具体描述
编辑推荐
★ 日本著名美术史论家、紫绶褒章获得者，《看名画的眼睛》作者高阶秀尔又一力作。
★ 以东西方对比的视角，捕捉至今尚未被意识到的日本美术的独特之处，对于了解东西方文化差异有重要意义。
★ 既有学术高度又能深入浅出，观点独到，内容涉及艺术的诸多领域，是了解日本美术特点的上乘之选。
★ 全彩插图版，图文呼应，让读者近距离触碰日本美术之美。
内容简介
日本著名美术史论家高阶秀尔继经典畅销书《看名画的眼睛》之后又一力作！
作者曾留学巴黎大学，主要从事日本和西方美术研究。本书内容整理自他十几年间有关日本美术特点的研究，作者试图把日本美术放在国外，从与西欧对比的角度，捕捉至今为止尚未被意识到的日本美术的独特之处。其中，在论述日本与西欧文化的特点时，涉及诸多领域，从文学、艺术、风俗、历史等方方面面给人以启发，对于了解日本人独特的美感以及东西方的文化差异有重要意义。
作者简介
高阶秀尔，日本著名的美术史论家，曾留学巴黎大学附属美术研究所，主要从事日本和西方美术研究。曾任东京大学美术史研究室教授、国立西洋美术馆馆长，现任日本西洋美术财团理事长。出版有《日本近代美术史论》《日本近代的美意识》《西欧艺术的精神》《19-20世纪的美术：东西方的相遇》《看名画的眼睛》等著作和译作近百部。2000年获得日本政府颁发的紫绶褒章，2012年日本文化厅授予他文化勋章，以表彰他对于文化发展所作的卓越贡献。
译者范钟鸣，1984年毕业于上海师范大学艺术系，1986年赴日，1989年受美国亚洲文化协会邀请赴美从事艺术创作交流。现为职业艺术家、艺术评论家。译著有《日本美术尚未诞生》《看名画的眼睛》等作品。
内页插图
目录
第一章
日本美术的方法
日本美的个性
“物”与“形”
东方与西方的观法
垂枝形象
行旅图
装饰性原理
第二章
东方遇上西方
明治西洋画中的东方和西方
日本的前卫美术
日本的学院派
日本主义诸问题
第三章
变化之美——重复的记忆
变化的美学—— 四季与日本人的美意识
花色褪尽—— 绘画与文字的交响
记忆的遗产—— 无形文化中的日本传统
精彩书摘
日本美术的特性
众所周知，在19 世纪后半叶，日本浮世绘版画、屏风画、绘草纸、陶瓷器、家具以及摆设品等大量日本美术品进入了欧洲，所谓“日本主义”的流行给西欧艺术家们带来很大的影响。当然不可否认的是，也有对于那些平常看不习惯的遥远异国的东西感到好奇的因素，但还不止这些，对于新的造型表现的新鲜感和惊异也是“日本主义”流行的一个巨大原因。就是说，过去不曾在西欧艺术里见到的各式各样的特质在不同于异国情调的层面上抓住了人们的心。
例如，很早就对日本美术有所关心的法国批评家恩斯特·谢斯诺于1869 年在题为“日本美术”的讲演中举出，在屏风、插图、工艺品上见到的日本美术的特色为：第一，缺乏对称性；第二，图式化；第三，色彩。他后来在1878 年世博会时发表了题为“巴黎的日本”的长篇评论文章，他在文中表明“意想不到的构图形态之巧妙，色彩之丰富，绘画效果的独创性，还有为了达到以上目的而使用的绘画手法的简明性”是欧洲艺术家、艺术爱好者们为之赞叹的对象。这里重要的是谢斯诺指出的“特色”不是日本的和服或团扇等异国主题，而是构图、色彩等纯粹与造型相关的特质。实际上，当时的欧洲艺术家们是出于具有新的表现可能性的理由而接受日本美术的。也就是说，到那时为止，欧洲的绘画表现里是不具有谢斯诺在日本美术中认可的诸“特色”的。
