写给大家的中国美术史（精装） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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蒋勋 著

图书标签:

• 中国美术史
• 美术史
• 艺术史
• 绘画
• 雕塑
• 书法
• 建筑
• 艺术
• 文化
• 历史

出版社： 生活·读书·新知三联书店

ISBN：9787108053138

版次：1

商品编码：11785640

包装：精装

开本：16开

出版时间：2015-10-01

用纸：铜版纸

页数：328

字数：100000

编辑推荐

　　

　　——这是一部图录式的中国美术史。全书以扼要、生动的文字，240多幅彩图，分15个部份系统地阐述了中华民族的美术发展历程。本书没有艰深的专业词汇，也没有学究式的资料考证；完全以一般人的阅读能力和思考范围来编写，是一本写给大家的中国美术史。

　　——本书的编排周密、详细，文笔简洁生动，评论中肯，时有不同凡响之语，许多简明的结论闪耀着真知灼见。这是一本给人才智的、能引起大众阅读兴趣的、有教育价值的艺术史著作。全书共分十数个章节，以朝代为主线，连接各种流派、每位画家书的重要作品，终形成一部简洁而又有血有肉的中国艺术史。全书插图300余幅，占内页版式的一半以上，所选作品皆为中国历代名画中的精品，并全部彩印，图文交相辉映，可称得上是精彩照人。读者不妨“请读片断”一试。

　　——传统文化是活着的文化，不但活着，而且不能只活在学者专家身上，必须活在众人百姓之中。本着这个信念，作者摒弃学者式的考据来写这本书，与年轻一代娓娓交谈，谈中国美术的历史和方方面面，旨在培养年轻一代对美的信仰。书中主要内容有绘画的开始、象形文字、彩陶、半坡出土的彩陶、中国北方出土的彩陶、直线和曲线、线条、涂面和留白、黑陶、刻、印、拓、商周、铜器、动物画、想象力的发挥、人物画、春秋战国、帛画、写实肖像画、帛画、写实和想象的结合等。

　　——台湾学者蒋勋所著的《写给大家的中国美术史》是一本别具一格的学术著作。他试图用简约的篇幅、概括的手法和通俗的语言，勾勒出中国美术的诞生、演变及其发展脉络。全书搜罗了大量的中国画家的经典之作，作为他的文字的补充。这部《中国美术史》虽然未必尽善尽美，但这种尝试和开拓精神是值得赞赏的。（陈诏《域外读书生活杂记》）

　　——蒋勋在台湾教授中外美术史，所著《写给大家的中国美术史》影响很大。他善于举重若轻无地将艺术历史浅显讲出，并将艺术人物、事件和作品与政治人文社会的历史相勾连，立体地写出其内在血脉关系，同时轻轻地点缀一些鲜为人知的艺术家轶事。（宋文京《诗意的缺失》）

　　——中国美术史，并不是只有美术学院的学生才需要读。《写给大家的中国美术史》是一本大家需要读也读得懂的美术史。本书作者就是“单纯的像孩子一样，去再一次观看那中国古老的彩陶、斑驳的青铜器；看故宫博物院一片一片发黄残破的绢帛上，晋唐人的字迹和墨痕；看矗立在石壁上巨大的北魏石刻佛像的庄严；看深藏在洞窟中暗无天日、然而依旧灿烂夺目的敦煌彩绘。”（《扬子晚报》）

内容简介

　　《写给大家的中国美术史》成于90年代初，二十多年来经久不衰，一直是蒋勋先生的代表作。“传统文化是活着的文化，不但活着，而且不能只活在学者专家身上，必须活在众人百姓之中。”本着这个信念，作者摒弃学者的卖弄和专家的炫耀之心，与年轻一代娓娓交谈。依照朝代的次第，《写给大家的中国美术史》周密地连缀起各个流派与名家，文笔简明生动，亲切有趣，闪烁着真知灼见，最终成为一本有血有肉的中国美术史入门书。本书首先在台湾及香港地区发行，深受读者欢迎，三联书店于1993年引进出版，2000年改版重印。本次出版，开本为170*245mm，全彩精装，与2014年出版《图说中国绘画史》相同。

