。 第七章：民族音乐学的理论基础与发展脉络 本章回顾了民族音乐学的诞生：从早期的“比较音乐学”（Musicology）到库特·萨克斯（Curt Sachs）和埃里希·莫里茨·冯·霍恩博斯特尔（Erich M. von Hornbostel）的分类学努力。重点讨论了艾伦·梅尔斯曼（Alan Lomax）的“功能分类法”和艾伦·默顿（Alan Merriam）对“音乐行为”的界定。随后，转向对西方中心主义的反思，以及后结构主义、文化研究对民族音乐学研究范式的冲击，特别是“声音景观”（Soundscape）和“文化再现”等概念的引入。 第八章：全球化、身份重塑与音乐的流变 在全球化浪潮下，音乐的交流不再是线性的，而是复杂的互动与融合。本章探讨了“世界音乐”（World Music）现象的兴起及其商业化困境，分析了跨文化音乐挪用（Appropriation）与文化挪用（Cultural Appropriation）之间的伦理边界。重点讨论了数字技术如何改变音乐的创作、传播和消费方式，以及城市中的移民社群如何通过音乐构建和维护其新的文化身份。我们将考察音乐如何成为政治抵抗、文化主权申张的工具。 结论：未来的和声 本书总结认为，理解音乐的真谛，必须同时掌握其固有的结构逻辑（如西方调性或印度拉格），以及它在特定社会语境中所扮演的动态角色。未来的音乐研究必须保持开放性，拥抱多元叙事，并以前瞻性的眼光审视技术对人类听觉经验的重塑。本书旨在激发读者超越既有的音乐偏见，以更富同理心和批判性的视角去倾听和理解这个由无数声音交织而成的世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书为我提供了一个非常实用的学习工具。作为一本考试读本，它针对性地设计了学习内容，能够帮助我系统地掌握中国少数民族传统音乐的核心知识。书中对考试重点和难点的梳理，非常清晰明了，让我能够更有针对性地进行复习。我特别喜欢书中附带的练习题和解析，它们能够帮助我巩固所学知识，并检验我的学习效果。而且，书中还提供了一些推荐的音乐作品和文献，方便我进行课外拓展和深入学习。这本书的设计非常人性化，充分考虑到了学习者的需求。我能够感受到作者们希望通过这本书，让更多的人了解和学习中国少数民族传统音乐的真诚愿望。对于我这样的学习者来说，这本书无疑是一本不可多得的宝藏，它为我的学习之路提供了坚实的支撑和可靠的指引。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是一场听觉的盛宴，将我带入了一个五彩斑斓的音乐世界。作为一个对民族音乐略有涉猎的普通爱好者，我一直觉得那些遥远而神秘的旋律总隔着一层纱。而这本书，就像一位耐心的向导，一点点地揭开了这层面纱。从书中我了解到，原来中国少数民族的音乐并非只有一种模式，而是如同民族本身一样，拥有着千姿百态的风格和表达方式。书中对不同民族音乐的起源、发展、乐器、演唱方式，甚至音乐在社会生活中的角色，都进行了细致的梳理。我尤其喜欢那些关于特定节庆音乐的描写，仿佛能亲身感受到那份喜悦与庄重。书中对一些古老乐器的介绍也让我大开眼界，比如那些我从未听过的吹管乐器和弦乐器，它们独特的发声原理和演奏技巧，都展现了先民们非凡的智慧。阅读过程中，我不禁联想到自己曾经听过的一些片段，突然间豁然开朗，明白了它们背后蕴含的文化意义。这本书的语言通俗易懂，即使是初学者也能轻松阅读，但其内容深度又足够吸引那些有一定基础的读者。我真的非常期待能通过这本书，进一步探索中国广袤的音乐宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性和资料的翔实度令我印象深刻。作为一本理论教材，它在学术研究的严谨性方面做得非常出色。书中引用了大量的学术研究成果，对各种音乐现象和理论观点都进行了详尽的阐述和论证，让我对其内容的可信度深感信服。我尤其欣赏书中对于音乐理论和分析方法的介绍，它不仅仅是简单地罗列事实，而是提供了一套分析和理解少数民族音乐的系统方法。例如，书中对某些乐曲的结构、旋律、节奏、以及和声的分析，都展现了作者扎实的音乐学功底。同时，书中还穿插了许多珍贵的田野调查资料和文献记录，这些一手资料的加入，使得整个论述更加有血有肉，充满了学术研究的魅力。这本书就像一本百科全书，为我提供了深入研究少数民族音乐所需的坚实理论基础和丰富的实证材料。我能够感受到作者们在编写过程中所付出的巨大努力，他们不仅是知识的传授者，更是学术探索的先行者。

评分☆☆☆☆☆

从这本书中，我获得了一种全新的审美体验。它不仅仅是提供知识，更是一种艺术的熏陶。书中对音乐作品的描绘，充满了诗意和画面感，仿佛能够通过文字“听”到那些天籁之音。作者们善于运用生动的语言，去描绘音乐的情感张力、旋律的起伏跌宕、以及演唱者的情感投入。我仿佛置身于广袤的草原，听着悠扬的长调；又仿佛漫步在静谧的山林，感受着古朴的歌谣。书中对音乐的描述，不仅仅是技术层面的分析，更是深入到音乐所承载的情感和精神世界。这种审美上的触动，让我对少数民族音乐产生了更深层次的共鸣。我开始意识到，那些看似简单的旋律背后，蕴含着如此丰富的情感表达和人生哲理。这本书让我重新认识了“美”的定义，它不再局限于某种固定的模式，而是更加多元和包容。通过这本书，我的音乐欣赏视野得到了极大的拓展。

评分☆☆☆☆☆

我被这本书所呈现的音乐历史脉络深深吸引。它不仅仅是一本介绍性的读物，更像是一部梳理中国少数民族音乐发展史的史诗。书中对不同历史时期，音乐如何受到政治、经济、宗教、以及与其他民族交流的影响，都做了深入的探讨。我了解到，许多流传至今的音乐形式，其根源可以追溯到遥远的古代，甚至与传说中的神话故事有着千丝万缕的联系。书中对那些已经逐渐消失或濒临失传的音乐遗产的记录，更是让我感到一种历史的厚重感和保护的紧迫性。作者们似乎倾注了大量的心血，去挖掘那些尘封的文献资料，并将其转化为生动而易于理解的文字。在阅读过程中，我仿佛看到了不同时代的音乐家们，如何在各自的时代背景下，用音乐抒发情感，传承文化。这种对历史纵深的挖掘，让这本书的价值远远超出了单纯的知识介绍，它引发了我对音乐与人类文明之间关系的深刻思考。这本书为我打开了一扇新的大门，让我看到了音乐背后更广阔的时空维度。

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