实际上，19 世纪后半叶，直到马奈、莫奈出现为止，西欧绘画是以文艺复兴确立起来的再现现实的表现为基础的。具体来说，就是用透视法、质感画法、明暗法等再现眼睛看到的三维空间和三维对象。透视法是从一定视点看出去的有深度的空间在有限的画面框架里合理地构建出来的方法。质感画法和明暗法是把人体等对象用高光和阴影，也即通过明部与暗部的推移、对比画出真实感的再现方法。换言之，可以说这些方法就是要在二维的画面上创造出三维的幻象。当然，这种方法在不同的时代、不同的地域、不同的流派下呈现出各种各样的多样性。但这些多样性只在一定的范围内变化，在再现现实的意义上，写实主义从文艺复兴的古典主义到19 世纪的学院派，一直都是西欧绘画的根本。
与此相对，日本美术不追求西欧绘画意义上的三维世界的表现。相反他们尊重、强调二维平面的画面本性。当然，这并不意味着日本美术不懂空间的扩延或空间中的人物及其他各种对象的存在关系。在日本美术中，例如风景画或叙事画上就必须明确表现空间的扩延或人物们的位置关系。那是当然的，而且事实上都明确地表现了出来。到了近代初期发达起来的《洛中洛外图屏风》那样的都市图等，都明了地表现出了都市的扩延，以及其中各种各样建筑的位置和生活在其中的人们的姿态，表达了极为复杂的空间构造，只是表现的方法与西欧是不同的。
西欧的透视法就像在某个位置上架起照相机按下快门一样，画家的视点需固定在一个地方，对象也必须在一定不变的状态中，这是基本的前提。画家与对象的距离差在画面上翻译为形状的大小不同、色彩的鲜暗不一的绘画表现，这就是透视法。通过表现对象在光照下产生的阴影变化的方式方法就是明暗法。例如，描绘人物，在位置上离画家较远的就小一点，同时由于空气层的作用色彩不太鲜明。反过来说，画面上被画得很大的人物只表示他离画家较近而并非表现他身材高大，同样，颜色不鲜明的表示距离远，而不是衣服脏了。然而，实际上画家与对象的距离因画家的位置变化而变化，如果画家画人物时总是移动到对象身边画的话透视法就不能成立了，而且画中的人物都会被画得一样大且色彩鲜明。在《洛中洛外图屏风》上，日本画家所用的正是这样的画法。画家在街上自由行动，观察各式各样的场所，近距离地观看店铺的样子、人们的姿态，一部分一部分地不断将其搬到画面上，他把看到的所有事和物都并列在一起。总之，《洛中洛外图屏风》不是固定视点看出来的都市图。都市的各种各样的部分以多视点的方式被并置到了画面上。这些各式各样的部分里，诸如人物的脸型或衣裳的花纹等细节都被一一清晰地描绘出来，他们相互之间不存在距离感，所以画面整体上呈现出平面展开的面貌。甚至，视点自由移动还不仅限于街道。在描绘都市基本骨骼的建筑配置时画家的视点很高，似乎是从高塔上往下看去的一样。
就我们日常经验来说，从高处往下看时可以看清楚街道的构造，《洛中洛外图屏风》的画家正是用这样的视点向观者传达出都市的空间构造的，而且还把那些场所的人们的姿态以及生活情景描绘出来。这种情况下，由于是从上面看下去的，所以屋顶等就是如此画出来的，然而它们的正面部分，如，商店或路上行人的姿态又是从水平方向描绘出来。总之，《洛中洛外图屏风》集合了各部分的情景，其各部分又从俯瞰和水平的不同视点被一一画了出来，让它们并存在画面之中。
同样的情况诸如在《源氏物语绘卷》等许多室内场景的表现上也可以看到。就是说，为了能清楚表现建筑物的内部构造或房型，画家用从上往下的视点来描绘，而画中出现的人物则用水平的视点来描绘。为此，一般从上往下描绘的屋顶或天花板会遮挡室内情景，所以它们有时被省略或连房型也不画，这就是所谓“天井屋檐”的独特手法。这是一种无视或省略无用的、多余的东西的简约化原理，又是日本美术的一个特色。
前言?飘在半空写
干过市场一线之后，对“飘在半空”的一些东西深恶痛绝痛恨乃至鄙视，然而《众筹的解放》却是一本“飘在半空”的书。
首先，这不是一本执行手册。如果有一种力量叫作“启发力”的话，这本书就是要成为一本读完之后能启迪智慧的书，是启发者。很多问题和想法，乃至空想，会在本书中提出，但如何达到彼岸，写书的人也未必有完整的答案。
