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焦元溥 著

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• 蕭邦
• 古典音樂
• 鋼琴
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• 音樂會
• 演奏

出版社： 聯經出版事業股份有限公司

ISBN：9789570835700

版次：1

商品编码：16007748

包装：平裝

开本：18開

出版时间：2010-05-03

页数：480

正文语种：繁體中文

商品尺寸：17*23cm

编辑推荐

鋼琴出現僅有形體，直到蕭邦降世才有了靈魂
《遊藝黑白》遍訪五十五位鋼琴演奏家
長年與世界最頂尖音樂家與音樂學家的交流
焦元溥四處搜尋蕭邦所布下的音樂密碼
亟欲希望讓大家都可以真正聽見蕭邦
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20X10 蕭邦 CHOPIN 國際音樂節
超過三年策畫 耗資千萬打造 世界名家齊聚
2010年 11位鋼琴家，奔騰與鍵盤上的震撼，演出25場無懈可擊的蕭邦饗宴
詳見官方部落格：blog.yam.com/CHOPIN2010
藝術總監 焦元溥 策劃
最堅強的演出陣容 最經典的蕭邦鋼琴作品
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主辦：台灣愛樂協會 亞藝藝術
作者簡介
焦元溥
1978年生於台北。台大政治學系（國際關係組）學士，美國佛萊契爾學院（The Fletcher School, Tufts University）法律與外交碩士（Master of Arts in Law and Diplomacy），2008 / 2009大英圖書館愛迪生研究員（Edison Fellow），現為倫敦國王學院（King’s College, London）音樂學博士候選人。
自十五歲起發表樂評、論述與散文於報章雜誌，作品涵蓋音樂作品分析、詮釋討論、鋼琴演奏技巧解析、音樂家訪問、國際鋼琴大賽報導與文學創作。著有樂評選集《經典CD縱橫觀》系列三書（聯經，2005）、《莫札特音樂CD評鑑》（聯經，2006）、《遊藝黑白—世界鋼琴家訪問錄》（聯經，2007）和專欄選集《樂來樂想》（聯經，2008）。
近年於《聯合報》「名人堂」與副刊之「音緣際會」和「城市角落」、《聯合晚報》之「樂聞樂思」、《今周刊》之「風尚」和香港《藝術地圖》等專欄，更讓他成為深受好評且炙手可熱的專欄作家。
文字創作之外，焦元溥也擔任「遊藝黑白—世界鋼琴家系列」策劃人與「20X10國際蕭邦音樂節」藝術總監，以及「Taipei Bravo FM 91.3」和「Classical古典音樂台FM97.7」《遊藝黑白》與《倫敦Online》節目主持人。

内容简介

鋼琴出現僅有形體，
直到蕭邦降世才有了靈魂
《遊藝黑白》遍訪五十五位鋼琴演奏家
長年與世界最頂尖音樂家與音樂學家的交流
焦元溥四處搜尋蕭邦所布下的音樂密碼
亟欲希望讓大家都可以真正聽見蕭邦
購書獨享專屬珍藏CD 國際名家盡出 焦元溥親選
蕭邦誕生，聆聽的藝術也自此昇華。他是天生的藝術家，只要鋼琴在手，浪漫、悲憤、壯烈、輕鬆、叛逆、夢幻，無不從絕妙音響中奔流入耳。他是史上最少露面，卻又影響最大的?演奏作曲家?，穿越時空到今日仍然魅惑眾生－－但可別看他深情溫柔，蕭邦也是大膽銳利的革命家：他的作品大多遵循既有曲式，卻讓原有格局獲得新生。重新定義又彼此融合的形式與曲類，不只是蕭邦作品的特色，更是劃時代的創意；而那創作努力是何其強悍，彈指就成音樂藝術的歷史新局。
只是這無所不能的浪漫王子，卻心甘情願為鋼琴貢獻一生；而鋼琴也忠實回報演奏藝術的一切秘密，將靈魂與蕭邦合而為一。蕭邦創作無法與鋼琴分離，若要真正認識蕭邦，也就必須要了解鋼琴演奏技法，輔以鋼琴發展歷史，才能清楚聽見蕭邦的歷史地位及非凡成就，以及人與樂器之間的心靈互通。
焦元溥希望接觸本書的讀者，可以?從蕭邦認識音樂?，更可以?從演奏認識蕭邦?。讓愛樂者與學琴人可以跟隨蕭邦的靈魂，讓耳朵、眼睛，甚至身、心、靈都充滿著蕭邦曠世的藝術感動。
《聽見蕭邦》專屬 CD 演出陣容包括
大賽得主：第二屆蕭邦大賽冠軍尤寧斯基（Alexandre Uninsky）、第四屆蕭邦大賽冠軍戴薇朵維琪（Bella Davidovich）、第五屆蕭邦大賽冠軍哈拉雪維契（Adam Harasiewicz）、第十屆蕭邦大賽特別獎波哥雷里奇（Ivo Pogorelich）、第六屆柴可夫斯基大賽冠軍普雷特涅夫（Mikhail Pletnev）、1987年布梭尼大賽冠軍齊柏絲坦（Lilya Zilberstein）。
世界名家：俄國巨匠李希特（Sviatoslav Richter）、法國大提琴泰斗傅尼葉（Pierre Fournier）、蕭邦權威馬卡洛夫（Nikita Magaloff）、匈牙利超技大師季弗拉（Gyorgy Cziffra）、波蘭著名女高音辛姆特嘉（Elzbieta Szmytka）。
1.皆為世界頂尖名家或蕭邦鋼琴大賽得主演奏，並含多首罕見絕版錄音，極具收藏價值。
2.曲目類型包括敘事曲、詼諧曲、前奏曲、即興曲、協奏曲、奏鳴曲、練習曲、夜曲、圓舞曲、馬厝卡舞曲、波蘭舞曲、歌曲、室內樂與鋼琴獨立性格作品，幾乎涵蓋蕭邦所有曲類，更包含蕭邦最早（七歲所作波蘭舞曲）與最後（大提琴奏鳴曲）出版作品，具體而微呈現蕭邦一生創作。
3.作品順序按蕭邦時代音樂會風尚編排，將室內樂作品穿插於鋼琴獨奏之間，最後以鋼琴和管弦樂作品結束。