作者简介

　　蒋勋，福建长乐人。1947年生于古都西安，成长于宝岛台湾。台北中国文化大学史学系、艺术研究所毕业。1972年负笈法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台后，曾任《雄狮美术》月刊主编，并先后执教于文化、辅仁大学及东海大学美术系系主任；同时并多次举办画展。作者近年专事两岸美学教育的推广，出版有小说、散文、艺术史及美学著作十余种，包括《美的沉思》、《艺术概论》、《写给大家的西洋美术史》、《天地有大美》、《破解达文西密码》、《破解米开朗琪罗》、《孤独六讲》等。

目录

序
绘画的开始
商周
春秋战国
汉
魏晋
东晋
北魏
西魏
唐
五代
宋
元
明
清
清末民初
图片索引

精彩书摘

　　唐代最美的菩萨是敦煌洞窟中彩塑的部分。 　　“彩塑”是用泥土来塑造人像，然后再在泥土的人像上，用色彩来绘画。 　　所以，我们可以说，“彩塑”是结合雕塑和绘画的一种艺术。 　　唐朝彩塑的菩萨，是世界上最美的艺术品之一。 　　你看，那尊菩萨很端庄地坐在台座上，一只脚盘曲，另一只脚垂到地面。这是一种很舒服的坐法。 　　他头上有很高的发髻，胸前佩戴了黄金和珠宝镶嵌的“璎珞”。 　　你注意看，这尊菩萨嘴唇上还有胡须。 　　菩萨在印度原来是男人的形象，所以有胡须。到了中国，因为中国人觉得菩萨慈悲，很像母亲，所以逐渐从男性变成了女性。 　　唐宋以后，很多敦煌彩塑的菩萨也没有胡须了。 　　这些女性化以后的菩萨，神情特别柔美。她们眉眼低垂，仿佛存思考人生的问题；嘴角带着微笑，似乎已经领悟了智慧的答案，内心充满喜悦。 　　彩塑菩萨身上的色彩非常美，但是用色的种类并不多，常常只是朱红、石绿和蓝色，可是仍然可以造成非常华贵明亮的对比效果。 　　我们看这一尊站立的菩萨。她右手当胸，左手下垂，连手指都有很多细腻的动作，微微弯曲，好像一朵花一样。 　　她身上衣裙的皱褶那么柔软，完全使我们忘了这是泥土做的。我们可以很清楚地看到，绘画中毛笔画的衣纹线条和这里彩塑中的衣纹线条是一样的。 　　菩萨的造型是从哪里来的？ 　　唐代的菩萨，既然不以印度的菩萨为依据，那么就一定另有造型上的参考对象罢？ 　　有人说“菩萨即宫娥”。 　　“宫娥”是指宫廷里的美女。 　　唐代的人都这样说。他们大概也已经知道，这些美丽的菩萨，不再是印度佛经中的神，而是人间的美丽女子。　　……

前言/序言

　　序　　跟年轻一代的学生们讲中国美术史，一直是我多年来的心愿。　　在欧洲读书的时候，很羡慕西方国家整理出来的，各式各样的儿童读物和青少年读物。这些读物大多是深入浅出地，把他们民族文化的传统，用一点也不艰深的方式介绍给下一代。　　这些介绍传统文化的书籍，虽然出自重要学者专家之手，却绝不故作高深，没有学究式排比资料的自我陶醉，也没有炫耀专业知识的虚荣。他们似乎非常清楚，所谓“传统”，就是活着的文化，不但活着，而且不能只活在学者专家身上，必须活在众人百姓之中。他们也了解到，传统的介绍，不只是考证复古，而是要启发现代人的生活，使现代人生活得更活泼、更圆满，而不是更窒息僵化，不是用传统压死下一代活泼的生命力。　　这样一个心愿，多年来我不敢实现，是因为有着主观和客观的许多障碍。当然，最主要的，是自己始终也没有干净地摆脱“学者”的陶醉罢。下过几次笔，吊书袋子、卖弄考证、炫耀专业知识的毛病，不觉就要流露出来。我知道，我还没有资格写一本单纯教导学生们爱美之心的书。　　我因此要特别感谢卓刘庆弟女士，没有她一清如水的对孩子的未来近于梦想的爱，我想，这本书我还是迟迟不敢下笔。　　因为她的鼓励，我开始重新思考，如何可以摆脱学者的卖弄，如何摆脱知识专家的炫耀之心，单纯地像孩子一样，去再一次观看那中国古老的彩陶、斑驳的青铜器；看故宫博物院一片一片发黄残破的绢帛上，晋唐人的字迹和墨痕；看矗立在石壁上巨大的北魏石刻佛像的庄严；看深藏在洞窟中暗无天日，然而依旧灿烂夺目的敦煌彩绘……　　这个民族，历经数千年不曾停止的对美的信仰，下一代还有福分继承吗？　　我想反复叮咛，一而再、再而三地叮咛，因为那永不停止的对美的信仰，才是年轻一代真正应该读的“中国美术史”啊！　　这本书写作期间，为了了解年轻一代的阅读能力或思考范围，我不断以我的干女儿姚若洁做对象，作为我叙述的对象参考，她是这本书的“顾问”。　　我相信，这本书尚有许多不完备之处，但是，我高兴自己在“美”和“年轻人”间找到了一种自在，使我重有了观看一切美丽事物的单纯之心。　　写到最后，我只是觉得在不断把年轻人带领到“美”的面前，使你们聆听“美”的言语，使你们在“美”的面前惊讶、好奇、流连、低回，使你们在此后可能辛苦艰困，也可能丰富灿烂的一生中有所依伴，知道无论在如何的处境，不能放弃了对美的信仰。　　这本书因为两个都有孩子之心的好友而完成，因此这本书也应当属于她们——卓刘庆弟及姚若洁，以及更多的青年朋友，谢谢。