其次，写这本书的时候中国股市两次下探2600点，有一篇预计中国经济将进入严重的资产泡沫化的文章在互联网上疯传，人们对未来的不确定性达到了前所未有程度。李克强总理刚刚在北京做完保增长的经济报告，欧洲央行便率先放水，中国供给侧改革之路变得步履维艰。在这样的时刻，也许人们更需要一些“跳出去”的启发，而不是语重心长的婆婆妈妈。
生活需要一些潇洒的灵气，何必整天愁眉苦脸。飘在半空中写的书，也飘在半空中看吧！看完如梦方醒，才能去干那纵横四海改造世界的事情啊！
好吧，书接上段，在写《解放众筹》的时候，众筹还是个热爱奔跑的少年，面目不清，却光芒四射，人们说不明白他是谁，但却认定他就是未来。经过2014~2015年，尤其是2015年的大众集体躁动或者说“热恋”，大家对众筹已经有比较清晰的了解。作为新经济或者说互联网金融的代表之一，众筹能翻几千里的筋斗云，似乎大家已经都心里有数。尤其在一线城市，众筹已经不是投机者最好的投资项目。故事讲了一年，混沌不清的朦胧美即将散去，浑水摸鱼者要去寻找新的池塘，而走下神坛的众筹，要开始脚踏实地地做事了。
这很好，这才是事情本来应该有的样子。
众筹没有72变，也不能化腐朽为神奇。众筹只是一种方式和手段，能为善，亦可作恶。如果放到足够大的社会群体里，它可以发挥惊人的作用。但最终结果如何？工具并不重要，仍旧取决于众筹的标的物本身。
很多事，说开了，就不再好玩。
认识不好玩的世界，才能在这个世界上好好地玩。
李利珍（Nothing Li）
用户评价
阅读《看日本美术的眼睛》的过程，与其说是学习，不如说是一次充满惊喜的发现之旅。这本书最让我着迷的地方在于，它没有给我一个既定的答案，而是提供了一套观察和思考的“方法论”。作者就像一位经验丰富的侦探，引导我一步步剥开日本艺术作品的层层外衣，去探寻隐藏在其中的密码。我尤其喜欢他对于“物哀”美学的阐释，那不仅仅是对衰败事物的感伤，更是一种对短暂生命中美好事物的深刻珍惜。他用极为细腻的笔触，描述了江户时代浮世绘中那些描绘着短暂花期、落叶飘零的场景，以及它们如何触动了日本人内心深处的情感。我之前觉得浮世绘只是描绘歌舞伎和美人，显得有些肤浅，但这本书让我看到了其中蕴含的对人生命运的感慨，以及对当下瞬间的珍视。作者还举了许多古代绘画的例子，比如一幅描绘着褪色壁画的场景，他并没有仅仅停留在描述画面的破损，而是深入挖掘了这种“残缺”所带来的独特韵味，以及它如何象征着历史的沉淀和时间的流逝。这种对“不完美”的欣赏，让我感到非常震撼，因为在我们习惯了追求完美和崭新的当下，这种视角显得尤为珍贵。书中还穿插了许多与传统工艺相关的章节，比如漆器、染织等，作者通过讲述匠人们的耐心和坚持，以及他们如何将自然之物赋予生命，让我看到了日本艺术背后那种严谨而又充满敬畏的态度。这本书让我不再是浅尝辄止地看待日本艺术，而是开始尝试去理解它们背后所承载的文化 DNA，这种体验是前所未有的。
评分《看日本美术的眼睛》这本书，就像一位经验丰富的向导，用最平实的语言，为我揭开了日本艺术神秘的面纱。在此之前，我对日本艺术的了解，主要来自于一些零散的图片和电影片段，总觉得那是一种遥远而难以触及的文化符号。但这本书，却让我看到了日本艺术的“温度”和“人情味”。作者并没有像很多艺术史著作那样，堆砌大量的专业术语和复杂的理论，而是从一些非常生活化的场景入手，比如一扇拉门，一盏灯笼，甚至是庭院中的一块石头，然后引导我们去发现它们在艺术作品中所扮演的角色。我记得书中有一段，作者在讲解一幅描绘着四季景色的屏风画时，并没有着重于画面上色彩的丰富，而是着重于画面中那种“静”与“动”的对比。他描述了画家如何用浓淡的墨色来表现秋天的萧瑟，如何用轻盈的线条来暗示春天的生机，以及这一切如何共同营造出一种令人心旷神怡的氛围。这种对自然韵律的捕捉和提炼，让我看到了日本艺术的独特之处。书中还穿插了许多关于日本人的“物哀”情怀，作者将这种情感与一些描绘着落叶、残荷的艺术作品联系起来，让我看到了日本人对短暂生命中美好事物的珍视和感悟。这种对生命无常的体悟，让我对日本艺术有了更深的理解和共鸣。这本书让我不再是从一个旁观者的角度去“看”日本艺术，而是能够与之产生情感上的连接，甚至开始思考自己与世界的关系。
