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周海宏 著

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810963657

商品编码：1218682497

出版时间：2011-07-01

作  者:周海宏 著作 定  价:52 出 版 社:中央音乐学院出版社 出版日期:2011年07月01日 页  数:415 装  帧:平装 ISBN:9787810963657 ●音乐何需“懂”——重塑音乐审美观念
●走出用文学化、美术化方式理解音乐的误区——对普及严肃音乐的理论与实践问题的分析
●对现代音乐的美学思考
●开创的一代转折的一代矛盾的一代——青年作曲家的创作、苦衷与矛盾
●从“不美”到“不是”——艺术的底线
●艺术与艺术家的本质及现代艺术“打假”
●关于“高雅音乐”与通俗音乐审美价值
●问题的分析
●“艺术的功能”与“艺术的本质”
●“音乐特殊性”及音乐艺术的本质与功能——由《音乐审美经验感性论原理》而发之一
●“内容”与“形式”问题的梳理——兼再谈音乐美学研究中的方法论问题
●同构联觉——音乐音响与其表现对象之间中介转换的基本环节
●音乐音响结构的审美特征
●音乐音响结构的基本审美原则及其心理依据
●音乐创作活动的审美特征
●音乐美学研究中的方法论问题
●“存在”与“音乐的存在”兼及这一论题本身
●社会科学成果评估的基本理论问题
●危机中的抉择——对改造、发展民族传统音乐文化的再认识
●对关于*国音乐发展问题讨论的分析与思考——兼又谈学术研究中的方法论问题
●部分目录

内容简介

《音乐何需“懂”：面对审美困惑的思辨历程》收录了《音乐何需“懂”：重塑音乐审美观念》、《走出用文学化、美术化方式理解音乐的误区：对普及严肃音乐的理论与实践问题的分析》、《对现代音乐的美学思考》、《开创的一代转折的一代矛盾的一代——青年作曲家的创作、苦衷与矛盾》、《从“不美”到“不是”：艺术的底线》、《艺术与艺术家的本质及现代艺术“打假”》等有关音乐美学的论文。 周海宏 著作 周海宏博士，中央音乐学院教授，博士生导师，现任中央音乐学院副院长，音乐心理学学会副会长。从事音乐心理学、美学、教育学研究与教学工作。曾先后发表《音乐美学研究中的方法论问题》、《对部分钢琴演奏心理操作技能的研究》、《对现代音乐的美学思考》等学术论文40余篇，合作出版《音乐美学》、《儿童钢琴学习指南》等著作。近年致力于经典音乐普及教育，1998年以“音乐何需懂”为总题发表系列文章12篇，呼吁重建音乐审美基本观念，2009年出版讲座DVD《走进音乐的世界》；1998年以“琴凳上下”为总题发表系列文章12篇。围绕学琴问题普及音乐心理学与教育学的基本观念。博士论文《音乐与其表现的世界--对音乐音响与其表等