好的，这是一本关于中国古代绘画艺术的专著简介，旨在深入探讨中国绘画自远古至清末的演变历程、风格流派及其背后的文化思想。 --- 《丹青千年：中国古代绘画通论》 书籍简介 本书旨在全面梳理和深入剖析中国古代绘画艺术波澜壮阔的发展历程，从新石器时代的岩画遗迹，到魏晋风骨的初现，历经唐宋盛世的辉煌，元明清的变革与延续，构建一幅清晰而富有洞察力的中国绘画史全景图。我们不仅关注作品的技法演变、风格更迭，更着重探讨艺术思想的根源、社会思潮的影响以及文人画体系的内在逻辑。 第一部分：肇始与奠基——史前至魏晋 绪论： 本部分首先探讨“图画”在中国古代文明中的初始地位。从史前洞穴壁画、彩陶上的几何纹样和动物形象，揭示早期人类对世界朴素的认知与表达。随后进入商周青铜器上的复杂装饰纹样，这标志着图案设计开始服务于礼仪与权力象征。 汉代： 汉代是图像体系成熟的开端。本章重点分析汉画像石、画像砖的艺术成就。这些图像承载着对生死观念、神话信仰和现实生活的描绘。我们剖析其造型的稚拙与古朴，以及叙事手法的成熟，探讨这些“民间”艺术如何为后世的线条和构图提供了重要的造型语言基础。 魏晋南北朝： 这是一个思想剧烈碰撞、艺术观念发生深刻变革的时代。佛教艺术的大量涌入，对人物造型产生了革命性的影响，尤其是在“褒衣博带”的描绘中，体现了对生命气韵的关注。本章详述顾恺之“传神写照”理论的提出，解析其“外师造化，中得心源”的内涵，及其对后世“以形写神”美学标准的奠定作用。对陆探微、张僧繇等名家的风格特征进行比较研究，展示了从朴拙到秀逸的过渡。 第二部分：盛世气象与文人崛起——唐宋绘画的辉煌 唐代： 唐朝是中国古典艺术的顶峰。本章分为宫廷画与文人画两大部分。在宫廷画中，重点分析吴道子的“吴带当风”的线条魅力，及其在佛教造像和山水画领域的开创性贡献。阎立本、周昉、韩滉等大家的作品，反映了盛唐气象的恢宏与写实精神。同时，对盛唐“青绿山水”的装饰性与富丽堂皇的特点进行细致分析，并探讨其与宫廷生活、士大夫阶层审美趣味的关联。 五代十国： 这是一个承上启下的关键时期。荆浩、关仝、李成等人的山水画探索，标志着中国山水画从描摹自然向主体心境表达的重大转型。我们着重考察荆浩《匡庐图》中所体现的“雄伟”与“高远”的审美取向，以及如何奠定北方山水画派的基调。 北宋： 北宋是写实主义和院体画的巅峰。李成、范宽、郭熙等巨匠如何构建了宋代山水画的“格法”。特别是范宽《溪山行旅图》所展现的浑厚雄强与整体结构感，如何体现了“仰视”的哲学高度。同时，本章深入剖析了宋代院体画的严谨性、对光影的微妙处理，以及在界画方面的成就。 文人画的觉醒： 苏轼、黄庭坚等人对“意不在笔先”的提倡，是绘画史上一次划时代的理论突破。我们探讨米芾父子开创的“米家云山”——一种强调笔墨趣味与个人情感抒发的画风，及其与官学派绘画的内在张力。 南宋： 南宋绘画更趋向内敛与抒情。