具体描述
编辑推荐
从中华民族传统艺术瑰宝 到 古风与古典时代的希腊艺术
从风景与艺术之间充满诗意的崇高想象 到 当代设计中的民族诉求
从14世纪以来意大利文艺复兴时期的艺术与商业贸易发展之间的密切关系 到 18世纪的欧洲艺术的繁盛与奢华 再到 19—20世纪的现代艺术的叛逆、颠*与创新
从数百年艺术家、哲学家对艺术本质的精意覃思 到 当代雕塑中艺术与现实的交锋碰撞
由牛津大学艺术史系组织的艺术学术委员会把关，牛津大学出版社自1970年代，开始“牛津大学艺术史”系列的出版工作，入选书目皆是学界前沿性的艺术史研究成果，视野广阔，兼容并包，博采众长，是牛津大学艺术史专业的及相关选修课程的制定参考书目。入选该系列的学者皆是相关艺术史研究领域极具思维创建的顶*学者。
l 世界顶*学者集体智慧的宝库
l 填补国内相关主题读物空白
l 每册超百幅精美图片
l 带领中国读者迅速深入理解西方艺术
内容简介
牛津艺术史（第一辑）
丛书中文版主编：易英
易英、王春辰、郭红梅等 译
1.中国艺术 [英] 柯律格 著
Art in China Craig Clunas
中国美术史权*学者柯律格的进店著作，以前沿观念全面盘整解析中国艺术脉络，被中国美术学院艺术人文学院院长曹意强看作是“对传统艺术史的巨大挑战，文辞优美，充满智慧。”
2.古风与古典时期的希腊艺术 [英]罗宾?奥斯本 著
Classical Art : From Greece to Rome Robin Osborne
回归古典，近距离观看古希腊城邦的艺术生活，全面深入探索西方艺术传统之源头。
3.文艺复兴时期的意大利艺术：1350－1500 [英] 伊芙琳?韦尔奇 著
Art in Renaissance Italy : 1350-1500 Evelyn Welch
打破传统艺术史研究视角，从社会与经济发展与物质材料变革入手，全方位还原文艺复兴辉煌背后的人性真相。
4.欧洲艺术：1700－1830 [英]马修?克拉斯克 著
Art in Europe 1700-1830 Matthew Craske
抛开陈词滥调的属于，回归历史观看的远点，再现城市经济空前增长时代的欧洲艺术全景。
5.现代艺术：1851—1929 [美] 理查德?布雷特尔 著
Modern Art 1851-1929 Richard Brettell
深入探讨资本主义扩张时期下的艺术巨变，脉络清晰，鞭辟入里，全面剖析莫奈、毕加索等现代艺术大师的诞生之路，充分展示了艺术在社会中所扮演的各种功能和责任。
6.风景与西方艺术 [英]马尔科姆?安德鲁斯 著
Landscape and Western Art Malcolm Andrews
诗意的崇高与风景中所蕴涵的哲学思想在西方艺术风景画中完美结合，山之巅的孤独，海浪的咆哮，瞬息万变的消逝及永恒，领略特纳、库尔贝、斯特林堡、莫奈、塞尚等绘画大师的艺术哲思。
7.照片的历史 [英] 格雷汉姆?克拉克 著
The Photograph Graham Clarke
柔和不同创建，从作品、人物理解摄影题材的发展变化，探索摄影与绘画之间的关系，以崭新的视角重新审视摄影自诞生以来生动、极具情感的进化历程。
8.20世纪的设计 [英]乔纳森?M. 伍德姆 著
Twentieth-Century Design Jonathan M. Woodham
世界设计师协会主席权*制作，充分展现了设计作为一种新的、独立的艺术方式，进入人类商业社会发展视野的全过程，以及设计与20世纪以来不断发展的民族意识、实用主义之间密不可分的联系，中国未来设计之路的借鉴明灯，每一位想进入设计历史丰碑的设计师的必备之书。
9.西方当代雕塑 [英] 安德鲁?考西 著
Sculpture since 1945 Andrew Causey