好的，这是一本关于色彩心理学与视觉艺术创作的图书简介，完全不涉及音乐主题： --- 《光影的密码：解析色彩心理与视觉叙事的艺术》 —— 一部深度剖析色彩如何塑造情感、驱动决策与构建世界观的视觉科学指南。 前言：被低估的第六感 我们生活在一个被色彩包围的世界里。从清晨唤醒我们的天空蓝，到吸引我们目光的商业标识红，色彩不仅仅是眼睛接收到的光波信息，更是我们潜意识中最直接、最原始的沟通媒介。然而，我们对色彩的运用往往停留在直觉和审美层面，鲜少探究其背后深藏的心理学逻辑与文化编码。 《光影的密码》并非一本教你如何调色的工具书，而是一本深入色彩神经科学、跨文化符号学与应用美学的理论著作。它旨在揭示，色彩如何作为一种强大的非语言工具，悄无声息地影响着我们的情绪状态、消费行为、记忆深度乃至社会交往模式。本书将带领读者，从物理光学的基础出发，步入色彩感知的心灵迷宫，最终掌握将颜色转化为有效视觉语言的艺术。 第一部分：色彩的生理学与心理学基石 (The Foundations) 本部分聚焦于色彩的本质及其在人脑中的处理机制。 1. 光的旅程与视觉的构建： 探讨光线的物理属性如何转化为生物信号。我们将详细解析视觉生理结构——视锥细胞与视杆细胞的工作原理，以及大脑皮层如何解析“色相”、“明度”和“饱和度”这三个核心维度。本章还会深入探讨色盲与色弱的生物学成因，及其对艺术欣赏和日常环境设计提出的特殊挑战。 2. 情绪的调色板：基本色块的情感共振： 这是本书的核心理论之一。我们摒弃流于表面的“红色代表热情”的简单标签，转而探讨色彩在不同刺激阈值下引发的生理反应。 蓝色系（冷静与信任的悖论）： 解析深蓝如何建立权威感，而浅蓝又如何诱发疏离感。探讨其在企业品牌形象建立中的应用，以及在医疗空间设计中，蓝色对心率和血压的微弱影响。 暖色系（能量与警示）： 深入分析红色、橙色和黄色的唤醒效应。不仅仅是激情，还包括对饥饿感、危机警报（如交通信号灯）的激活机制。特别关注“视觉噪音”阈值，即过度饱和的暖色如何导致疲劳。 中性色与大地色系（稳定与真实）： 探讨灰色、米色和棕色在构建“永恒感”和“可靠性”中的作用。分析当代极简主义设计中，中性色如何替代色彩本身，成为一种新的视觉“极简主义宣言”。 3. 色彩的感知偏差与认知陷阱： 本章剖析色彩知觉的相对性。我们将讨论同时对比效应、后像效应以及光照条件（如麦克白效应）对色彩判断的颠覆性影响。理解这些偏差，是确保设计色彩在不同环境下保持预期的第一步。 第二部分：符号、文化与色彩的叙事 (Culture & Semiotics) 色彩的意义并非普世，而是被文化与历史深度塑形的。 4. 跨文化符号学的色彩图谱： 本书对比了东西方及不同宗教文化对核心色彩的解读。例如，在西方文化中常用于婚嫁的白色，在某些东方文化中却是哀悼的象征。我们将系统梳理： 死亡与重生主题： 绿色在伊斯兰教中的神圣地位与在西方艺术中象征的嫉妒。 权力与财富： 紫色从腓尼基染料的稀有性到现代皇室色彩的演变路径。 净化与神圣： 不同文明对金色和银色金属光泽的崇拜逻辑。 5. 时间的印记：色彩在艺术史中的演变： 追溯从洞穴壁画到文艺复兴，再到印象派和现代抽象艺术中，颜料的稀有性如何决定了艺术家的色彩选择。分析“特吕弗蓝”、“提香红”等专属色调如何成为历史风格的标志，以及工业革命后人工合成颜料如何彻底“民主化”了色彩的表达范围。 6. 历史语境下的色彩政治学： 探讨色彩如何被用作身份的标记和政治的工具。从特定时期特定服装颜色的阶级限制，到现代社会中对“代表性”色彩（如特定政党的代表色）的争夺，色彩是权力结构中最隐蔽的编码之一。 第三部分：色彩在应用领域的策略部署 (Applied Strategy) 本部分将理论转化为实践，探讨色彩在商业、空间与媒介传播中的精准运用。 7. 消费行为的无声推销员：营销与用户体验 (UX/UI)： 研究色彩如何影响点击率（CTA按钮的颜色选择）、产品吸引力和品牌忠诚度。深入分析可用性测试中，用户对高对比度与低饱和度界面的情感反应差异。本章将提供关于网站导航、数据可视化仪表板设计中，如何利用色彩来引导用户注意力，而非分散其注意力的具体策略。 8. 空间叙事：建筑与室内设计中的色彩温度： 探讨色彩对空间感知尺度的操纵。浅色如何使房间显得更大、更高，深色如何营造亲密感和包裹感。重点分析医院、学校和办公楼的特定环境需求，例如，如何利用低饱和度的冷色调来缓解焦虑，同时确保必要的安全警示色不被削弱。 9. 数据可视化的清晰度与误导性： 数据可视化是现代信息传递的核心。本章批判性地审视了“彩虹色谱”等常见数据图表配色方案的缺陷，它们如何扭曲数据的真实分布。提出构建清晰、客观、符合人类视觉习惯的配色方案的原则，确保信息传递的准确性高于纯粹的美观性。 结语：重塑你与世界的视觉对话 《光影的密码》最终希望达成的目标是：让读者在下一次面对一幅画作、选择一件衣服、或设计一个界面时，不再凭空猜测。