竹笛教程（四） 竹笛装饰音训练六十首 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张维良 著

图书标签:

• 竹笛
• 笛子
• 教程
• 装饰音
• 练习
• 训练
• 音乐
• 乐器
• 教材
• 传统乐器

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103052037

版次：1

商品编码：11959679

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 华韵系列

开本：16开

出版时间：2016-08-01

用纸：胶版纸

编辑推荐

　　《竹笛教程（四）——装饰音训练六十首》是张维良教授刚刚推出的一部新作。该书着重针对装饰音训练而编写。分为四个部分：第一部分为颤音、叠音、赠音、打音训练；第二部分为吐音、滑音、剁音、花舌音、历音训练；第三部分为丝竹风格训练；第四部分为二人台风格训练。本教程的训练目的是要掌握中国竹笛在传统音乐中一些重要的也是基本的装饰音运用手法。定价37元一本。
　　在传统时代，这种装饰是由乐师口传心授进行传承的，在这种环境下，风格、技艺等方面均会得到良好而纯正的保存。在社会结构改变的今天，这种传承模式逐渐遭到破坏，传统音乐的传承面临着极大的挑战。鉴于这种大背景，近三十年来，作者一直在思考怎样使传统音乐得以很好的传承，所以编撰了本系列教材。这部教材都是由简线谱组成，既符合广大竹笛爱好者学习的使用，又满足了各专业院校学生的教学要求。该教材均由人民音乐出版社出版发行。

内容简介

　　本书为“高等艺术院校民族器乐教学书系”、“中国音乐学院科研与教学系列丛书”之一册，属于“北京市属高等学校人才强教计划资助项目”教材。作为专项技术技巧训练教材，本书专门从装饰音的练习中，编写了多条练习曲，为学生掌握各种风格的演奏打下扎实的基础。

精彩书摘

　　中国民族音乐从传统的戏曲伴奏而到今天独奏、合奏的舞台化，只经历了区区一百来年的发展，与西洋音乐二三百年专业化的发展相比，它的时间太短暂了。欧洲音乐之所以能发展到今天这样的艺术高度并传播到全世界，其中一个最重要的原因是其音乐已经发展为一个完整的、科学的、系统的教育体系。与欧洲音乐教育体系相比，我们既缺少像他们那样丰富的、可供选择的教学曲目，也未形成像他们那样的严谨而又系列化的训练教材。针对目前这种状况，作者经过多年的教学实践积累，细心缜密的总结经验，形成一套教学教材编写的思路，试图建立一个竹笛教学体系，这与人民音乐出版社资深编审张辉教授组织编写的《华韵》民族音乐精品教材系列的思路属于殊途同归，对民族音乐教育体系、教材建设的同样思考，使这些执着的民乐人不谋而合。
　　纵观民族音乐区区一百来年的历史，无论是技术技巧，还是表演形式，都有了巨大的发展。尤其是近六十年来，各大专业音乐学院的教学更加趋于科学严谨，在众多大师级演奏家、教育家的努力下，逐步探索出了一系列科学的、系统地、严谨的教学理念，同时也培养出了一批批优秀的青年演奏家。但是，相对于教学上的科学化、系统化，民族音乐教材的编写和规范却略显不足，基本谈不上系统性、规范性、科学性和权威性。
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前言/序言