作者简介

焦元溥
1978年生於台北。台大政治學系（國際關係組）學士，美國佛萊契爾學院（The Fletcher School, Tufts University）法律與外交碩士（Master of Arts in Law and Diplomacy），2008／2009大英圖書館愛迪生研究員（Edison Fellow），現為倫敦國王學院（King’s College, London）音樂學博士候選人。
自十五歲起發表樂評、論述與散文於報章雜誌，作品涵蓋音樂作品分析、詮釋討論、鋼琴演奏技巧解析、音樂家訪問、國際鋼琴大賽報導與文學創作。著有樂評選集《經典CD縱橫觀》系列三書（聯經，2005）、《莫札特音樂CD評鑑》（聯經，2006）、《遊藝黑白—世界鋼琴家訪問錄》（聯經，2007）和專欄選集《樂來樂想》（聯經，2008）。
近年於《聯合報》「名人堂」與副刊之「音緣際會」和「城市角落」、《聯合晚報》之「樂聞樂思」、《今周刊》之「風尚」和香港《藝術地圖》等專欄，更讓他成為深受好評且炙手可熱的專欄作家。
文字創作之外，焦元溥也擔任「遊藝黑白—世界鋼琴家系列」策劃人與「20X10國際蕭邦音樂節」藝術總監，以及「Taipei Bravo FM 91.3」和「Classical古典音樂台FM97.7」《遊藝黑白》與《倫敦Online》節目主持人。

目录

前言：為何要寫蕭邦
第一章 認識蕭邦
第二章 蕭邦與鋼琴發展史
第三章 蕭邦的鋼琴演奏技巧系統
第四章 蕭邦的鋼琴音樂美學
第五章 從華沙、維也納到巴黎：蕭邦早期作品
第六章 小曲中的大師風範：蕭邦《練習曲》、《夜曲》、《前奏曲》與《即興曲》
第七章 蕭邦大型曲目：《詼諧曲》、《敘事曲》與《奏鳴曲》
第八章 蕭邦舞曲與歌曲
第九章 蕭邦晚期作品
附錄一 傅聰談蕭邦
附錄二 蕭邦年表
附錄三 蕭邦作品表
參考書目