评分这本《看日本美术的眼睛》真是让我大开眼界，之前我对日本美术的了解仅限于一些浮世绘和武士道题材的电影画面，总觉得那是一种遥远而神秘的存在，甚至有些冰冷，缺乏人情味。然而，自从我翻开这本书，我的整个认知都被颠覆了。作者并非直接罗列名作，而是像一位耐心的向导，带领我一步步走进日本美术的肌理。他从最细微之处着手，比如一幅画作中看似不经意的留白，或者一件陶器上粗糙的质感，都成了他解读背后文化和哲学意味的钥匙。我记得其中有一段，作者在分析一幅屏风画时，并没有着重于画面上的人物衣着或是场景的华丽，而是深入探讨了画家如何通过色彩的冷暖对比，以及线条的疏密变化，来营造出一种宁静而又暗流涌动的氛围。他用非常生动的语言描述了这种“看见”的过程，仿佛我亲眼所见，甚至能感受到当时的微风拂过，听到远处传来的细语。更让我惊喜的是，书中还穿插了许多关于日本人的生活方式、宗教信仰甚至饮食习惯的内容，这些看似与美术无关的细节，却为理解作品提供了极为重要的语境。比如，在谈到禅宗对日本艺术的影响时，作者深入浅出地解释了“侘寂”美学是如何体现在一件粗陶茶碗上的，那种不完美中透露出的质朴和悠远，我之前从未体会到。这本书并非枯燥的艺术史科普，而更像是一次心灵的对话，让我重新审视自己对“美”的定义，也对日本文化有了更深层次的理解和共鸣。它教会我如何去“看”，而不仅仅是“浏览”，如何去感受那些隐藏在表象之下的深邃。
评分说实话，在读《看日本美术的眼睛》之前，我对日本艺术的认知相当有限，甚至有些刻板印象，总觉得那是一种离我们很远的、与现代生活格格不入的东西。然而，这本书彻底颠覆了我的这种看法。作者以一种非常独特的方式，将日本的古典艺术与现代人的情感体验巧妙地连接起来。他并没有像很多艺术史书籍那样，按照时间顺序或流派来梳理，而是从一些非常具有“日本特色”的意象出发，比如“寂”和“静”，然后顺藤摸瓜地去讲解与之相关的艺术作品。我印象最深的是，作者在分析一幅描绘雨景的屏风画时，并没有仅仅停留在画面本身，而是深入探讨了日本人如何通过对自然现象的细致观察，将雨的“声”、“形”、“意”都融入到艺术创作之中。他描述了画家如何用墨的浓淡来表现雨的疏密，如何用留白来暗示雨中的朦胧，以及这一切如何共同营造出一种令人心境平和、悠然自得的氛围。这种对日常自然景物的关注和提炼，让我意识到日本艺术的魅力并非仅仅在于技法的高超，更在于它与人内心世界的深刻连接。书中还穿插了许多关于茶道、花道等与日常相关的艺术形式，作者通过解读这些行为背后的哲学意义，让我看到了日本艺术并非高高在上，而是与生活息息相关，渗透在每一个细微之处。这本书让我不再觉得日本艺术是一种遥不可及的存在，而是能够与我产生共鸣，甚至影响我重新审视自己生活方式的一种力量。
评分这本书《看日本美术的眼睛》是我最近读到的最让我惊喜的一本书，它完全打破了我之前对日本艺术的固有印象。我一直觉得日本艺术要么是精致得有些过了，要么就是充满了武士道的冷酷，总觉得缺乏一种亲近感。然而，作者以一种非常温和、充满人文关怀的方式，引导我走进了日本艺术的世界。他并没有一开始就抛出那些艰涩的艺术理论，而是从一些非常生活化的场景入手，比如一碗清茶，一袭和服，甚至是一片落叶，然后将这些意象与日本艺术作品巧妙地联系起来。我印象最深刻的是，作者在讲解一幅描绘着僧侣修行场景的绘画时，并没有过多地描述画面的构图或是色彩，而是着重于画中人物的神态和眼神。