马远、夏圭的“边角式”构图，以留白处理来营造空灵的意境，是“以少胜多”的典范。本章探讨这种“微观世界”的营造，如何与偏安一隅的时代情绪相契合。同时，对院体人物画中李唐一脉的写实功力和对民间生活描摹的深化进行考察。 第三部分：风格的定型与转向——元明清的流变 元代： 元代是文人画彻底主导画坛的时期。本书详细梳理“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的艺术成就。着重分析他们如何将书法入画，如何通过枯湿浓淡的墨法，表达对元室衰微的复杂情感，以及倪瓒“逸笔草草，不求形似”的精神追求。同时，对赵孟頫“复古”思想的价值及其对后世的影响进行辨析。 明代前期： 这一时期，院体（如“浙派”）与文人画（以“吴门画派”为代表）并驾齐驱。我们分析“浙派”的雄健笔法与对“院体”精神的继承，再转向沈周、文徵明、唐寅、仇英组成的“吴门四家”。尤其剖析吴门画派如何将元代文人画的精神发扬光大，并在技法上追求雅致与细腻，形成各自鲜明的个人面貌。 明代中晚期： 董其昌提出的“南北宗论”，成为后世评判画史的重要标尺。本章探讨其理论的合理性与局限性，及其对文人画体系的集大成与规范化影响。对“松江画派”和“晚明公安派”等地方性流派的兴起，以及他们如何突破陈规，尝试新的笔墨语言进行细致的考察。 清代： 清代绘画呈现出高度复杂和多元化的面貌。 早期： 以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的正统派，其“临摹古人”的创作方式，体现了对传统典范的极度推崇与对笔墨规范的集大成。我们将分析他们如何将历代名家的笔法熔铸一炉，形成“集古”的理论基础。 革新与冲突： 与正统相对立的是以“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）为代表的“个性解放”者。我们深入分析八大山人的极简笔墨与冷峻意趣，以及石涛“我自有一源”的创新精神，探讨他们如何通过扭曲的造型和奔放的笔墨，表达对时代变迁的深刻反思。 晚清： 晚清的绘画在既有的文人画体系内寻求新的出路，海派（吴昌硕）等对民间艺术和金石学的吸收，预示着中国画向近现代转型的方向。 结语： 艺术的传承与创新——总结中国古代绘画在哲学、审美与技法层面留给后世的宝贵遗产。 本书特色： 1. 史料扎实： 整合了大量的考古发现与历代著录，确保论述的准确性。 2. 体系清晰： 按照时间脉络和地域流派的逻辑，构建起严谨的知识框架。 3. 理论辨析： 不仅介绍画作，更深入探讨如“气韵生动”、“笔墨趣味”、“南北宗”等核心美学理论的形成与演变。 4. 图版丰富： 每一重要画家和流派均配有精选的代表性高清图版，便于读者直观理解。 本书是艺术史爱好者、专业学生及所有渴望了解中国传统文化深层精神的读者不可或缺的深度读本。