精彩书摘

想要認識蕭邦，首先必須正視並承認的是，他是一位極其特別的藝術家，更是極其複雜的人。我們很難再找到一位作曲家像蕭邦一樣，根本是各種悖論的混合：蕭邦生前就受到重視，版稅和教學讓他過著優渥生活，作品也從不褪流行，但他也是受到最多誤解，作品真價最被低估的作曲家；他有迷人的衣著、教養和生活品味，書信中的蕭邦卻讓人驚訝於他的苛薄寡恩與利用朋友，其音樂喜好也往往讓人無法理解；他的思想保守，絕不和社會相抗，創作卻精彩大膽，不斷追求新方法與新形式；他是廣被認可的鋼琴大師，卻幾乎絕足於公開演奏；他是偉大的即興演奏名家，筆下作品卻精雕細琢，深思熟慮而沒有一絲苟且……凡此種種，任何一項都是奇特，蕭邦竟擁有全部。
而關於蕭邦其人最弔詭的一點，或許則是身處在浪漫時代，又住在人文薈萃、各種藝術風起雲湧的巴黎，蕭邦卻和他的時代抽離，幾乎不為外界所動。而這樣一個封閉自我的藝術家，卻透過作品和全世界溝通，甚至深刻影響了他之後的音樂發展。在藝術世界裡，我們再也找不到另一個如此集矛盾之大成的例子，而如此矛盾大成竟是作品聽起最夢幻美麗，令人感覺最無害的蕭邦－－這已經不是矛盾，而是複雜難解的謎。
蕭邦生平
但再怎麼複雜難解，還是有蛛絲馬跡可供釋疑。即使本書旨在介紹蕭邦的演奏風格與音樂創作，我們還是有必要簡單回顧蕭邦的人生。雖然他認為自己出生於3月1日，根據資料蕭邦其實出生於1810年2月2日，唯各方爭論始終不斷，我們也因此有兩個生日可供慶祝。
蕭邦之父尼可拉斯（Nicolas/ Miko?aj Chopin，1771－1844）是十六歲移居到波蘭的法國人，更以波蘭人自居，後來在華沙中學（Warsaw Lyceum）擔任法語教師。他在華沙附近小鎮傑拉佐瓦沃拉（?elazowa Wola）的史卡貝克（Skarbek）家族擔任家教時，認識他們負責幫傭的親戚克麗姿揚諾芙卡（Justyna Krzy?anowska，1782－1861），兩人結婚後生下於1807年生下露德薇卡（Ludwika）、1810年斐德列克（Fryderyk Franciszek）、1811年伊莎貝拉（Izabella），1813年艾蜜莉亞（Emilia）。四個孩子中唯一的兒子是不折不扣的音樂神童，從小就展現不凡的鋼琴演奏和即興創作才華。
斐德列克六歲起和居於華沙的波西米亞小提琴家齊維尼（Adalbert/ Wojciech ?ywny，1756－1842）學習鋼琴，七歲即出版波蘭舞曲並舉行公開演奏會而為華沙上流社會所知。蕭邦十二歲時他跟隨華沙音樂院院長艾爾斯納（Józef Elsner，1769－1854）上私人作曲課，十四歲進入父親任教的華沙中學。在十六歲進入華沙音樂院正式和艾爾斯納研習前，蕭邦已是一位具有知名度的年輕作曲家 。而在此蕭邦音樂與人格發展的重要奠基時期，有三項事實深刻影響蕭邦一生：
高尚氣質
雖未生在貴族之家，憑著音樂才華蕭邦自幼即和名流交遊往來。天生氣質加上後天環境，造就了他高雅出眾的品味。見諸紀錄，蕭邦在當時人心中也總是以舉止合宜有禮、談吐丰采翩翩聞名，而如此氣質正是日後他迅速打入巴黎上流社會的關鍵之一。
自學成才
齊維尼是小提琴家，鋼琴並非本業，只能教授基本演奏技巧，艾爾斯納也沒有給予蕭邦多少作曲之外的演奏訓練。如此教育背景顯示蕭邦的鋼琴技巧可說是自學而成。在第三章我們將看到蕭邦的鋼琴演奏技巧系統是何其獨特而原創，而這正是自學而成的獨到心得。
美學基礎
在當時華沙，巴赫其實不被重視且罕為人知，齊維尼卻給予蕭邦相當深厚的巴赫教育，對巴赫的熱愛也自此伴隨蕭邦一生，且深刻影響了他的創作與美學 。艾爾斯納則是非常開明的老師，他給予蕭邦古典樂派的訓練和知識，讓蕭邦始終熱愛巴赫和莫札特 ，而他深知蕭邦的天分並任這樣的天分自由發展，不以傳統教條限制。此外蕭邦就讀中學時，夏天常至同學德澤汪諾夫斯基（Dominik Dziewanowski）在薩伐尼亞（Szafarnia）鄉間住處度假，接觸到真實的波蘭民俗音樂與舞蹈。書信中顯示，十四歲的蕭邦就已思考如何開發波蘭民間音樂的和聲與節奏潛能 。在嚴謹巴赫、天賦才情、民間元素三者互相共鳴下，蕭邦的作曲就在多重美學中發展，成就其渾然天成卻又縝密精確的藝術。
從維也納到巴黎
蕭邦十八歲時到柏林等地遊歷，眼界開拓不少。隔年他從音樂院畢業，更重要的是在維也納舉行兩場音樂會且大獲好評。如此鼓舞讓蕭邦回到華沙稍作準備後，在二十歲時和好友沃伊齊休夫斯基（Tytus Woyciechowski，1808－1879）一同前往維也納，積極想要建立自己成為歐陸知名演奏作曲家的名聲。然而此行並不順利。一方面是塔爾貝格（Sigismond Thalberg，1812－1871）在維也納這個夢中之城大受好評，其萬丈光芒讓這帝國首府的聽眾忘了蕭邦。
另一方面波蘭情勢變化也是主因：蕭邦才抵達維也納不久，波蘭就發生抗俄起義。沃伊齊休夫斯基回鄉抗俄，留蕭邦一人在維也納，奧國又因和俄國交好而排斥波蘭。雖然蕭邦還是交到一些維也納的朋友，在該城的半年卻是前途茫茫且寄人籬下。在這前途未卜之際，蕭邦決定前往巴黎，九月途經斯圖加特時聽聞波蘭抗俄失敗而遭到無情鎮壓，家鄉失去自由，更是深受打擊 －－波蘭成為蕭邦終其一生再也沒回去過的祖國；蕭邦於1831年十月抵達巴黎，後半生皆以巴黎為中心度過。
雖然維也納一直是蕭邦心目中的首選，後來發展卻證明巴黎才是最適合蕭邦的城市。維也納的音樂藝術表現那時已經開始衰微，巴黎卻正人文薈萃，各種藝術家與新思潮風起雲湧，世界著名的鋼琴家不約而同聚集於此，儼然是一座鋼琴家之城。蕭邦到巴黎不久即認識李斯特、希勒（Ferdinand Hiller，1811－1885）和卡爾克布萊納（Friedrich Kalkbrenner，1785－1849），後來又認識孟德爾頌和白遼士。
他的事業起步很快， 1832年在巴黎登台即獲得好評，同年作品在巴黎與倫敦兩地出版，也開始他的教學生涯。中學舊友封塔納（Julian Fontana，1810－1869）和馬突津斯基（Jan Matuszynski，1809－1842）移居巴黎後更成為蕭邦最好的朋友。後者曾和蕭邦共租公寓並擔任其私人醫生，前者肩負蕭邦抄譜打雜等等瑣事，更在蕭邦死後負責整理遺作出版。隨著嶄新人生在巴黎展開，我們也可以從中整理出三項攸關蕭邦音樂美學與風格的要點：