全景观呈现“二战”以后，西方雕塑的发展历程，记录艺术与现实的交锋碰撞。
10.艺术史的艺术：批评读本 [美]唐纳德?普雷齐奥西 编
The Art of Art History：A Critical Anthology Donald Preziosi
艺术史研究源于何处？艺术史与艺术是何种关系？艺术史研究极优读本，包括温克尔曼、康德、黑格尔、沃尔夫林、李格尔、贡布里希等人迄今具有开创性和影响力的35篇文章，以第一手资料梳理艺术史的发展脉络。
作者简介
《中国艺术》柯律格
英国牛津大学艺术史系讲座教授，中国美术史及物质文明史重要学者。曾任职于伦敦维多利亚与艾伯特博物馆远东部，长期负责中国艺术品研究及策展工作。2006年，因在中国文化和艺术史研究领域中的成就和贡献，被提名为英国人文社会科学院院士。著有《长物志：早期现代中国的物质文化与社会地位》《雅债：文徵明的社会性艺术》《明代的图像与视觉性》等。
《古风与古典时期的希腊艺术》罗宾?奥斯本
牛津大学古代史教授，牛津大学基督圣体学院会员及导师。其著作包括，《居民点：对古典阿提卡的发现》《有形象的古典风景：古希腊城市及其乡村》等，编著作品包括《古希腊文化中的艺术与文本》等。
《文艺复兴时期的意大利艺术》伊芙琳?韦尔奇
伦敦大学玛丽皇后学院教授，艺术史学者协会主席，主攻文艺复兴时期研究。
曾任苏塞克斯大学副校长，并获得英国“艺术与人文研究委员会”奖金资助。
《欧洲艺术》马修?克拉斯克
耶鲁大学客座教授，曾任英国国家肖像画廊利弗休姆研究员、剑桥大学邱吉尔学院研究员。
《现代艺术》理查德?布雷特尔
曾在得克萨斯大学、美国西北大学、芝加哥大学、耶鲁大学和哈佛大学任教。著有《印象主义：法国速绘，1860—1890》《毕沙罗与庞杜瓦：画家与风景》《高更与印象主义》等。2010年荣获了法兰西文学与艺术勋章。
《风景与西方艺术》马尔科姆?安德鲁斯
英国肯特大学维多利亚时期及视觉艺术研究教授。主要著作包括《追寻如画风景：风景美学与悠游英伦，1760—1800》、《如画风景：材料与文本》。此外，他也是《狄更斯》杂志的主编，并著有《英国的狄更斯和英国人》等书。
《照片的历史》格雷汉姆?克拉克
英国肯特大学文学与图像研究高级讲师。出版著作有《沃尔特?惠特曼：作为私人史的诗歌》，编有《美国城市：文学与文化视角》《摄影中的肖像》《风景艺术》等，同时也参与埃德加?爱伦?坡、T. S. 艾略特、托马斯?哈代作品的编辑工作。
《西方当代雕塑》安德鲁?考西
曼彻斯特大学现代艺术史教授，研究领域为20世纪艺术。长期为泰特美术馆、海沃德画廊遴选展品，并担任大不列颠艺术委员会当代雕塑部分采购负责人。
《20世纪的设计》乔纳森?M. 伍德姆
设计史研究重镇布莱顿大学的设计史教授、设计史研究中心主任，在英国长期从事设计史研究。著有《20世纪的装饰: 1900—1990年的装饰艺术》等，现任《设计史杂志》（牛津大学出版社）和《设计问题》（麻省理工学院出版社）编委。现任设计史协会主席。
《艺术史的艺术》唐纳德?普雷齐奥西
哈佛大学博士，加州大学洛杉矶分校艺术史系荣誉教授，建立并主持艺术史批评理论项目。曾执教于耶鲁大学、康奈尔大学、纽约州立大学、麻省理工学院，多年来在美国、欧洲和澳大利亚指导过许多关于艺术史的历史、博物馆学方面的研讨会。
内页插图
精彩书评
《中国艺术》
这是对传统中国艺术史的巨大挑战，文辞优美，充满智慧。——曹意强 中国美术学院艺术人文学院院长
《古风于古典时期的希腊艺术》
奥斯本是古风与古典希腊研究领域的领军人物，他在本书中使用的研究方法，以及选择的案例，对于艺术学生及爱好者来说，既激发了兴趣，又提出了挑战。——琼?康纳利（Joan Connelly）纽约大学教授
《文艺复兴时期的意大利艺术》
一本博学而又意义非凡的书。其涉猎之全面，论述之完美，我不知道还有哪本书能做到。——乔治?赫尔姆斯（牛津大学万灵学院荣休教授）