他分析了僧侣那份平静而又坚毅的眼神，如何体现了日本佛教中“禅”的精神，以及这种精神是如何渗透到日本艺术创作之中的。这种对人物内心世界的关注，让我觉得日本艺术并非是冰冷的，而是充满了人性的温度。书中还穿插了许多关于日本传统工艺的章节，比如和纸、木雕等，作者讲述了匠人们如何将最朴素的材料，通过日复一日的打磨和传承，赋予它们生命和灵魂。这种对“匠心”的推崇，让我看到了日本艺术背后那份对职业的尊重和对完美的执着追求。这本书让我不再是机械地去“看”日本艺术，而是开始尝试去“感受”它们，去理解它们背后所蕴含的情感和智慧，这对我来说是一次非常宝贵的经历。
评分《看日本美术的眼睛》这本书，像是一扇窗户，让我得以窥见日本艺术背后更为广阔的文化 landscape。我之前对日本艺术的理解，更多地停留在表面的视觉冲击，比如那些精美的浮世绘，或是宏伟的寺庙建筑。但这本书，却带领我深入到这些艺术形式的“骨骼”和“灵魂”之中。作者以一种非常“慢”的节奏，引导读者去“看”那些被我们忽略的细节。我记得其中一章，作者在分析一件古老的陶瓷器皿时，并没有仅仅关注其造型的优美，而是着重于器皿表面那些细微的裂纹和磨损。他将这些“不完美”解读为时间留下的印记，是历史沉淀的象征，更是“侘寂”美学最生动的体现。这种对“残缺”之美的欣赏，让我感到非常震撼，因为在当下追求极致完美和崭新的社会环境中，这种视角显得尤为珍贵。书中还穿插了许多关于日本人的“生活哲学”，比如他们如何对待自然、如何对待时间、如何对待“物”。这些内容并非枯燥的说教，而是通过一个个生动的故事和鲜活的艺术作品，来展现这些哲学的具体形态。我特别喜欢作者在谈到“间”——空间留白时，他用了很多比喻，比如呼吸的空间、思考的余地，让我对这种东方特有的艺术表现手法有了全新的认识。这本书让我意识到，日本艺术并非只是冷冰冰的视觉呈现，它承载着一种独特的生活态度和哲学思考，而这些，才是真正值得我们去“看”和去“理解”的。
评分《看日本美术的眼睛》这本书，与其说是一本艺术鉴赏指南，不如说是一本关于如何“感受”世界的说明书。我之所以这么说，是因为作者在书中并没有过多地使用那些晦涩难懂的艺术术语，而是用一种非常平实、贴近生活的方式，来引导我们进入日本艺术的殿堂。他常常从一些非常日常化的场景入手，比如窗外的雨声，或者茶碗中漂浮的茶叶，然后巧妙地将这些意象与具体的艺术作品联系起来。我记得有一段，作者在讲解一幅描绘庭院景色的画作时，并没有着重于描绘画面的色彩多么绚丽，而是着重于画面中那种“虚”与“实”的平衡。他描述了画家如何通过留白来暗示广阔的空间，如何通过稀疏的笔触来表现风吹草动的轻微，以及这一切如何共同营造出一种宁静致远、引人遐思的意境。这种“虚”的概念，我之前在很多中国水墨画中有所体会，但在这本书中，我才真正理解了日本人是如何将这种“虚”的精神融入到他们的视觉艺术之中。书中还涉及了许多关于“物”的故事，比如一件古老的屏风，作者讲述了它如何在不同的历史时期被赋予不同的意义，以及它如何见证了时代的变迁。这种对“物”的生命力和历史感的关注，让我对很多被我们忽略的日常物品产生了新的敬意。这本书让我意识到，艺术并非总是存在于博物馆的展柜中，它就隐藏在我们的生活之中，隐藏在我们与世界的互动之中。