自我成長
卡爾克布萊納是那時巴黎最富盛名的鋼琴家，蕭邦對他極為崇拜。當這位四十七歲鋼琴家聽了這二十一歲後進的演奏後，表示願收蕭邦作為弟子，曾說道：?若讓他調教三年，蕭邦必然會有極大進步 。?當蕭邦回報這個「好消息」，卻遭到父親和艾爾斯納的強烈反對，後者更說「和原創相比，所有的模仿都微不足道；一旦你去模仿，你就會失去原創性。」 如果蕭邦真的堅持師從卡爾克布萊納學習，那麼這會是他一生唯一接受專業鋼琴家的指導。但蕭邦最後放棄了這個想法，他的鋼琴技巧也始終維持高度原創性，獨立於各學派而自成體系。
特立獨行
蕭邦雖然在巴黎以音樂會出名，但由於音量偏小，和樂團演出不利，再加上音樂會越來越「公眾化」：約自1820年代起，由於聽眾越來越多，演奏者和聽眾的關係也就越來越疏遠，至少演出者無法熟識買票的每一個人。這和十八世紀晚期音樂會的演出者和聽眾基本上彼此熟識有相當大的不同 。蕭邦曾告訴李斯特，他不適合音樂會，因為「群眾急切的呼吸讓我窒息，好奇的打量讓我癱瘓，陌生的臉孔讓我無言。」 無論是音量限制或個性使然，蕭邦最後不但不和樂團共同演出，更極少舉行公開音樂會，雖然每次演出都為他賺進巨額財富。
喬治桑於1841年寫給他們好友薇雅朵（Pauline Viardot）的信也透露了蕭邦對音樂會的緊張：「好消息是小蕭蕭（little Chip Chip）即將要舉行一場絕佳演奏會。他的朋友可是費盡心思，苦苦勸說才讓他答應（…）這個蕭邦式惡夢將在 4月26日於普雷耶爾沙龍舉行。他不要任何海報也不要任何人談論此事。他擔心好多事，擔心到我乾脆建議他燭光或聽眾都不要，在一架無聲鋼琴上演奏算了。」
蕭邦鮮少開音樂會的事實使他成為音樂史上的罕例；在此之前，「作曲家」可以不演奏，靠寫歌劇或交響曲等作品聞名（羅西尼等人就不指揮演出自己的歌劇），「演奏作曲家」則創作供自己音樂會演出之用的炫技作品。蕭邦則是第一位具有高深演奏技巧，對鋼琴瞭若指掌，且又幾乎專為此樂器寫作，卻又鮮少公眾演出的作曲家。
熱心教學
蕭邦在巴黎定居不久即開始教學生涯。由於兼具音樂和社交天賦，蕭邦永遠不缺捧上巨資求教的學生，始終是巴黎最搶手的老師。他的收費昂貴，一堂課要二十金法郎，讓他得以享受優渥生活（當時坐出租馬車是一法郎，歌劇院最佳座位約十法郎）。蕭邦相當認真看待教學，對演奏錙銖必較，對學生耐心至極，即使情緒常常陰晴不定。也幸好蕭邦具有教學熱忱，我們才能從其學生回憶中拼湊建立他的演奏系統與音樂美學 。
愛情與死亡
蕭邦一生有三段著名的認真戀情。初戀是華沙時期，傾心於同學康斯坦絲嘉（Konstancja Gladkowska，1810－1889），女主角在晚年才知道這段暗戀 。第二段則是1835年在德勒斯登遇見舊識沃丁斯基家族，愛上十六歲的瑪麗亞（Maria Wodzinska，1819－1896）。蕭邦隔年向她求婚，卻在瑪麗亞母親反對下黯然收場（沃津斯基家族可能憂慮蕭邦的身體健康，故拒絕此一婚事）。無論蕭邦對瑪麗亞的感情深淺，這場求婚證明了蕭邦曾經想要組織家庭的念頭 。而就在和瑪麗亞求婚的那一年，蕭邦認識了大他六歲的女作家喬治桑（George Sand，1804－1876）。瑪麗亞婚事被拒後，他與喬治桑的友誼快速發展，隔年（1838年）共赴馬猶卡島（Majorca）正式開展長達九年的親密關係。
蕭邦和喬治桑的感情堪稱撲朔迷離，很多人也無法理解這兩人的關係。喬治桑雖然如母親般照顧蕭邦，蕭邦在他們相處中卻並非處於被支配的角色。他們在巴黎各自有公寓，下午五時相聚一同用晚餐。他們曾享有一段平靜時光，每到夏天蕭邦總在喬治桑於諾安（Nohant）的住處寫作。然而1845年起蕭邦健康逐漸惡化，兩人關係也開始生變，更因喬治桑兩個小孩索蘭潔（Solange）和馬瑞斯（Maurice）的介入而雪上加霜，1847年索蘭潔的婚事終於導致蕭邦與喬治桑決裂 。
自此蕭邦健康狀況急轉直下。1848年二月法國爆發群眾示威，法王路易菲利命令國民衛隊恢復秩序，衛隊卻倒戈投向群眾，最後路易菲利只得退位，皇室逃往英國。貴族學生一夕之間逃亡四散，蕭邦頓失金錢來源，肺結核病況又逐漸加劇。此時他的蘇格蘭學生史特琳（Jane Stirling，1804－1859）積極奔走，說服蕭邦到英國演出。4月21日蕭邦到了倫敦，後來也去了蘇格蘭，甚至還在女王御前演奏，但在英國並不愉快。他在10月31日倫敦吉爾德霍爾（Guildhall）的音樂會終成人生絕響：蕭邦於十一月23日回到巴黎，隔年10月17日在巴黎梵登廣場（Place Vend?me）寓所逝世，得年三十九歲 。
自我中心的音樂天才
關於蕭邦與喬治桑的情史，諸多傳記都有詳細記載，作者也各有觀點，筆者在此不願多談，但不得不提的則是蕭邦的個性與音樂創作。從往來書信、友人回憶與學生記述中，我們至少可以得知蕭邦其實非常自我中心，而如此性格反應在許多面向：就生活而言，蕭邦可以說得上是自私。他的才華洋溢與體弱多病讓朋友予以同情，而他毫不遲疑地利用這樣的關懷來指使朋友，和封塔納的友誼就是一則明例。但對這位被他利用最多的朋友，蕭邦卻也誠實透露他對自己的評價：「我就像一個毒菇，看來可食，實際上卻有毒。如果你誤摘而且嘗了這個毒菇，這並不是我的錯。我知道我從來沒有對任何人有用，甚至對我自己也沒有什麼用。」
就藝術創作而言，這樣的自我中心也使蕭邦傲立於他的時代。十九世紀初期國家主義盛行，許多人基於他的波蘭舞曲、馬厝卡舞曲等等創作，也就順理成章認為蕭邦是「愛國作曲家」甚至「民族樂派作曲家」。然而蕭邦不認同政治與意識型態，甚至也不能說是教徒。他對故鄉有深刻感情，作品中充滿波蘭民俗元素，為波蘭復國大業也出人出力，但我們卻不能說蕭邦就是國家主義者。雖然他最好的朋友的確幾乎都是移居巴黎的波蘭人，蕭邦對巴黎的波蘭社群卻保持一定距離，包括以詩人米茲奇維契（Adam Mickiewicz，1798－1855）為首，旨在以藝術鼓動波蘭國家主義的「波蘭文學學會」（The Polish Literary Society） 。
