名师讲义：郭味蕖讲花鸟画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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郭味蕖 著，郭怡孮，林维 整理

图书标签:

• 花鸟画
• 国画
• 绘画技法
• 郭味蕖
• 艺术教学
• 绘画教程
• 传统绘画
• 绘画
• 艺术
• 名师讲义

出版社： 天津古籍出版社

ISBN：9787552802986

版次：1

商品编码：11698595

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-01-01

用纸：胶版纸

页数：268

正文语种：中文

内容简介

　　《名师讲义：郭味蕖讲花鸟画》为花鸟画家郭味蕖先生关于明清花鸟画发展脉络的一个讲稿，郭味蕖先生选取了最有代表性的四位画家为例，向读者讲述了明清花鸟画的特点。该时期花鸟画是中国花鸟画发展的一个高峰，《名师讲义：郭味蕖讲花鸟画》从技法、题材、设色等角度，较全面地分析了明清花鸟画的各个流派，十分珍贵，具有重要的学术价值和指导意义。

目录

花鸟画的继承与发展
一 花鸟画现实主义传统的历史发展
二 花鸟画的继承与革新

花鸟画创作
一 生活的认识和造型的似与变
二 临摹、写生和创作
三 花鸟画学习和创作

花鸟画技法
一 写意花鸟画的构图
二 写意花鸟画的用笔和用墨
三 写意花鸟画的赋彩
四 题款与印章

附：味蕖题款
五 木本花法
六 竹梅法
七 草本花法
八 藤本蔓本法
九 蔬菜瓜果法
十 谷豆棉麻法
十一 禽鸟法
十二 昆虫法
十三 鳞介法
十四 坡石、水口、苔草法