好的，这是一份针对您提供的书名《竹笛教程（四） 竹笛装饰音训练六十首》之外的、内容详实且自然的图书简介： --- 弦外之音：中国传统丝竹乐器演奏技艺精讲 一部深入剖析中国传统丝竹乐器核心魅力的综合性教程 本书并非侧重于单一乐器的技术训练，而是致力于构建一个宏观的、立体的中国传统丝竹乐器演奏美学体系。它聚焦于如何理解和运用不同乐器在合奏、独奏中所扮演的角色定位、音色处理以及情感表达的深层逻辑。 本书的编写者群体汇集了多位在民乐界享有盛誉的演奏家、作曲家与理论家，他们基于数十年的舞台实践与教学经验，旨在为中高级的民乐学习者、专业院校师生以及对中国传统音乐有浓厚兴趣的听众，提供一套系统、深入且富有启发性的参考资料。 第一部分：丝竹乐器的家族图谱与历史脉络 本部分将带领读者穿越时空，回顾中国传统键盘、弹拨、拉弦、吹奏四大类乐器的发展历程。我们不满足于简单的罗列，而是深入探讨了不同历史时期（如唐代的燕乐、宋代的院本、明清的文人音乐乃至近现代的民族管弦乐发展）对乐器形制、定音体系乃至演奏风格产生的深刻影响。 形制的演变与功能侧重： 详细比对了古筝、古琴、琵琶、二胡、扬琴、笙、唢呐等核心乐器在不同历史阶段的结构差异。例如，分析了明清以来“江浙派”古筝与“客家派”古筝在指法、音色处理上的根本区别，以及这种差异如何反映了地域文化的不同审美取向。 乐器体系的社会定位： 探讨了宫廷雅乐、民间戏曲、文人清玩这三种主要场景对乐器使用权限和演奏规范的要求，帮助读者理解何为“合宜的”演奏。 第二部分：中国音乐的“气韵”与音色哲学 不同于西方音乐对清晰音高和节奏的绝对强调，中国音乐的魅力往往隐藏在“气韵”和“腔体”之中。本章是全书的理论核心，它试图用现代的语言来解析传统审美。 “韵”的科学解析： 我们将“吟、猱、绰、注”等传统术语进行功能性拆解。这并非简单的技术描述，而是探讨这些揉弦、滑音、按音技法如何与人体的呼吸、心跳乃至自然界的声响产生共鸣，进而营造出“如泣如诉”的听觉效果。 泛音与“空灵”的构建： 特别针对古琴的“泛音”以及竹笛、笙的“叠音”现象进行深入分析。探讨了这些非基频成分如何在听觉上构建出中国音乐特有的空间感和层次感。 力度与色彩的平衡： 阐述中国传统乐器如何通过微小的力度变化（如强弱对比的瞬时性）来区分不同的情绪色彩，而不是依赖于宏大的音量对比。 第三部分：合奏的艺术：结构、配器与对话 在丝竹乐器中，个体价值的实现往往依赖于其在整体结构中的精确嵌入。本部分着重研究大型民族管弦乐队或小型丝竹乐队中的协作机制。 功能性配器法： 系统梳理了“旋律线（主奏）、和声衬托（织体）、节奏驱动（骨架）”这三大功能在中国音乐配器中的体现。重点分析了高音区、中音区、低音区各声部乐器（如笛子、中阮、大提琴/低音提琴）如何相互支撑，形成严密的音乐织体。 “应答”与“穿插”的技巧： 详细讲解了民间音乐中常见的“一问一答”的对白模式，以及在现代创作中如何巧妙地运用乐器间的音色“穿插”，实现流畅的过渡和情绪的推进。例如，分析了唢呐与笙在某一乐段中如何通过交替出现，模拟人声对唱的场景。 指挥与演奏者的非语言交流： 探讨了在没有西方标准指挥体系的背景下，民间乐师之间如何依靠眼神、呼吸和身体微小的动作来保持整体的步调一致性。 第四部分：经典曲目的演奏风格流派研究 本章通过对数首代表性曲目的深度剖析，展示了不同流派在处理同一首乐曲时产生的巨大差异，这有助于学习者确立自己的风格倾向。 《春江花月夜》的多元解读： 对比了上海派、广东派以及后海派对同一作品中“月光”、“水波”意象的音色处理方法，着重分析了其节奏处理的松紧度差异。 戏曲板式在器乐中的嫁接： 以板胡、京胡的演奏技巧为例，解析了“西皮慢板”、“二黄快板”等戏曲板式结构是如何被成功迁移到纯器乐作品中，并形成独特的演奏腔调。 现代语境下的创新与坚守： 探讨了当代作曲家如何借鉴传统元素进行创作，以及演奏家在面对新技术、新乐器（如电声效果的引入）时，如何保持对传统“精、气、神”的尊重。 结语：演奏的境界与终极追求 本书的最终目标是引导读者超越纯粹的技术模仿，达到对音乐意境的深刻体悟。我们相信，精湛的技艺是表达内心世界的工具，而非目的本身。这本书提供的是一把钥匙，用以开启中国丝竹乐器背后那片广袤而深邃的文化沃土。 --- 本书适用对象： 已掌握基础演奏技巧，寻求风格提升的中高级学习者。 音乐院校器乐专业学生及教师。 民乐团的配器师与合奏指导者。 对中国传统音乐文化有深度探究意愿的听众。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本教程对于“节奏的精准把握”在装饰音中的应用，有独到的见解。