就巴黎藝文環境和他所處的音樂氛圍而言，蕭邦和比他大七歲的白遼士、大一歲的孟德爾頌、與他同年的舒曼，和比他小一歲的李斯特都是朋友，舒曼更大力宣揚讚賞蕭邦的作品，但蕭邦始終不欣賞這些人的創作。事實上蕭邦的音樂品味甚為特殊，他不喜愛貝多芬卻稱讚胡麥爾 （Johann Nepomuk Hummel，1778－1837），還一度著迷於卡爾克布萊納，卻對白遼士、孟德爾頌、舒曼、李斯特的長處視而不見 ，堪稱一奇。
浪漫時代的旁觀者
但也因如此，若我們回到蕭邦音樂創作，可發現他不僅沒有受到這些人的影響（反而是他影響了他的同儕），甚至也難以受時代精神所影響。「任何現代（moderne）的東西都不在我的腦中」，蕭邦在1831年寫給沃伊齊休夫斯基的信中就這樣描述自己 ，而這也竟成他一生寫照。事實上蕭邦雖然年輕時活潑有趣，以模仿人為樂，甚至因模仿精湛而出名，但越到後來，他的世界越來越封閉，不交新朋友也難得認識新人物，關在自己的世界裡。他的朋友也順應或助長了這樣的情形。
當時鋼琴家馬蒙太（Antoine Fran?ois Marmontel，1816－1898）就說「蕭邦被一小群熱忱的朋友所包圍、奉承和保護，讓他遠離任何不受歡迎的訪客或不夠格的愛慕者。想要接近蕭邦是難事；就像他自己告訴賀勒（Stephen Heller，1813－1888），一個人必須要嘗試多次才能成功見到他。」 蕭邦當然不會完全不和他的時代互動，但他幾乎冷眼旁觀，很難稱得上涉入任何創作主義與藝術風潮。當時多數作曲家試圖結合文學與音樂，創作各式「標題音樂」以呼應浪漫主義文學風潮時，蕭邦卻始終不讓自己作品與文學主題連結，不但不創作文學性的藝術歌曲，更對創作三緘其口，鮮少給予比喻或故事。
白遼士、李斯特、華格納都常著迷於巨大的抽象概念，但蕭邦始終遠離這樣的創作構想；他不是沒有能夠捕捉如此概念的作品，蕭邦當然也有超然物外的樂思，一曲馬厝卡所包含的靈感與神秘可以等同白遼士一部交響樂，但蕭邦不會龐大擴張這樣的思緒，反而將這些感受收整在嚴謹精確而規模較小的作品。蕭邦一樣探索世界，但他所探索的是他所了解的世界，而那個世界最後就是蕭邦自己－－雖然那仍是極其豐富，充滿想像無限的天地。
巴洛克與古典精神
如此自我且獨特，情感洋溢卻又冷淡疏離，或許也正解釋了蕭邦作品中的巴洛克與古典樂派元素與精神。蕭邦擁有豐富的詩意、狂想、靈思與情感，他的個性卻又讓他追求秩序與精確，而非誇張與感傷。因此他需要以古典形式來承載浪漫想像。蕭邦信奉巴洛克至古典樂派的美學，認為音樂如同語言。雖然旋律聽來浪漫多情，蕭邦句法卻常是古典樂派的工整，以二句、四句、八句的樂節開展 。和他的時代更為不同的，則是蕭邦作品中廣泛出現巴洛克晚期的素材。我們不能忘記蕭邦對巴赫的終生熱愛，但貝多芬和舒曼一樣鑽研巴赫，卻沒有在其作品中顯露太多巴洛克元素，蕭邦卻從裝飾音奏法、樂句、織體、風格等等面向上皆看得到巴赫身影，以複音對位豐富樂曲的旋律與色彩，讓李斯特稱蕭邦為「巴赫的熱忱學生」 。
越到晚期，特別是1842年之後，蕭邦的創作越來越謹慎，風格也越來越對位化，甚至脫離鋼琴而走向自己建立的音樂世界。這樣奇特的「隔代遺傳」在音樂史上雖非獨一無二，卻也相當特別，只能說這是蕭邦的天性使然 。但要以此說蕭邦「不夠浪漫」而完全以古典主義詮釋蕭邦，也顯得過由不及。畢竟「浪漫主義時代」多種思潮風格並存，不是只有一種面向。如果我們能同意浪漫主義的終極精神在於深刻與豐富，直指人性幽微陰暗，和古典主義的明晰對稱相對 ，那麼蕭邦雖然也有明晰對稱的作品，特別是大型作品中出現的對稱性結構，但那深刻、豐富與幽微陰暗，確實還是不折不扣的浪漫主義精神。
大膽開創的音樂大師
蕭邦的浪漫展現在他的大膽開創。即使深受巴洛克與古典精神薰陶，蕭邦從青年時代就不是個「乖」學生，膽敢在作品中打破傳統，他的老師也順應蕭邦的天才與創意，讓他自由發展創意。雖然蕭邦的樂句維持均衡的古典美感，但他永遠嘗試形式的表現可能，透過變奏與裝飾改變主題呈現的手法，在基本形式中增刪擴減創造意外與驚奇；他更給予舊曲類新定義：「前奏曲」在蕭邦手上並非「前奏」，「詼諧曲」也不「詼諧」；他寫「敘事曲」卻不給故事，寫「奏鳴曲」卻不照「奏鳴曲式」；「夜曲」可以悲壯，「圓舞曲」可以憂鬱，「即興曲」還可以有嚴謹對位寫作……所有被蕭邦寫過的曲類，包括練習曲，在他之後都變了模樣，更有了嶄新的意義。
另一方面，蕭邦雖然為曲類重新定義，在定義之後他卻又彼此混合：你可以在圓舞曲和敘事曲中聽到馬厝卡，在協奏曲與奏鳴曲裡聽到夜曲；前奏曲與練習曲互相交融，波蘭舞曲和幻想曲合而為一。重新定義又彼此融合的形式與曲類，也就成為蕭邦作品的一大特色，甚至這融合本身即是更為大膽的創新。雖然身體並不強健，蕭邦的創作精神卻無比強悍。他明確知道自己的天份，知道自己和他人不同。蕭邦可以整合前人的心得，卻不只甘心於歸納統整而要開創新局。
至於蕭邦在音樂創作上最大的革新，或許還是驚人的和聲寫作：他大量運用不和諧半音，更誇張（但有品味地）玩弄同音異名轉調 。蕭邦可以用單一和弦讓時間停滯，卻也可以猛然連續轉換和聲以創造迷幻繽紛色彩，旋律甚至可以轉入純粹半音領域而如入無人之境 。蕭邦的二十四首《前奏曲》就是模糊了調性邊界，讓思緒在悲喜之間游移。《船歌》的和聲與轉調更是傳奇，在華格納之前就用了華格納式的和聲。如此大膽新穎的和聲語言，卻運用得美麗異常，甚至往往還符合古典美學的形式與句法，自然造就了蕭邦作品的獨特也啟發了無數作曲家。
蕭邦革命性的和聲寫作固然出於其音樂天才，我們也不能否認這相當程度來自民間音樂的影響。波蘭民俗音樂充滿獨具風味的音程、半音和調式 ，自然和蕭邦和聲運用呼應，而蕭邦不只從民間曲調中學到處理和聲與旋律的秘訣，也得到節奏運用的啟示。馬厝卡舞曲和波蘭舞曲的重音多在第二或第三拍，而蕭邦則掌握到各式波蘭民俗音樂的節奏特性並廣泛用於作品之中，創造獨特的韻律感與節奏效果。
也透過作品中豐富的和聲與節奏變化運用，加上強烈自我個性與頻繁出現的波蘭元素，在這種種開創背後，我們卻可以看到一以貫之的不變靈魂。即使創作時間差了二十年，你一樣可以從蕭邦最後一首夜曲中聽到他第一首夜曲的性格；但縱然缺乏激烈風格改換，蕭邦作曲手法卻又一直在變。變與不變之間，你幾乎可以永遠辨認出蕭邦，一位以無與倫比的旋律天份和迷人、獨特且思考至深的音樂寫作，為自己創造永恆的作曲家。透過蕭邦精緻精彩的創作，波蘭音樂終於超越地區限制而成為世界性的藝術，藉蕭邦作品成為不朽神話。

