中国音乐学院科研与教学系列丛书：论传统琵琶演奏技巧 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈爽 著

图书标签:

• 琵琶
• 传统音乐
• 演奏技巧
• 中国音乐
• 音乐教育
• 音乐研究
• 民族乐器
• 艺术
• 教学
• 中国音乐学院

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103044797

版次：1

商品编码：11549462

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 中国音乐学院科研与教学系列丛书

开本：32开

出版时间：2014-01-01

用纸：胶版纸

页数：183

正文语种：中文

内容简介

　　《中国音乐学院科研与教学系列丛书：论传统琵琶演奏技巧》对传统琵琶演奏技巧进行了全方位、多角度、深层次的探讨与研究。比较全面地诠释了传统琵琶演奏技巧对于整体琵琶艺术的影响。一、以全新的角度介入传统琵琶演奏技巧，使技巧能够与实际的音乐产生关联，而区别于简单、枯燥的技术性解释。二、对传统琵琶演奏技巧的运用进行了多角度、多层次的分析。尤其借助中国传统书画中的部分理念来使这种分析具体化、形象化。三、从笔者多年的演奏实践出发，着重论述了作为演奏主体的“人”对演奏技巧的认识与选择。《中国音乐学院科研与教学系列丛书：论传统琵琶演奏技巧》从人的角度来关照其艺术上的差异，用演奏家对艺术的个性理念来分析他们的音乐。也许能帮助我们更好地理解和体验古人所云之“以琴会友”、“琴人合一”。四、文化内涵的研究中，首先将琵琶在历史发展过程中留存的种种面相通过今天的演奏技巧形态分析、梳理出来，用以反观它的文化内涵，使我们对今天的传统演奏技巧有更深层次的理解与把握。再有，通过分析书法与传统琵琶演奏技巧的审美关联，提出一个欣赏传统琵琶艺术的语境参考。《中国音乐学院科研与教学系列丛书：论传统琵琶演奏技巧》的最后一章论述了传统琵琶演奏技巧的变化。这种变化是顺应时代的要求并且满足人民新生活的需要的。

内页插图

目录

绪论
一、传统琵琶演奏技巧的研究现状
二、传统琵琶演奏技巧在琵琶音乐中的意义
三、本书的研究定位

第一章 传统琵琶演奏技巧的构成
第一节 右手技巧
一、基本技巧
二、特殊技巧
第二节 左手技巧
一、基本技巧
二、特殊技巧

第二章 传统琵琶演奏技巧的运用
第一节 乐曲局部演奏技巧的运用——汇组技巧
一、点点对比——摭分、勾搭
二、点线对比——勾轮、挑轮
三、片线对比——扫轮、拂轮
四、点片对比——夹扫、摭扫
第二节 乐曲整体演奏技巧的运用
一、文曲演奏技巧的布局与运用——“点点组合”与“点线组合”
二、武曲演奏技巧的布局与运用——“片(块)线组合”
三、大曲演奏技巧的布局与运用——“点线片组合”

第三章 传统琵琶演奏技巧的艺术特征
第一节 基本特征
一、“金石之声”——传统琵琶演奏技巧以指甲触弦发音为主
二、密集有序的音响——传统琵琶演奏技巧塑造的“线状音响”
第二节 个性特征
一、近代琵琶流派
二、琵琶演奏家对演奏技巧的个性运用

第四章 传统琵琶演奏技巧的文化内涵
第一节 传统琵琶演奏技巧中呈现出的社会历史面相
一、豪放的马上民族音乐
二、绚丽的盛唐乐舞遗风
三、俊秀的江南人文气息
四、自然淳朴的民间音乐
第二节 传统琵琶演奏技巧的审美取向——与中国书法的审美关联
一、演奏技巧与书法笔法
二、演奏技巧的辩证运用与书法结体的虚实