《欧洲艺术》
作者对这一时期的历史问题拥有深刻的洞见，使他得以对这一时期的艺术建立全新的理解框架，本书是一部富于精妙的原创性见解的杰作。——大卫?宾德曼（David Bindman）伦敦大学学院教授
《现代艺术》
是目前我所读过的少数现代艺术相关著作中译本中很简明的一本。兼之其全面性，算是很好的一本现代艺术的入门课本。——豆瓣网友Eudossia
《风景与西方艺术》
那时我们站在山之巅，凝视着层叠无尽的山脉。看着溪流疾涌而过，所有的壮丽在眼前展开，这时候，是什么感觉将你抓牢？那时存在于你身体里的一种静默的关注。你在无垠的空间中失去了自己，全部身心都在经历一场无声的净化和澄清，你的自我已经消失不见，你是“无”，上帝是一切。——德国浪漫主义画家卡尔?古斯塔夫
《照片的历史》
某种意义上，本书跳脱出以大师为中心的庸常叙述，更类一部大型对话：一边是施蒂格利茨、卡蒂埃–布列松、黛安?阿勃丝、马修?布雷迪等摄影大师，另一边是本雅明、罗兰?巴特、苏珊?桑塔格、波德里亚等知识分子。杰出的作品邂逅独特的洞见，使得这部书超*了摄影进化史、具备了影像哲学的魅力。——malingcat （豆瓣网友、复旦大学新闻与传播学院教授）
《西方当代雕塑》
除了安德鲁?考西，没有人能够绘制出一张如此全面的战后雕塑版图。——史蒂芬?巴恩（Stephan Bann， 肯特大学教授）
《20世纪的设计》
民族文化是设计走向未来的坐标，前任的智慧和文化多样性将会给我们当今的设计带来深刻思考和无尽启示。这也正是本书*重要的价值所在。——孙建君 中国艺术研究院工艺美术研究所所长
《艺术史的艺术》
本书史目前介绍艺术史研究的极优读本，可以用*高级来形容。它令整个艺术史领域“陌生化”，彻底反映出艺术史作为一门独立研究方向的基本过程。——诺曼?布赖森（Norman Bryson）哈佛大学教授
目录
《艺术史的艺术：批评读本》：
导言
唐纳德?普雷齐奥西：艺术史：创造视觉的清晰[1998]
第一章 作为历史的艺术
约翰?乔基姆?温克尔曼：关于在绘画和雕刻中模仿希腊作品的一些意见[175s]
惠特尼?戴维斯：分裂的温克尔曼：哀悼艺术史之死[1994]
迈克尔?巴克桑德尔：意图的模式[1985]
第二章 美学
伊曼努尔?康德：答复这个问题：“什么是启蒙运动？”[1784]
伊曼努尔?康德：判断力批判[1790]
G．W．F．黑格尔：美学[1835-1838]
第三章 风格
海因里希?沃尔夫林：艺术史原理[1915]
戴维?萨默斯：“形式”——19世纪的形而上学与艺术史描述的问题[1989]
迈耶?夏皮罗：风格[1953]
恩斯特?贡布里希：论风格[1968]
第四章 作为艺术的历史
阿洛伊斯?李格尔：罗马晚期艺术意志的主要特征[1893]
阿比?瓦尔堡：北美普韦布洛印第安人地区的图像[1923]
埃德加?温德：瓦尔堡的“文化科学”概念及其美学意义[1930]
玛格丽特?艾弗森：拯救瓦尔堡的传统[1993]
第五章 意义的机制：图像志与符号学
于贝尔?达弥施：符号学与图像志[1975]
米克?巴尔、诺曼?布赖森：符号学与艺术史：关于语境和传播者的讨论[1991]
欧文?潘诺夫斯基：《甚至在阿卡迪亚也有我》：普桑与挽歌传统[1936]
路易斯?马林：走向视觉艺术的解读理论：普桑的《阿卡迪亚的牧人》[1980]
第六章 现代性及其不满
罗莎琳德?克劳斯：扩展领域中的雕塑[1979]
米歇尔?福柯：什么是作者？[1969]
克雷格?欧文斯：寓言的冲动：走向后现代主义的理论[1980]
安德烈亚斯?许森：勾勒后现代[1984]
第七章 性别问题
纳内特?所罗门：艺术史规则：忽略之罪[1991]
丽莎?提克纳：性与再现／再现中的性：五位英国艺术家[1984]
玛丽?凯利、保罗?史密斯：没有本质的女性特质[1982]