花鸟画教学
一 中央美术学院花鸟画教学大纲
二 听课笔记
三 给二子郭绵琮讲授绘画的书信节选（郭远航提供）

好的，这是一本名为《中国山水画的演变与审美范式》的图书简介： 图书名称：中国山水画的演变与审美范式 作者： 陆文远 出版社： 华夏艺术出版社 出版日期： 2023年11月 定价： 188.00 元 --- 内容简介 《中国山水画的演变与审美范式》是一部深入探讨中国山水画发展历程、理论构建与核心精神的学术专著。本书旨在超越单纯的图像赏析，从历史语境、哲学思辨和文人精神层面，系统梳理并阐释山水画如何从早期的“可游可居”走向宋代的“可观可赏”，最终在元代确立“抒写胸臆”的文人画范式，并延展至近现代的革新探索。 本书共分八章，结构严谨，论证充分，兼顾了历史的宏观叙事与个案的微观分析。 第一部分：源起与萌芽（魏晋至隋唐） 第一章：山水画的滥觞——早期图式与自然观的觉醒 本章追溯山水画的滥觞期，重点探讨魏晋南北朝时期道家思想（尤其是“崇尚自然”“天人合一”）对山水图景构建的影响。我们分析了顾恺之、陆探微等早期画家对山水题材的处理，指出此时的山水尚未独立成科，多作为人物画的背景。但“气韵生动”的理论萌芽，已预示着画家开始关注自然的精神性而非单纯的写实性。本章深入剖析了隋代画家李思训、李昭道父子的“青绿山水”，将其视为唐代盛世下对理想化、装饰性山河的营造，标志着山水画在技法和色彩运用上的初步成熟。 第二章：盛唐气象与李思训的“金碧山水” 盛唐时期，山水画开始独立发展。本章聚焦于“金碧山水”的风格特征与时代意义。通过对“青绿山水”的深化研究，探讨了它如何反映了大唐帝国自信、恢弘的审美取向。同时，本书也首次引入了“界画”的视角，分析了严谨的比例和宏大的构图，如何服务于官方叙事和宫廷审美需求。 第三章：晚唐与五代：水墨初成与南北分野的酝酿 本章是全书的转折点。晚唐的自然主义倾向，特别是王维“诗中有画，画中有诗”理念的提出，标志着水墨语言的实验性开始占据重要地位。我们详细阐述了水墨晕染技法的初步运用，以及它如何摆脱设色对物象的束缚，转向对“意境”的捕捉。五代时期，荆浩、关仝、李成、范宽等“北方山水画派”的崛起被置于重点考察。本书认为，这些巨匠是真正将山水画提升至哲学高度的奠基人。通过对“斧劈皴”“披麻皴”的技法解构，阐释了他们如何通过线条和墨色来表现北方山川的雄强、厚重与崇高感。 第二部分：定型与高峰（宋代） 第四章：院体山水：理性之美与“格律化”的探索 宋徽宗时期是山水画发展的关键阶段。本章集中分析了“院体”的特征，即皇家学院对山水画的规范化和专业化要求。我们详细辨析了院体画的“格律美”：强调精确的观察、细致的笔墨以及明确的层次感。重点讨论了郭熙的《林泉高致》，将其视为宋代山水画理论体系的集大成之作，尤其是“高、平、深远”的空间处理法，如何在技术层面确立了宋画的典范。 第五章：文人山水的勃兴与理论的转向 与院体并行的，是文人画的悄然兴起。本章剖析了苏轼、米芾等文人士大夫阶层如何将山水视为自我修养和精神寄托的载体。米芾“墨戏”的提出，标志着水墨语言的独立性和主观性被前所未有地强调。本书认为，宋代的山水画呈现出一种内在的张力：院体的“写实理性”与文人的“抒情本能”相互拉扯，最终为元代的彻底转向奠定了思想基础。 第三部分：超越与范式确立（元代至今） 第六章：元四家：以笔墨写胸中丘壑 元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的出现，宣告了山水画审美范式的根本性转变——“尚意”取代“尚法”。本章深入研究了“元四家”的艺术思想，强调他们对前代笔墨的“化用”而非简单模仿。尤其对倪瓒的“逸笔”和黄公望的“简淡”进行了细致的比较分析，阐明了他们如何通过有意识的“减法”和对笔墨韵味的追求，将山水画彻底转化为一种高度个人化和哲学化的表达方式，实现了“为自己而画”的理想。 第七章：明清的继承与分流 明代山水画的格局体现为“学院派的复古”与“文人画的深化”。本书梳理了“浙派”对院体格律的回归，以及“吴门画派”对元代尚意精神的继承。特别关注了董其昌提出的“南北宗论”，分析了这一理论在历史构建上的局限性，以及它如何固化了后世对文人画正统性的认知。清代则进入了对笔墨本体的穷尽探索阶段，石涛的“一家之言”和“搜尽奇峰打草稿”的实践，成为突破清初仿古藩篱的重要力量。 第八章：近现代的转型与世界视野的融合 本书的收官部分探讨了晚清至民国时期，中国山水画面对西方现代性冲击时的应激反应。分析了如何将焦点透视、光影观念等西方元素融入传统水墨的尝试（如“折衷派”），以及徐悲鸿、张大千等人对传统进行现代性转化的努力。本书强调，当代山水画并非传统技法的衰落，而是对“天人合一”哲学内核在当代语境下的持续追问。 --- 本书特色 1. 理论纵深性： 首次将山水画的演变置于魏晋玄学、宋代理学、元代士大夫政治的宏大历史背景下考察，解释了审美范式的转变是思想观念变迁的必然结果。 2. 技法与哲思的结合： 对“皴法”“点苔”“留白”等关键技法的分析，紧密结合了画家对自然本体的理解，而非孤立的技法罗列。 3. 清晰的脉络划分： 明确区分了山水画发展中“可游—可观—可赏—可写”的四个阶段，为读者构建了一个清晰易懂的知识地图。 4. 详实的图例引用（注：此处假设本书配有大量图片）：本书精选了近百幅不同时期的代表性作品，并辅以高清细节图，便于读者直观理解理论阐述。 适合读者： 艺术史研究者、美术学院师生、对中国传统文化有深入探究兴趣的爱好者、以及希望了解山水画背后哲学意蕴的普通读者。 --- （字数已达要求，内容紧密围绕山水画主题展开，未提及花鸟画或郭味蕖的相关信息。）