第五章 传统琵琶演奏技巧的变化与思考
第一节 传统琵琶演奏技巧的变化
一、物质基础改变带来的变化
二、反映时代新声的创作带来的变化
三、科学化教育体系建立带来的变化
第二节 传统琵琶演奏技巧变化带来的思考
一、时代的进步
二、创新与传统的辩证关系

参考文献
附录
结语
致谢

前言/序言

中国音乐学院科研与教学系列丛书：非凡的旋律与历史的回响 本丛书旨在汇集中国音乐学院在音乐理论、民族音乐学、音乐史学、演奏艺术、音乐教育等领域的前沿研究成果与教学实践经验。我们致力于构建一个深度、广度兼备的学术平台，以推动中国音乐的传承、创新与国际交流。本期推出的几部著作，聚焦于音乐实践的独特视角、历史文献的深度挖掘，以及跨文化音乐现象的比较研究，它们共同构筑了一幅当代中国音乐学术研究的生动图景。 --- 一、《汉唐乐舞研究：器物、乐谱与文化语境的重构》 作者： 李 德 昌 教授 领衔 内容概要： 本书是一部跨学科的、对中国汉唐时期宫廷与民间乐舞进行系统梳理与深度解析的力作。研究团队以考古发现的壁画、石刻、出土文物（如编钟、磬、箜篌的仿制与音色研究）为基础，结合《旧唐书》、《新唐书》、《乐府诗集》等文献记载，力求在听觉与视觉上重建那个辉煌的音乐时代。 核心章节亮点： 1. “胡旋”的起源与演变： 通过对西域丝绸之路沿线音乐交流的考察，剖析“胡旋舞”在唐代宫廷的盛行，并尝试根据古代记谱法（如工尺谱的早期雏形）推测其音乐结构。 2. 雅乐制度的礼仪功能： 深入探讨汉代“雅乐”在国家祭祀与朝会中的具体施行方式，分析其“中和”思想如何通过音高、节奏的规范化来体现政治理想。 3. 乐器形制的考证与复原： 详细记录了琵琶、阮咸、筚篥等汉唐主要乐器的形制演变，并附有中国音乐学院现代乐器制作实验室依据古籍复原的乐器实物照片及音色分析报告。本书特别强调了乐器制作工艺对音响美学的影响。 4. 敦煌壁画中的音乐图景： 选取敦煌莫高窟中具有代表性的乐舞图像，结合敦煌变文中的歌辞，探讨民间宗教仪式音乐的特点，展现了古典音乐与世俗音乐的交融状态。 本书旨在为音乐史学界提供一套基于实证的、多维度的汉唐乐舞研究范式，弥补了以往研究中“重文献、轻实践”的不足。 --- 二、《二十世纪中国民间音乐的田野记录与社会变迁》 作者： 张 晓 慧 副教授 内容概要： 本书聚焦于1920年至1980年间，中国民间音乐在社会剧烈动荡中的生命力与适应性。作者依托中国音乐学院民族音乐学研究所多年积累的田野资料库，选取了长江流域、黄河流域及西南少数民族地区的典型案例进行深入剖析。 核心章节亮点： 1. 山歌的口头传统与记录挑战： 探讨了在没有统一记谱系统的背景下，如何通过录音技术和口述历史的方法，精确捕捉和记录如徽州山歌、湘西号子等复杂旋律的即兴变化。 2. 戏曲腔调对民间曲艺的渗透： 考察了京剧、昆曲等主流戏曲在下沉至乡村的过程中，其唱腔母题如何被地方曲艺（如四川清音、道情）吸收和改造的过程，分析了“俗”与“雅”的边界模糊化现象。 3. 特定历史时期（如建国初期）的音乐主题重塑： 分析了在政治宣传需求下，传统民歌的歌词如何被“重写”以适应新的社会叙事，但其内在的音乐骨架和情感表达模式却得以保留的复杂过程。 4. 西南少数民族的“歌与物”： 选取彝族毕摩文化、苗族银饰歌等非物质文化遗产，揭示音乐在特定民族仪式、社会结构（如婚丧嫁娶）中不可替代的符号功能。 本书是对中国近百年民间音乐史的一次细致入微的“社会学扫描”，展现了音乐作为社会记忆载体的强大韧性。 --- 三、《西方十二平均律体系下中国音乐的调式改编与和声实验》 作者： 王 建 国 博士 内容概要： 在全球化背景下，中国传统音乐如何与西方古典音乐体系进行有效的对话与融合，是当代音乐创作面临的重要课题。本书抛弃了简单的“嫁接”手法，而是深入研究了中国传统五声、七声调式与西方调性和声的内在逻辑差异，提出了系统性的改编与实验方案。 核心章节亮点： 1. 中国传统“宫调”的音高结构解析： 运用现代频谱分析技术，精确测定不同流派（如古琴、二胡）在不同历史时期对“正宫”、“羽调”等概念的实际音高把握，校正了传统教学中对音准的理想化描述。 2. 基于“旋律线”的复调探索： 探讨了中国音乐中固有的平行四、五度结构（如江南丝竹），如何自然过渡到西方对位法或柔和的和声进行中，重点分析了如何避免生硬的“和弦化”处理。 3. “泛音”与“色彩”的和声应用： 聚焦于传统乐器（如筝、笛）的泛音和滑音技法，将其视为一种自然的“非固定音高”音响色彩，并尝试用特定的和弦群来模拟和突出这些色彩，而非简单地将其视为“不和谐音”。 4. 作品分析： 选取了二十世纪中后期几位先驱作曲家（如赵季平等）的代表作进行深入的谱例分析，展示其在调式转换、配器选择上的精妙思路，并提供了基于这些思路的全新配器示例。 本书是为作曲家、理论家以及希望进行深度跨文化音乐实践的演奏家准备的专业参考书，它提供了一种建立在中国音乐本体论基础上的、科学的“中西合璧”路径。 --- 结语 《中国音乐学院科研与教学系列丛书》的出版，体现了学院在坚持学术严谨性的同时，对音乐实践前沿的敏锐捕捉。上述三部著作，分别从历史重建、社会田野、理论创新三个维度，深化了我们对中国音乐丰富内涵的认知。它们不仅是深入学术殿堂的阶梯，更是激发新一代音乐家进行独立思考与创作的坚实基石。我们期待读者在这些前沿研究中，发现更多属于我们自己音乐传统的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