阿米莉亚?琼斯：后女性主义、女性主义的快感和身体化艺术理论[1993]
第八章 解构主义与阐释的限度
史蒂芬?梅尔维尔：新透视的诱惑[1990]
马丁?海德格尔：艺术作品的本源[1935]
迈耶?夏皮罗：作为个人物品的静物画：一则关于海德格尔与凡?高的笔记[1968]
第九章 他耆：艺术史与博物馆学
后记
《西方当代雕塑》：
导言
第一章 1945年以后的欧洲雕塑
大众化的现代雕塑
公共雕塑：战争记忆
亨利?摩尔与纪念性功能
雕塑的中间地带
贾科梅蒂与战后的巴黎
非具象传统
加博与结构主义
雕塑、建筑与纪念碑
非物质化
第二章 “新雕塑”
克莱门特?格林伯格与赫伯特?里德
美国的“新雕塑”
“恐怖几何形”
无名政治受难者
现代主义的“外表”
第三章 雕塑与日常
神话与现实
新现实主义
约翰斯与劳申伯格
波普艺术
第四章 现代主义与极少主义
格林伯格的现代主义
英国的新生代
极少主义
第五章 “反形式”
雕塑的材料
“空无的视觉扫描”
怪异抽象
博伊斯与德国
贫穷艺术
作为雕塑的身体
第六章 自然媒材
从极少主义到风景
历史的回归
史密森与熵
大地艺术与欧洲
自然与工艺
雕塑与建筑
第七章 公共空间
雕塑的场地
反映人的存在
都市干预
作为公共机构的博物馆
反博物馆
作为博物馆的工作室
作为政治武器的雕塑
公共空间的挑战
纪念碑的回归？
反纪念碑
关于历史的争论
第八章 物品与人物塑像
《中国艺术》
《古风与古典时期的希腊艺术》
《文艺复兴时期的意大利艺术：1350-1500》
《欧洲艺术：1700-1830》
《现代艺术：1851-1929》
《风景与西方艺术》
《照片的历史》
《20世纪的设计》
精彩书摘
《艺术史的艺术：批评读本》：
事实上，按照温克尔曼自己的隐喻，他所见证的并不完全明显地等同于失落，或等同于“衰落”。尽管太阳会下山，但它总要再次升起。尽管“奥德赛”——查士丁尼时代的希腊艺术——会远离故乡四处飘荡，但他一定要回到故乡：正是《伊利亚特》中的其他英雄凭着全部的“力量”离开希腊故乡却消亡在特洛伊。那么，一定是后期罗马的手稿就像无止境下落的太阳，既没有降落也没有升起，或像奥德赛永无止境地返回家乡但永不能到达。但是，这是什么样的衰落，而它总是这样衰落却没有完全呈现或彻底缺席？——如朗吉弩斯所说，它是一种“伟大”，但没有“力量”。
现在，人们可以很容易地说温克尔曼在他写作《艺术史》时见证了希腊艺术的“衰落”。我们要说，作为一名历史学家，他见证了希腊艺术的“力量”在他所编年的风格转换中的历史性丢失——（见证了）一种从伯里克利到查士丁尼时代的太阳的沉落。也很容易平行地得出结论，一定是凭着他的美学想象，特别是凭着他个人的（同性）色情倾向，温克尔曼把古典希腊看成是他的“故乡”。这样，我们就可以说，温克尔曼作为历史学家通过编年、通过构建一种伯里克利时代转换到查士丁时代的历史叙事见证了他想象中加以确定的对象——“我的故乡”——的“衰落”。如果他不是希腊艺术的历史学家，那么，他就不能见证它的毁灭——把古典希腊艺术看成是艺术已经历史地丧失的某种东西。
但是，问题没有这么简单。温克尔曼用他那具有自我意识、极其微妙的日耳曼语言小心翼翼地说，作为历史学家，他“被迫暗示”他已经见证的毁灭——正像他“被迫相信”他眼前的美是某种已经丢失的东西的复制品一样。所以，他不是作为艺术史学家见证了希腊艺术的毁灭：相反，他是作为历史学家书写了他已经见证的丢失。这样，可能正是他对希腊艺术的衰落的见证才使他成为了希腊艺术史学家，而不是以另外的方式。差别在于经历丢失而成为它的历史学家与成为丢失的历史学家从而经历它。对于前者，丢失已经是一个人自身历史的一部分，是自我的丢失——尽管作为历史学家，一个人书写了历史中自身以外及自身之前所发生的丢失，写了一种艺术的丢失；对象的主观丢失成为对象的客观丢失。但是，对于后者，丢失则不是一个人自身历史的一部分，因为它仅仅是艺术的丢失，尽管作为历史学家，一个人可以这样写，是自我的丢失：客观丢失成为主观丢失。如果温克尔曼承认两种丢失——艺术史内的一种丢失和自我的一种丢失——还有它们互补的历史，一个人见证的历史与一个人正在见证历史之内的历史，那么任务就是让二者有关系——分离开，连接起来，还原或超越它们。