鋼琴作曲家
最後不能不注意的，就是雖然也寫作少量室內樂與管弦樂，蕭邦本質上仍是鋼琴作曲家。他的音樂和樂器完美融合為一，兩者不能分開。這可從蕭邦鋼琴曲幾乎無法改編得到證明；一旦改編，那些奇妙音響就只剩旋律與伴奏，完全喪失原有的色彩與效果。對安東?魯賓斯坦（Anton Rubinstein）而言，蕭邦根本就是「鋼琴的靈魂。」艾爾斯納和舒曼，以及蕭邦的許多朋友，都曾表示希望他能夠創作其他作品，向「更偉大」的作曲家地位邁進，蕭邦卻證明他在鋼琴上就能創造所有，反而給自己前所未見的獨特地位。「蕭邦是最偉大的，因為他只靠鋼琴就發現一切」－－德布西著名的讚美呼應了歌德的名言「在限制中創作方能顯出大師手筆」，蕭邦正是以鋼琴創造無限的大師。
既然鋼琴和蕭邦音樂密不可分，想了解蕭邦音樂自然也需要了解蕭邦的鋼琴演奏美學與技巧系統。但在討論演奏技巧之前，我們也需要認識鋼琴演奏與製造的發展脈絡，方能看清蕭邦獨特的歷史地位與非凡成就。下一章我們將探究鋼琴發展史與蕭邦的鋼琴，看看蕭邦如何承先啟後、繼往開來。