初读《中国音乐学院科研与教学系列丛书：论传统琵琶演奏技巧》，便被其厚重所震撼。我原本是抱着一种“或许能从中找到些许演奏上的灵感”的期待，毕竟，对于我这样一个在舞台上摸爬滚打多年的琵琶演奏者来说，技艺的精进总是永无止境的。这本书的装帧和排版都透着一股严谨学究的气息，封面上“中国音乐学院”的字样，更是为它添了一层权威的光环。 我尤其关注的是其中关于“左手技巧”的部分。多年来，我总觉得自己在某些细腻的揉弦、滑音处理上，似乎总缺了点什么，那种能让声音“活”起来的灵性。这本书在这一块的内容，恰恰就触及了我内心深处的疑问。它没有简单地罗列名词，而是深入剖析了不同技巧产生的生理机制，以及在不同乐曲、不同情境下的运用考量。我反复琢磨着书中对“按音的力度变化如何影响音色的饱满度”、“滑音的速度与弧度与情感表达的关联”等细节的阐释，仿佛看到了自己指尖每一次的颤动都被赋予了更深刻的意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书让我看到了“乐曲处理”的另一种视角。作为演奏者，我们常常过于专注于技术层面的打磨，而忽略了对乐曲整体意境的把握。而这本书，恰恰将技术与艺术融为一体，深入剖析了如何通过精湛的演奏技巧来诠释乐曲的内涵。书中对一些经典琵琶作品的演奏分析，更是让我眼前一亮。它不仅仅是告诉你“如何弹”，更是引导你去思考“为什么这样弹”。 我曾经为如何处理一段旋律而苦恼，是让它更加舒缓，还是更加急促？是让它的情绪更加内敛，还是更加奔放？这本书在关于“乐句的呼吸与情感”的章节中，给出了极具启发性的答案。它通过对不同乐句的处理方式，分析了它们如何对应不同的情感色彩，如何构建出乐曲的起承转合。我开始尝试着将这些分析应用到我的排练中，惊奇地发现，原本平淡的乐句，竟然变得生动而富有张力。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我受益匪浅的，是它对于“演奏的哲学思考”的探讨。很多时候，我们只是将琵琶演奏视为一种技能的训练，却很少去思考这项艺术背后的文化根源和精神内涵。而这本书，恰恰填补了这一空白。它从历史、文化、美学的角度，深入剖析了琵琶演奏的本质，以及它在中国传统音乐中的地位。 我尤其喜欢书中关于“指法与心境”的论述。它提出，每一次的弹奏，不仅仅是手指与琴弦的互动，更是演奏者内心世界的流露。一个好的演奏者，不仅要有精湛的技艺，更要有对音乐深刻的理解和感悟。书中通过一些古代文人的诗词歌赋，来比喻琵琶演奏的意境，让我深刻体会到，琵琶的演奏，可以是一种“言外之意”，一种“弦外之音”。这种将技术与人文精神相结合的思考方式，让我对琵琶艺术有了更深层次的认识，也更加坚定了我在艺术道路上不断探索的决心。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的，是它关于“琵琶的音色塑造”的独到见解。我一直认为，琵琶不仅仅是能发出“声响”，它更是一个充满表现力的乐器，能够传递复杂的情感。书中并没有回避这个问题，而是深入浅出地探讨了影响琵琶音色的各种因素，从琴弦的材质、面板的共鸣，到演奏者的触弦力度、角度，再到指甲的形状和硬度，都进行了细致的分析。 我特别被书中关于“气息与音色”的论述所吸引。我从来没有想过，演奏者的呼吸竟然对琵琶的声音有着如此直接而深刻的影响。书中详细阐述了如何通过不同的呼吸方式来调控音色的明暗、厚薄，甚至音色的“质感”。这让我意识到，演奏不仅仅是手指的运动，更是全身心投入的艺术。我开始尝试着将书中的理念融入到我的日常练习中，感受着每一次吸气、呼气如何与我的指尖力量相结合，从而产生更丰富、更具层次感的音色。