多数现代艺术史如果使用温克尔曼的分期（periodization）工具、风格批评、图像志、历史主义以及伦理评价，则可以被看成艺术历史的“客观”叙述。这种实践建立在极端区分我所确定的两个领域上。在学科内，或更为准确地说，以学科来讲，丢失——性之美或欲望、伦理之美或欲望以及政治之美或欲望——总是同样地外在于艺术史中的艺术史学家的；艺术史学家仅仅“暗示”在“故乡”（而这个故乡他并没有居住或者也许永远都不会居住）所发生的事。然而，正如温克尔曼的微妙所透露的，我们必须确定一个必要的反思时刻，在这一时刻中，丢失必须处于艺术史学家及其历史的范围内，以便他见证作为任何丢失的艺术的历史——因为如果丢失是绝对的，完全没有被艺术史学家在他自身的历史中见证，那么，就没有任何他可能首先“暗示”的艺术的历史。
再一次地，温克尔曼小心翼翼地谈到这一点。当他用一个希腊艺术衰落的例子来结束《艺术史》的时候，他说他“几乎像”一个历史学家书写着他所见证过的毁灭。然而，他在假定这种立场的时候，正如他注意到的，“已经超过了艺术史的界限”。严格地讲，艺术史就是关于那些丢失和淹没于历史中的事物的历史。但是，某人不能开始艺术史，除非丢失了的东西曾经并非不可弥补地丢失在个人不能准确见证的、不可还原的过去中。相反，为了开始一种艺术史，丢失必须处在某人自身的历史中以便就此被“见证”。只有在此才被看到正在丢失。仅仅在艺术史界限以外，在太阳下山的地平线或地方发生了一些事，而在这太阳下山的地平线或地方，对象、艺术的历史被作为正在丢失而见证——正像被解除了其力量一样，尽管它伟大，正像远离或正被毁灭一样；历史学家书写他的艺术史的时候暗示了他见证了这种艺术史的远离。
……
前言/序言
《艺术史的艺术》是为编写艺术史的批评史而作的资料汇编。它不是按照通常的自成一体的“艺术史学史”来编辑的，也不是有开头、中间和结尾的历史小说。它更像是一些有争议的事物的集合和汇聚，每一个事物与其他事物都有多重的联系，每一个事物都可以收在这个集子里，也可以收在别的集子里。按照过去的意思，它也是一个“文选”——各种事物的一个总计，事物的丰富多彩好比一个花园；一个文本的收集，在某种意义上，这些文本本身就被赏识为优美的艺术作品。本书是文章的合集，文章选自过去两百年已出版的一些主题相互关联的书籍。其中每一本书在其自身的时代（与在其他时代不同）不是激发争论，就是被其他作家用来让自己参与更加多样的、激烈的、通常是持续不断的辩论。一些争论直接提到那些与它们并置的论文。对同样的问题或艺术作品有一些交叉的审视。它们都以不同的艺术“历史”的构架，以针对艺术史与批评的社会作用的不同视角，并以更广阔的现代性的事业，涉及当代“艺术”现象的本质与命运。
文集不是作为孤立的纪念碑来看待的，虽然其中一些已有永久的影响——在某种意义上它们已有自己的生命。它们也不被处理成去模仿发展道路上的单一主流。它们在这儿不是虚假地集合起来“为自己说话”，好像挂在现代主义画廊光秃秃的墙面上的绘画作品。在《艺术史的艺术》中没有空白的墙面。它的墙面上充斥着笔迹、路标、偶尔的涂鸦，被通向其他空间的通道，以及引导观众走向更多标本、各种来源和其他可能世界的邀请和挑衅所分割。
用户评价