前言/序言

鋼琴大師魯賓斯坦（Artur Rubinstein）曾說：?世界各地聽眾音樂喜好不同，對作曲家各有偏愛，唯有蕭邦放諸四海皆準。?或許至今再也沒有一位作曲家能像蕭邦一樣，不只故鄉波蘭引以為傲，法俄兩國也搶著沾光，從南美到東瀛皆為之瘋狂。論知名度與通俗性，這世上還有巴赫、莫札特、貝多芬、柴可夫斯基等少數作曲家能和蕭邦競爭，但若考慮到他的相對少產（所有作品約16張CD即可錄完〉，以及他幾乎只創作鋼琴作品，蕭邦魅力堪稱絕無僅有。這世上當然還是能找出不愛蕭邦的人，蕭邦卻無所不在。
伴隨高知名度而來的就是高話題性。蕭邦作品不但頻繁出現在音樂廳與唱片錄音，就連蕭邦本人的故事也是熱門話題，特別是他和喬治桑（George Sand）的九年情史，更是作家爭相寫作的題材。關於蕭邦的書已經非常豐富，傳記尤其眾多。當2010蕭邦兩百歲誕生年到來，可以想見我們會有滿滿一整年的蕭邦。那麼，您現在正在翻閱的這本蕭邦書，究竟有何必要？又有什麼獨特性可言？為何要花費時間再寫一本有關蕭邦的書？
答案是－－《聽見蕭邦》是一本為音樂愛好大眾而寫，從音樂作品與演奏角度討論蕭邦詮釋各種面向的蕭邦書。
從蕭邦認識音樂
無論蕭邦在世人心中印象為何，他的名聲都來自於音樂創作。了解他的作品，其實是認識蕭邦最好的方法；而作品可以獨立於作曲家的人生外，這也是本書討論蕭邦創作所持的觀點。世事沒有理所當然，人生無法按圖索驥。我們可以設想，蕭邦真的是在聽到波蘭淪陷後滿懷悲憤，在鋼琴上揮灑出壯烈的《革命》練習曲；但在他最黯然神傷，身心俱疲的日子，他也出版《小狗》圓舞曲等輕鬆作品－－難道如此歡快活潑的作品，也是蕭邦失戀的心得？在《聽見蕭邦》中，筆者會論及蕭邦各種作品背後的影響以及他所處的時代背景，看看這位作曲家何時跟隨潮流，何時又刻意反叛，但不必然以蕭邦人生故事來解釋作品的創作背景。
若能了解蕭邦作品以及他的創作思考發展，愛樂者自能在感性主觀偏好外，也能以理性欣賞不同詮釋。以蕭邦《B大調夜曲》〈Nocturne in B major，Op.32 No.1〉為例，1970年蕭邦大賽冠軍歐爾頌〈Garrick Ohlsson〉的演奏可謂非常「嚇人」，充滿怪異的突強與中斷－－「難道這也是蕭邦《夜曲》嗎？」許多愛樂者乍聽之下必然有此疑問，甚至認為鋼琴家故意作怪。
然而這全是蕭邦寫在樂譜上的刻意指示，整首夜曲的結構與段落編排更無一不呼應如此古怪設計。許多鋼琴家受制於夜曲的「優美形象」，不敢真的照樂譜演奏，反而才是違背作曲家想法。當然就純欣賞的角度而言，就是喜歡這樣被「整理」過的演奏也沒什麼不對，但若能進一步了解樂曲，知道「夜曲」這個曲類的歷史背景和沿革，知道蕭邦常不按牌理出牌的個性，應能從演奏中得到更多心得，認識更真切的蕭邦。
同理，如果能夠注意到蕭邦的特殊和聲運用，比如《第二號鋼琴奏鳴曲》開頭或《第二號即興曲》中段，再回頭聆聽許多名家的演奏，就能知道某些聲部〈甚至某些關鍵音符〉以不同音色或音量演奏的道理。為何齊瑪曼〈Krystian Zimerman〉演奏的蕭邦《平靜的行板與華麗大波蘭舞曲》和兩首《鋼琴協奏曲》，樂句就是比其他鋼琴家「聽起來」通順？
如果能夠知道蕭邦「裝飾性變奏旋律」的寫法和特色，也就能客觀分析齊瑪曼傑出詮釋背後的原因。透過認識樂曲，愛樂者也能建立自己的欣賞美學而非人云亦云。蕭邦是創造美妙旋律的絕世聖手，但他所創造的並不只是美妙旋律。鋼琴大師各有所長，但樂曲就在那裡：音樂理解並無秘密，但也沒有捷徑。愛樂者對樂曲認識越多，聆賞樂趣也只會更多－－這也是筆者寫作《聽見蕭邦》的最大心願，希望愛樂者能樂在欣賞，知其然也知其所以然。
但任何一首作品若要深入了解，幾乎都可寫成一本小書〈甚至大書〉分析，如何取捨自然難以拿捏。《聽見蕭邦》旨在寫給一般愛樂大眾，因此本書將不會觸及「過分專業」的和聲學知識與分析，出現專有名詞時也將予以解釋。但筆者也不低估讀者的學習熱忱與能力；曲式與結構其實如同作文，段落安排可以透過分析或圖示了解。因此除了和聲學術語外，筆者仍會加入曲式分析，希望愛樂者能盡可能獲得紮實知識，並以此增進自己的音樂想法與藝術思考。
至於蕭邦樂曲在本書的介紹順序，筆者首先將討論蕭邦早期作品，看看這位音樂神童如何從學習中成長，當時音樂環境如何影響他的創作，以及他又如何成為獨當一面的作曲家與演奏家。對於進入成熟期的蕭邦，筆者將先討論他的小型作品，我們將看到作曲家如何自《練習曲》超越「華麗風格」並提出系統化的技巧心得，如何自《夜曲》學習「倫敦學派」抒情歌唱又能創新形式，以及如何藉《前奏曲》和《即興曲》重新為此二曲類定義。
小曲看完則看大曲，我們要看蕭邦如何在《詼諧曲》、《敘事曲》與成熟期《奏鳴曲》中展現創意，透過這些作品提出新曲類、新結構、新想法。而在審視大小兩類作品之後，接下來的兩個章節我們將同時看大又看小，看蕭邦如何在《圓舞曲》、《馬厝卡》、《波蘭舞曲》和波蘭歌曲中展現不同結構設計，並在晚期作品中展現的新寫作風格。《聽見蕭邦》將提及蕭邦所有創作；雖不可能每曲皆深入分析，但重要作品皆有詳細介紹。
但無論解釋有多詳細，一如之前所提到的諸位演奏名家和他們在錄音中所呈現的蕭邦詮釋，隨著音樂會與唱片錄音普及，現今絕大多數愛樂者都是透過演奏而非樂譜認識蕭邦作品。筆者從不忽視如此客觀事實，因此－－
從演奏認識蕭邦
在討論蕭邦作品的演奏與詮釋之前，我們必須先認識蕭邦本人的演奏。《聽見蕭邦》在第一部分導論中將正本清源，討論蕭邦的技巧系統與演奏美學，從鋼琴演奏發展史來定位蕭邦的成就。在個別曲目中，第二部分介紹蕭邦作品的章節皆附「延伸欣賞與錄音推薦」。
前者讓愛樂者觸類旁通，了解蕭邦的時代與他的影響；後者則以演奏水準與易購程度為考量，簡要嚴選經典錄音〈由於唱片改版頻繁，推薦演奏僅付唱片公司名稱而非唱片編號；年代久遠的錄音由於版權消滅，出版公司往往不只一家，因此亦不附唱片公司〉。在第三部分則將簡述世人眼中的蕭邦形象、討論蕭邦詮釋從古至今的變化，以及介紹歷屆華沙國際蕭邦鋼琴大賽－－2010年也是五年一度的蕭邦大賽年，而蕭邦大賽在二十世紀影響蕭邦詮釋觀點甚大，大賽賽史也具體而微反映不同時代音樂美學，在比賽之外更有歷史意義。
最後為了查閱對照之便，本書附錄包括蕭邦年表以及蕭邦作品表；編號與創作日期以目前通行最廣的Krystyna Kobylańska編號和目錄為準，也是本書通用的編號。若是想要對照本書聆賞蕭邦的愛樂者，擁有一套蕭邦作品全集錄音自為必要，但真正的「全集」卻相當少見。愛樂者可自行組合一套蕭邦全集；若想省事而一網打盡，英國唱片公司hyperion重發的歐爾頌蕭邦全集是筆者最為推薦的錄音。
雖然少了《馬奇斯跑馬曲》（Galop Marquis in A flat major，Op. Posth）和兩首《布雷舞曲》（Two Bourrées in g minor, A major，K1403-4），但此二曲毫無重要性可言（加起來不到兩分鐘），亦無蕭邦風格，無傷蕭邦全集的完整性。愛樂者也可收聽筆者在「Taipei Bravo FM 91.3」和「Classical古典音樂台FM97.7」所製作的「遊藝黑白蕭邦特別節目」，將會按照《聽見蕭邦》一一介紹蕭邦所有作品，也歡迎您上網收聽（好家庭聯播網，節目會保留站上供您選擇）。至於想現場聆賞蕭邦作品的讀者，筆者擔任藝術總監所策畫的「2010蕭邦國際鋼琴音樂節」，將從三月至十二月由十一位鋼琴家、十二套曲目，為愛樂者呈現蕭邦百分之八十以上的鋼琴獨奏作品，歡迎大家共襄盛舉！
有唱片、有廣播、有音樂會，還有這本仍是豐富扎實的《聽見蕭邦》：萬事具備，更不能缺少您的參與；希望拙著能書如其名，帶領您走向鋼琴詩人深邃美麗的藝術世界－－現在就請打開第一章，讓我們一起「聽見蕭邦」！