评分读完《看日本美术的眼睛》，我才真正明白，原来艺术不仅仅是摆在博物馆里的展品，它更是渗透在生活中的点点滴滴。作者用一种非常接地气的方式，让我看到了日本艺术的“另一面”。我之前对日本艺术的印象，总觉得它们要么是过于写实，要么就是过于抽象，总找不到一种能够引起我内心共鸣的点。但这本书，却让我看到了日本艺术中那种“含蓄”和“留白”的魅力。作者在分析一幅描绘着远山近水的画作时，并没有着重于画面上细节的刻画，而是着重于画面中那种“虚”与“实”的平衡。他描述了画家如何通过留白来暗示广阔的空间，如何通过稀疏的笔触来表现风吹草动的轻微，以及这一切如何共同营造出一种宁静而又引人遐思的意境。这种“虚”的概念，我之前在很多中国水墨画中有所体会，但在这本书中，我才真正理解了日本人是如何将这种“虚”的精神融入到他们的视觉艺术之中。书中还穿插了许多关于日本人的“物”的哲学，比如他们如何对待一件旧物，如何看待物品的损耗。这种对“物”的生命力和历史感的关注，让我对很多被我们忽略的日常物品产生了新的敬意。这本书让我意识到，日本艺术并非只是冷冰冰的视觉呈现，它承载着一种独特的生活态度和哲学思考，而这些，才是真正值得我们去“看”和去“理解”的。
评分这本书《看日本美术的眼睛》给我带来的最大改变，就是让我不再觉得日本艺术是冷冰冰的、遥不可及的。作者以一种非常亲切、几乎是絮絮叨叨的方式，引导我一点点地去走进那些作品的内心。他不像那些学院派的艺术评论家，上来就用一大堆专业术语把你吓退，而是用一种非常生活化的语言，比如“你看，这里就像我们家乡的河流一样”，“这个细节，是不是让你想起小时候玩泥巴的场景？”这种接地气的引导方式，让我感到非常舒服。我记得其中有一章，作者在分析一幅描绘着日常生活场景的浮世绘时，并没有着重于描绘歌舞伎的华丽服饰或是艺伎的精致妆容，而是着重于画面中那些普通人的喜怒哀乐。他讲述了画家如何通过人物的表情、肢体语言，甚至是通过画面的色彩搭配，来展现普通人在那个时代的生活状态，以及他们内心深处的情感。这种对“小人物”的关注，让我看到了日本艺术的另一面——它并非总是描绘宏大叙事，也能够细腻地捕捉到每一个个体的情感。书中还穿插了许多关于日本的传统节日和仪式，作者将这些习俗与相应的艺术作品联系起来，让我看到了艺术是如何融入日本人的日常生活，成为他们表达情感、传承文化的重要方式。这本书让我不再是仅仅用眼睛去“看”日本艺术，而是开始尝试用心去“感受”它们，去体会它们背后所蕴含的生命力和人文关怀，这对我来说是一次非常深刻的洗礼。
评分《看日本美术的眼睛》这本书，让我重新认识了“看”这件事本身的意义。我之前一直认为，看艺术品就是看它的造型、色彩、构图，看它是否精美，是否符合某种标准。但这本书，却让我明白了“看”更深层的含义——那就是去“感受”，去“理解”，去“共情”。作者以一种极其耐心的方式，引导我放慢脚步，去注意那些被我们轻易忽略的细节。我记得其中有一段，作者在讲解一件古代漆器时，并没有着重于其华丽的外表，而是着重于漆器表面那些细微的划痕和磨损。他将这些“不完美”解读为时间留下的印记，是历史沉淀的象征，更是“侘寂”美学最生动的体现。这种对“残缺”之美的欣赏，让我感到非常震撼，因为在当下追求极致完美和崭新的社会环境中，这种视角显得尤为珍贵。书中还穿插了许多关于日本人的“物哀”情怀，作者将这种情感与一些描绘着落叶、残荷的艺术作品联系起来，让我看到了日本人对短暂生命中美好事物的珍视和感悟。这种对生命无常的体悟，让我对日本艺术有了更深的理解和共鸣。这本书让我不再是从一个旁观者的角度去“看”日本艺术，而是能够与之产生情感上的连接，甚至开始思考自己与世界的关系，这对我来说是一次非常宝贵的经历。
评分还不错，看看日本人的视角
评分大师给你讲述日本美术的历史
评分还有意思的一本读物，日本绘画史
评分东西还不错，东西还不错，
评分喜欢这个作者写的书，收集
评分实惠值得购买
评分京东满百减五十活动给力，再加上优惠券，更加给力，闪电般的速递，给力*3。书很好，值得够买。
评分双十一购物狂欢节战利品，价格还行
评分挺不错的 很好很好
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