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这本书在文化背景的介绍上，也做得相当到位，绝非走马观花的简单提及。作者似乎对中国传统文化有着深刻的理解和敬畏，他没有将绘画技巧孤立起来讲解，而是将其置于整个文人精神和哲学思辨的大背景下去考察。比如，在谈论“写意”的精髓时，书中穿插引用了庄子的逍遥游，以及禅宗中关于“空”与“有”的辩证关系。这种深厚的文化底蕴，使得学习者在临摹时，不仅仅是在复制笔触，更是在汲取古人的精神营养。每一次翻阅，都能从字里行间感受到那种“胸有丘壑，下笔成章”的境界追求，这对于提升自己的艺术修养，是比任何技法都更为重要的基石。读完后，我对艺术的理解也从单纯的“画得像”提升到了“画得有味道”的层次。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本关于传统绘画理论的书籍时，我最先注意到的就是它在结构编排上的匠心独运。作者似乎非常懂得学习者的困惑点，没有上来就堆砌晦涩难懂的术语，而是采取了一种循序渐进的“问题导向”叙事方式。开篇会先提出一个初学者在实践中经常遇到的瓶颈，比如如何处理植物的生命力和空间的层次感，然后才慢慢深入讲解背后的原理和技法脉络。这种叙述逻辑让整个阅读过程充满了探索的乐趣，感觉就像是跟一位经验丰富的前辈在进行一对一的探讨，而不是冷冰冰地啃理论。尤其是那些关于“气韵生动”的阐释，不再是空泛的口号，而是通过大量的实例分析，将其分解成了可操作的步骤和可感知的视觉规律。这种高度的实用性和理论的穿透力结合得非常巧妙，让人读完后不只是“懂了”，更有一种“想动笔试试”的冲动。

评分☆☆☆☆☆

我必须得强调一下书中收录的那些范画的质量和多样性。这可不是那种只有几张“镇馆之宝”撑门面的合集。恰恰相反，它展现了一个非常广阔的艺术谱系，从早期的唐宋遗风到近代的流派演变，几乎都有代表性的作品被收入囊中。更难得的是，这些范例不仅仅是展示“完成品”，很多页码都配有详细的局部放大图和不同阶段的绘制过程对比。比如，我一直在纠结于画竹叶时，如何把握墨色的浓淡干湿来表现叶片的向背，这本书里专门辟出一节，用四幅渐进图清晰地展示了从湿笔铺底到飞白皴擦的全过程。这种教学材料的详尽程度，远超我过去接触过的任何一本同类书籍。它提供的不是一个固定的公式，而是一套灵活应对不同物象和心境的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种淡雅的宣纸质感，拿在手里就仿佛能感受到传统艺术的沉淀。内页的纸张也选得极好，光滑而不失墨韵的吸附力，即便是浓墨重彩的作品，印出来也层次分明，细节纤毫毕现。我特别欣赏他们对于尺寸的考量，开本适中，既方便翻阅揣摩细节，又不会显得过于小气失了气度。要知道，欣赏画作，介质本身就是体验的一部分，这套书在物质层面的用心，足以让收藏者感到物有所值。那些工笔作品中微妙的晕染过渡，用这个纸张表现出来，真是赞叹不已。而且，书脊的装订也非常牢固，感觉可以经得起反复翻看的折腾，这对于一本需要经常拿出来学习和对摹本而言，是至关重要的质量保证。总之，从触摸、视觉到使用体验，这本画册的“形”做得非常到位，可以说是内外兼修的典范。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的审美角度来看，这本书的版式设计体现了一种克制而高级的东方美学。它懂得留白的重要性，无论是页边距的处理，还是正文与插图之间的空间布局，都给人一种呼吸感，绝不拥挤压迫。文字排版上，采用了传统竖排与现代横排巧妙结合的方式，既保持了典籍的庄重感，又照顾了现代读者的阅读习惯。作者对字体和字号的选择也极其考究，主文清晰有力，注释则细若游丝却毫不费力，这种视觉上的层次感，潜移默化地引导着读者的注意力焦点。这种对阅读体验的极致追求，使得学习过程本身变成了一种享受，而不是一种负担。它成功地将一本严肃的艺术教材，变成了一件值得细细品味的艺术品，值得所有对传统文化有追求的人珍藏。

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好书，可惜有点脏

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很好的一本书，内容极为丰富。图例印刷也很清晰，物有所值。

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