很多时候，我们练习装饰音，只顾着手指的速度，却忽略了它们在整体节奏中的位置。比如，一个附点音符后面接的装饰音，如果处理不好，整个乐句的律动感就会被破坏。这套教程里精选的六十首曲目，恰恰涵盖了各种复杂的节奏型，从二八拍到复杂的复合拍子，都有对应的装饰音练习。作者没有采用那种死板的节拍器式练习，而是将这些练习融入到旋律线条中。我特别喜欢其中几首模仿自然声响的练习曲，它们要求演奏者在模仿“鸟鸣”或“流水”的过程中，自然地带出快速的倚音和颤音，这种基于情景的练习，极大地激发了我的创造力和演奏欲望。我甚至觉得，这六十首曲子本身就可以看作是六十个小型演奏片段，而不是单纯的练习模块。它们不仅训练了手指，更训练了耳朵对节奏细微差别的辨识能力。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，作为一个已经学习竹笛有几年经验的业余爱好者，我常常觉得市面上的进阶教程总是停留在“更高难度的指法”上打转，而忽略了“音乐表现力”的提升。这本书却完全反其道而行之。它深入探讨了如何用装饰音来“塑造乐句的表情”。例如，在讲解“花舌”与“长音”的衔接时，书中特别强调了过渡时的力度变化和时值控制，指出装饰音不应该成为突兀的点缀，而应是旋律线条的自然延伸或强调。我记得有一首曲子，要求在长音的尾部加入一个极轻微的、几乎听不见的波音，但作者强调，这个波音的作用是为了“留住气息的余韵”。这种对细节的极致追求，让我对装饰音的理解从技术层面彻底转向了艺术层面。它让我明白，即便是最微小的音符，也有其存在的重量和意义。这对于提升我的演奏成熟度，无疑起到了关键性的引导作用。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书在排版和字体选择上，做到了让人眼前一亮。市面上很多教程，为了追求内容塞满，版面设计简直是灾难，五线谱和简谱挤在一起，加上那些密密麻麻的指法符号，看久了眼睛真的会花。但《竹笛教程（四）》的留白处理得恰到好处，每一个音符都有足够的呼吸空间。更重要的是，它对“气息的控制”这一至关重要的环节，进行了非常细腻的图文解析。通常装饰音的难点不仅仅在于手指的快速配合，更在于气息的稳定与变化。这本书里专门辟出了一章，用非常形象的比喻，比如将气息比作“水流的粗细”，来解释如何在快速的装饰音群中保持音色的均匀和连贯。我尝试着用书里描述的“轻柔的气息推动”去吹奏那些快速的波音和倚音时，效果立竿见影，原本听起来有些“毛躁”的音色，立刻变得圆润起来。这种从“技术操作”上升到“气息感知”的教学深度，是很多入门级教程里缺失的宝贵财富，它让你真正开始理解“吹奏”本身的美学意义。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的选曲眼光实在独到，尤其是那些看似简单的练习曲，实则暗藏玄机。我个人非常欣赏编者在基础指法和音准练习之外，对乐曲的编排所下的功夫。比如，在讲解“颤音”技巧的那一节，作者并没有直接抛出复杂的指法图，而是先用几首非常短小精悍的练习曲，让你在不知不觉中体会到颤音与旋律的融合，而不是单纯为了炫技。等到你真正用这些曲子练习到一定程度时，再去看后面的进阶技巧，会发现茅塞顿开。这和我在别处看到的很多教材，上来就给你一堆枯燥的音阶和琶音练习，让人望而生畏形成了鲜明对比。他们更注重的是“在音乐中学习”，而不是“为了练习而练习”。这种潜移默化的教学方式，对于我这种需要通过演奏来获得成就感才能坚持下去的爱好者来说，简直是福音。而且，教材中对不同竹笛流派的装饰音处理方式也略有提及，虽然篇幅不长，但足以拓宽我们的视野，让我们明白装饰音并非一成不变的符号，而是充满地域色彩和个人情感的表达方式。我感觉作者真的是一个深谙竹笛演奏精髓的实践者，而不是一个纯粹的理论家。

评分☆☆☆☆☆

这套书的价值，我认为很大程度上体现在其“系统性”和“可操作性”的平衡上。很多高级教程写得过于学术化，充满了大量的乐理术语和抽象的概念，初学者或中级学习者很难直接上手。但《竹笛教程（四）》却做到了将复杂的技巧拆解成可以执行的步骤。比如，针对那些需要高速跑动的装饰音组合，书中提供了一套“分段慢速组合练习法”，它不是简单地要求你把速度提上去，而是要求你在每个转折点上，都保持固定的气息支持和指位清晰度，然后再逐步衔接。这种循序渐进、注重“质量优先于速度”的理念，非常适合东方人含蓄而内敛的练习习惯。而且，书中给出的示范曲目选择也十分巧妙，它们既保留了传统竹笛曲目中装饰音的典范应用，又融入了一些现代音乐的和声色彩，使得练习过程不会感到沉闷，始终保持着一种既尊重传统又面向未来的学习动力。