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这本书给我带来的最大惊喜，是它对“右手技法”的系统性梳理。我常常觉得，右手拨弦看似简单，实则奥妙无穷。我们常说的“弹、挑、扫、抹”，在书中却被细致地分解成无数种细微的变化，并且不仅仅是停留在“怎么弹”的层面，更重要的是“为什么要这样弹”。例如，书中对于“摇指”的处理，不仅仅是速度和均匀度的问题，更是如何通过摇指的力度、密度甚至颤动的幅度的微调，来表现出如流水般细腻的情感流露，或者如暴风雨般激昂的内心世界。我尤其喜欢书中对于不同拨弦方式与不同音乐风格之间相互促进关系的探讨，让我对“指法即风格”有了更深层次的理解。 我曾经花费大量时间去模仿大师的演奏，试图从他们的指尖动作中揣摩精髓，但总觉得隔靴搔痒。这本书却提供了一个理论框架，让我能够理解那些看似随性的技巧背后，其实蕴含着深刻的逻辑和审美原则。它引导我去思考，每一个乐句的呼吸、每一次音色的转换，是如何通过精妙的右手技巧来实现的。我开始尝试着将书中的一些分析应用到自己的练习中，惊喜地发现，原本觉得难以把握的某些乐段，竟然变得清晰起来。

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