这套《牛津艺术史1（套装共10册）》实在是让人欲罢不能！我刚开始只是随便翻翻，没想到一下子就被它丰富的细节和深邃的见解给吸引住了。比如，它对早期文艺复兴时期佛罗伦萨艺术的剖析，简直是微观到极致。作者没有仅仅停留在对达芬奇、米开朗基罗这些巨匠的歌颂上，而是深入挖掘了那些被历史稍微掩盖的工匠和赞助人的角色，探讨了艺术赞助体系如何塑造了彼时意大利的审美取向。书中配有的高清插图质量极高，很多细节图甚至是以前在其他艺术史书籍中从未见过的角度，能清晰地看到笔触的厚度、颜料的层次，这对于研究油画技法的人来说，简直是无价之宝。更让我欣赏的是，作者擅长将艺术史置于宏大的社会经济背景下考察，比如他们如何论述美第奇家族的商业扩张如何直接影响了雕塑题材的选择和材料的进口，这种跨学科的视角，让原本枯燥的历史知识变得鲜活立体起来，每一次阅读都像是在进行一场穿越时空的深度对话，让我对“美”的理解又提升了一个层次。
评分这套书的排版和装帧设计本身就是一种艺术享受。我特别喜欢它在处理不同历史时期艺术风格过渡时的视觉处理。比如，从中世纪晚期到巴洛克风格的转折，书中巧妙地使用了不同的纸张质感和字体设计来区分时代语境。巴洛克部分那浓烈的戏剧感和光影对比，通过对印刷工艺的精准控制得到了完美的体现，那些卡拉瓦乔作品的阴影部分，黑得深沉而富有层次，仿佛能吞噬光线。反观后来的新古典主义，页面设计立刻变得冷静、清晰、线条分明，完美呼应了对古希腊罗马秩序的推崇。这种“用书本身讲述历史”的匠心，让我觉得这不仅仅是一套工具书，更是一件值得珍藏的艺术品。书脊的装订也非常结实，即便是这样厚重的十卷本，频繁翻阅也丝毫没有松垮的迹象，足见出版方的用心。
评分我是一个对现当代艺术有偏执研究的爱好者，因此我对这本书的后几卷尤其关注。我对波普艺术那几章的评价是：犀利而不失温度。作者对安迪·沃霍尔和李奇登斯坦的分析，没有落入将他们简单标签化为“商业化”的俗套。相反，他们探讨了战后美国消费主义膨胀的社会心理根源，以及艺术家们如何利用大众媒体的符号语言进行一种反讽性的介入。书中穿插了大量当时的广告平面设计和流行文化元素作为参照，使得理解“可口可乐瓶”和“玛丽莲梦露”符号的艺术价值变得异常顺畅。更让人耳目一新的是，它还花了相当大的篇幅来讨论后现代主义建筑对传统美学的挑战，那种解构与重塑的理论探讨，写得极其精炼，对于把握当代艺术思潮的核心脉络，这本书提供了无比清晰的路线图。
评分当我翻到探讨印象派的章节时，我差点惊叹出声。这本书对莫奈和雷诺阿的研究，完全颠覆了我过去对“光影捕捉”的肤浅理解。它不是简单地罗列画作，而是深入剖析了19世纪后期巴黎的城市化进程——比如新的铁轨交通如何让艺术家能够便捷地到达郊外的田野，以及摄影术的兴起如何迫使绘画从记录性转向主观感受性。作者引用的历史文献和当时的报刊评论，让读者仿佛身临其境地感受到了那个时代艺术界的阵痛与革新。特别是关于德加的芭蕾舞女系列，书中不厌其烦地分析了他对动态瞬间的捕捉，如何借鉴了日本浮世绘的构图方式，这种细致入微的比较分析，展示了艺术交流的复杂性。阅读这部分时，我甚至能闻到巴黎塞纳河畔潮湿的空气和画室里松节油的味道，这种强烈的代入感，是其他任何同类书籍都难以给予的。
评分从一个纯粹的美学体验角度来说，这十卷本的广度和深度是令人震撼的。它构建了一个完整而连贯的人类视觉文化演变史。我曾经尝试阅读一些专注于某一特定画派的专业论著，但往往会因为缺乏对前置历史的全面了解而感到吃力。而这套《牛津艺术史》，则像一位耐心的导游，从史前洞穴壁画的神秘符号开始，一步步引导你走过古埃及的永恒庄严，希腊雕塑的理想化人体，伊斯兰艺术的几何狂想，直到进入20世纪爆炸性的风格多元化。它的叙事节奏掌控得非常好，不会让读者因为知识的过于庞杂而感到疲惫。每次合上书本，我都能清晰地在脑海中勾勒出一个时代的色彩、线条和精神面貌，它真正做到了让历史不再是冷冰冰的日期和人名，而是有血有肉的视觉诗篇。
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