你将学会聆听色彩发出的复杂信号，理解其背后的科学原理与文化重量。通过掌握这套“光影的密码”，你将能更具目的性、更有力量地与你所处的视觉世界进行深入而富有洞察力的对话。 --- 目标读者： 视觉艺术家、平面设计师、营销策划人员、用户体验/用户界面（UX/UI）设计师、室内建筑师，以及所有希望深入理解视觉沟通力量的普通读者。 核心价值： 从“好看”到“有效”，从“感知”到“策略”的色彩思维升级。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，现代社会对“理解”的追求已经到了近乎偏执的地步，音乐也不例外。很多人都在努力学习乐理、研究历史背景，试图用知识的锁链去“驯服”音乐的灵性。然而，这本书却像一股清新的山泉，冲刷掉了这些不必要的浮躁。它不是在教你如何去听，而是在提醒你，你本来就知道如何去听。书中对那些“无意识聆听”时刻的描绘，简直是神来之笔。比如，在嘈杂的通勤路上，一小段偶然飘进耳朵的萨克斯风，瞬间将周围的喧嚣隔离，只留下一个纯粹的声场。作者没有去深究这片段的曲式结构，而是聚焦于那一刻，你的呼吸是如何随着音符的起伏而调整的，你的心跳是如何与鼓点同步的。这种关注点上的转换，让阅读过程充满了对日常生活中被忽略的“美之碎片”的重新发现。读完后，我更愿意放下手机，只是单纯地让音乐流淌过我，不再强求自己去“分析”它，而是全然地“被它带着走”。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，过去我总觉得，要真正“欣赏”音乐，特别是那些被认为是伟大的作品，就必须先完成一个漫长而枯燥的学习过程。这本书彻底颠覆了我的这种认知定势。作者似乎在用一种近乎孩童般的好奇心去重新审视那些经典的曲目。他不会去批判某位大师的某个和弦选择“不合规范”，而是去探究那个选择带给听众最直接的情绪反馈是什么。书中充满了对“初听者视角”的珍视，强调了每一次初次接触带来的震撼是不可复制的。这让我意识到，我们常常为了追求知识的深度，而牺牲了体验的广度。这本书鼓励我们回归到最原始的听觉本能，去感受音高、节奏、强弱这些最基本要素所蕴含的巨大能量。它教会我的，不是“如何听懂”，而是“如何更自由地去听”，这才是对音乐最大的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格极具个人魅力，有一种温暖的、近乎喃喃自语的亲昵感。它避免了所有可能将读者推远的学术腔调，转而使用大量生动的比喻和日常生活的场景来锚定抽象的音乐概念。我印象最深的是作者描述“节奏”时，用到了城市里不同车辆的鸣笛声、心脏的跳动，乃至四季更迭的规律，将节奏的概念从乐谱上解放出来，还原到生命的律动之中。这种将艺术与生活紧密编织的方式，让原本高冷的艺术殿堂变得触手可及。阅读过程中，我常常会停下来，去回味书中提到的某段旋律，然后发现，仅仅依靠作者那精准而富有情感的描述，我仿佛就能在脑海中重新构建出那段声音的纹理和色彩。这绝非一本指导手册，而是一场深入灵魂的对话，关于我们如何通过声音来理解自己身处的世界，以及我们自身那些难以言喻的情感波动。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏处理得极其巧妙，完全没有那种传统音乐评论的僵硬感。它像是一系列精心编排的短篇小说，每一个章节都是一个独立的情感场景。比如，有一段关于“寂静”在音乐中的作用的探讨，作者用了极具画面感的语言，描述了一个空旷的音乐厅里，最后那个音符消散后，残留在空气中的“声音的回响”，那种转瞬即逝的虚无感被捕捉得栩栩如生。文字的张力与音乐的韵律感完美融合，你甚至可以想象到那些句子本身就在演奏。它不是在解释音乐理论，而是在重现音乐体验的发生过程。阅读体验是流动的、富有弹性的，时而轻快如巴洛克时期的圆舞曲，时而沉重如晚期浪漫主义的交响乐尾声。对于那些被复杂的术语吓跑的潜在听众来说，这本书无疑是一座友好的桥梁，它用最朴素、最诗意的方式，邀请所有人参与到这场听觉的盛宴中来。

评分☆☆☆☆☆

这本新近读到的音乐随笔集，真是让人耳目一新。作者的笔触细腻而富有洞察力，完全不是那种高高在上、故作深奥的学院派论调。他似乎带着我们走进了一个更接地气、更充满人情味的音乐世界。比如，他写到第一次听到某首古典乐曲时的那种懵懂和震撼，那种直击心灵的悸动，与我们普通听众的初次接触何其相似。这不像是在解析结构或分析和声，更像是在分享一次私密的、充满惊喜的冒险。我特别欣赏他那种不设防的真诚，他承认自己也会被某些过于复杂的乐章弄得晕头转向，也会因为一段简单的旋律而莫名感动落泪。这种坦率拉近了我们与“音乐大师”之间的距离，让我们意识到，感受音乐的美好，根本不需要什么门槛和专业知识。那种被音乐“击中”的感觉，才是最纯粹、最宝贵的体验。全书读下来，感觉像是和一位老友在咖啡馆里，听他娓娓道来那些关于旋律、节奏和情感交织的故事，温暖而充实。