评分☆☆☆☆☆

我特别赞赏作者在处理那些“非主流”艺术形式上的平衡性。众所周知，中国美术史的主流叙事往往集中在唐宋绘画、元代文人画这些被高度推崇的领域。然而，这本书的编排却很有气度，它没有忽视那些在历史长河中可能被短暂遮蔽的艺术力量。比如，那些关于早期雕塑、地方民间艺术，甚至是特定时期工艺美术的探讨，都给予了足够的篇幅和应有的尊重。这些细微之处的补充，极大地丰富了我对“中国美术”这个概念的理解，让我意识到艺术的生命力是多么的多元和顽强。这不再是一本狭隘的“学院派”教材，而是一部包罗万象的文化全景图，展现了不同阶层、不同地域的审美实践是如何共同构筑了中华文明的艺术底色。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配图质量和排版布局，简直是教科书级别的典范。我深知，艺术史书籍的成功与否，很大程度上取决于图像的呈现效果。这本书在这方面做得无可挑剔。每一幅重要的作品插图，都占据了恰当的位置和尺寸，色彩还原度极高，很多细节的呈现甚至超越了我在博物馆实地观察的效果。更值得称道的是，作者在排版时并没有让图像和文字成为互相干扰的元素，而是巧妙地将二者融为一体。关键的图文对照清晰明了，注释精准到位，使得读者在欣赏作品的同时，能够立刻理解到文字描述的要点。这种对视觉享受的极致追求，使得每一次翻阅都变成了一场沉浸式的艺术鉴赏之旅，让人心悦诚服。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙述方式，简直是为我们这些“非专业人士”量身打造的。我以前尝试读过一些学术性很强的艺术史著作，那些晦涩难懂的专业术语和动辄长达几页的理论分析，常常让我望而却步。但这本书完全不同，作者的文笔非常流畅、亲切，就像一位经验丰富的导游，带着我们一步步走进了中国艺术的浩瀚时空。他总能用最通俗易懂的语言，将复杂的历史背景、艺术流派的演变脉络，以及那些伟大艺术家的生平趣事娓娓道来。尤其欣赏的是，作者似乎特别擅长抓住那些最能引发读者共鸣的故事点，而不是一味地罗列时间线。这种讲述方式，极大地降低了阅读门槛，让原本高冷的艺术史变得鲜活有趣起来，我甚至会在通勤的地铁上忍不住笑出声来，完全没有枯燥感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧实在是太棒了，拿在手里沉甸甸的，那种厚实的质感，光是触摸就能感受到制作的用心。精装版的封面设计，那种古朴又不失现代感的风格，让人爱不释手。我本来就喜欢收藏实体书，看到这样一本装帧如此精美的书，简直是圆了我的一个心愿。书页的纸张选择也非常讲究，印刷色彩饱满、清晰，即便是细节处的纹理和笔触也能看得一清二楚。在阅读的过程中，这种良好的触感和视觉体验，无疑是为内容增添了极大的享受。我经常会花很长时间仅仅是翻阅书中的插图部分，感受那种扑面而来的艺术气息。对于我这种对艺术史有浓厚兴趣的业余爱好者来说，拥有一本如此高品质的实体书，不仅仅是获取知识的载体，更是一种精神上的满足和收藏的价值。可以说，光是看这本书的“外表”，就已经值回票价了。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的价值，我认为在于它提供的宏观视角和对时代精神的精准把握。很多艺术史书籍会把重点放在某一个朝代或某一位大师身上，但这本书却非常成功地构建了一个连续的、具有内在逻辑的中国美术发展长廊。它不只是在描绘“有什么”，更深入地探讨了“为什么会这样”。例如，它如何将不同时期的艺术风格变化与当时的社会思潮、哲学观念乃至政治气候联系起来，这种层层递进的剖析，让艺术品不再是孤立的图像，而是特定历史环境下的“活化石”。当我看到某些特定的绘画风格是如何对前朝风格进行扬弃和创新的过程时，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。这种结构化的理解，极大地提升了我对中国传统文化的整体认知水平。

评分☆☆☆☆☆

一直在京东买东西，价格划算，质量放心！一如既往的支持京东！一直在京东买东西，价格划算，质量放心！一如既往的支持京东！一直在京东买东西，价格划算，质量放心！一如既往的支持京东！

评分☆☆☆☆☆

蒋勋老师不仅学识丰富且人格魅力无限，听了他讲的细说红楼梦一发不可收拾，将所有书籍收入囊中，慢慢阅读，细细品味，人生六苦及欢乐慈悲，京东活动给力，抢券更优惠，这么多书我要努力学习啦！

评分☆☆☆☆☆

印刷精美的一本书美术史，书中有大量插图。

评分☆☆☆☆☆

一如既往的满意，包装满意、物流满意、小哥满意，赞！

评分☆☆☆☆☆

期待了好久的一本书，精装印刷都很好?。物流也很快，使我一睹为快。

评分☆☆☆☆☆

归去来，归去来，千山万水踏遍，

评分☆☆☆☆☆

蒋勋的讲美学算是买齐了。一直没弄明白，这本《写给大家的的中国美术史》和同为三联的另一本高居翰的《图说中国绘画史》是否是同一本？

评分☆☆☆☆☆

很厚的一本书，趁着双11的活动购置了一把，非常给力，书里的内容非常棒，建议喜欢中国美术史的人入一本。

评分☆☆☆☆☆

清晰的图片及讲解，非常不错的书。纸略厚，印刷非常好！