好的，这是一本关于“时间、记忆与艺术”的综合性读物，书名为《流光之隙：探寻逝去旋律的现代回响》，不含《聽見蕭邦 (附CD)》的具体内容。 --- 流光之隙：探寻逝去旋律的现代回响 导论：在回响中锚定当下 本书旨在跨越学科的藩篱，深入探讨“时间性”在人类文化构建中的核心地位，并着重考察那些看似消逝的艺术形式——无论是口述传统、失传的技艺，还是被遗忘的音乐语言——如何在当代语境下被重新发现、解读与重塑。我们并非沉溺于对“黄金时代”的怀旧，而是试图理解，当历史的物理载体不复存在时，记忆、物质遗存与文化想象力是如何共同作用，建构起一种持续的、可感知的“过去”。 《流光之隙》的核心命题是：每一个被我们定义为“古典”或“传统”的事物，都曾是某个时代的“当下”。我们如何通过现代的媒介和视角，激活那些沉睡在时间缝隙中的能量？ 第一部：物质的哀歌与无形的遗产 第一章：灰烬中的音符：未完成乐章的考古学 本章聚焦于那些因战争、灾难或社会变迁而中断的艺术创作。我们探讨手稿的残缺、乐器的损毁，以及演奏传统的中断如何为后世留下了巨大的解读空间。 巴赫未完之作的“假想补全”： 讨论音乐史学家和演奏家如何基于有限的材料，运用理论推演与美学判断，去“完成”那些戛然而止的篇章。这不仅仅是技术上的重建，更是一种跨越时空的对话。 活字印刷术在数字时代的幽灵： 考察传统手工技艺（如雕版印刷、珐琅彩绘）在工业化冲击下的衰退与回光返照。分析当代工匠如何通过模仿甚至超越古老技法，挑战“效率至上”的现代性逻辑。 非物质文化遗产的“液态化”： 探讨口述历史、地方方言和传统舞蹈在被记录成档案后，其“生命力”和“现场感”是否会随之消逝。如何平衡保护的静态需求与传承的动态本质？ 第二章：空间错位：建筑与记忆的重构 我们将目光投向那些在地理或政治版图变迁中被“放逐”的建筑语汇。探讨城市规划中的“抹除”行为，以及抵抗这种抹除的民间叙事。 废墟美学与创伤地理： 分析被遗弃的工业空间、战后重建中的断层地带，如何成为当代艺术家创作的灵感来源。废墟不再是终结，而是另一种形式的“在场”。 异地重建的文化张力： 以博物馆异地复制项目为例，探讨当一个文化符号脱离其原生语境，被置于全新的地理和社会环境中时，它所承载的意义如何发生位移和异化。 “看不见的城市”： 借鉴卡尔维诺的叙事框架，讨论城市中被忽视的角落——地下通道、被遗忘的后巷——如何通过个体经验的累积，重构出一套区别于官方历史的地下时间线。 第二部：感官的重塑与媒介的边界 第三章：听觉的复兴：噪音、沉默与电子学的介入 本部分深入探讨声音艺术如何介入对“失落之声”的搜寻与再造。我们关注的不是完美复刻，而是对“不完美”的拥抱。 磁带实验与磁失真（Wow and Flutter）： 分析早期的录音技术缺陷——如速度波动和噪音——如何被后来的实验音乐家视为一种独特的、具有时代烙印的音色，并被主动引入创作。 自然声景的消亡与合成： 考察因环境恶化而消失的特定生态系统的声音（如某些昆虫的鸣叫、特定水文系统的水声）。探讨合成器和采样技术如何尝试“填补”这些物理上的空缺，以及这种人工重现的伦理边界。 寂静的经济学： 在一个被声音过度饱和的时代，探讨真正的“寂静”的稀缺性。分析极简主义音乐和声场艺术如何将“听不见”作为一种有意识的媒介选择。 第四章：视觉的重影：胶片、颗粒与“不可见之光” 本章关注视觉艺术中，那些因媒介衰变而产生的独特质感，以及这些质感对当代影像创作的启发。 相纸的变黄与“时间腐蚀”： 分析老照片在化学作用下产生的色彩漂移、污点和裂纹，如何比清晰的图像更有效地传达时间的重量。我们如何学习从这些“错误”中读取信息？ 超8毫米的狂热与数字锐利度的反叛： 考察当代电影制作人对低分辨率、高颗粒感胶片格式的回归。探讨这种选择背后是对数字时代过度清晰、过度完美的审美疲劳。 绘画中的“光线遗迹”： 研究古典大师画作中颜料层老化后显现出的底层底色或修改痕迹，这些“不可见之光”如何揭示创作过程的真实面貌，而非最终的完美意图。 第三部：诠释的炼金术与未来的投射 第五章：翻译的迷宫：语境的漂移与意义的增殖 艺术的生命力往往在于其被不同时代、不同文化背景的观众和演奏家所“误读”和“再解释”的能力。 文本的“开放性”与“反向解读”： 以文学作品的后现代改编为例，探讨如何通过颠覆性的诠释，揭示文本中原本被压抑或未被察觉的社会潜流。 古老仪式的当代挪用： 分析民族志研究与艺术实践的交汇点。当一种具有神圣或特定社会功能的仪式被搬上舞台，其意义发生了怎样的转化？是亵渎还是激活？ “反向考古学”： 提出一种新的研究方法，即不从过去寻找现在，而是从现代的困境出发，去“建构”一个能回应我们需求的过去。例如，用现代的环保意识去“重读”古代的自然崇拜。 结语：在瞬逝中寻找永恒的支点 本书最终导向一个结论：艺术并非对永恒的捕捉，而是对“瞬逝”本身最深刻的致敬。当我们追溯那些逝去的旋律和消散的图像时，我们真正追寻的，是自身存在于时间洪流中的位置。 《流光之隙》邀请读者成为时间的探险家，不是去打捞沉船，而是学习如何在海浪的起伏间，辨认出那些转瞬即逝的光影，并将它们编织成理解我们自身文明轨迹的全新地图。我们所听到的，并非只是过去的余音，而是未来向我们发出的、最清晰的回响。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，有些音乐不仅仅是旋律，更是一种情绪的宣泄，一种故事的讲述。而肖邦的音乐，对我来说，恰恰是如此。他的钢琴作品，总能在不经意间触动我内心最柔软的部分，无论是那深沉的忧郁，还是那热烈的浪漫，都仿佛是我自己内心某个角落的回响。所以，当我在书店看到《聽見蕭邦》这本书时，我毫不犹豫地把它带回了家。书名本身就充满了艺术的想象力，它不是简单地让你“听”肖邦，而是让你“聽見”肖邦，这暗示着一种更深层次的理解和体悟。我猜想，这本书不仅仅是关于肖邦的生平介绍，更可能是一本解读他音乐灵魂的钥匙。我期待它能带我走进肖邦的创作世界，去了解那些旋律诞生的灵感来源，去探寻那些音符背后所承载的细腻情感。附带的CD让我更是觉得物超所值，这意味着我可以在阅读的同时，就能沉浸在他的音乐之中，让文字和旋律相互辉映，形成一种独特的阅读体验。我希望通过这本书，能够更加深入地理解肖邦音乐的独特魅力，不仅仅是为它的美而感动，更能理解它为何能触动如此多的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都觉得音乐是一种超越语言的存在，它能够直接触动灵魂，唤起我们内心深处的情感。而肖邦，无疑是古典音乐史上最耀眼的明星之一。他的钢琴曲，时而如潺潺流水般细腻温婉，时而又如狂风暴雨般激情澎湃，总能精准地捕捉到人类复杂而细腻的情感。我一直渴望能有一本书，能够帮助我更深入地理解肖邦音乐的魅力所在，而“聽見蕭邦”这个书名，恰恰引起了我极大的兴趣。它不仅仅是一个书名，更像是一个邀请，邀请我去倾听，去感受，去理解。我猜想，这本书不会仅仅停留在对肖邦作品的简单介绍，而是会深入探讨他音乐的创作灵感、他所处的历史时代背景，以及那些隐藏在音符背后的个人经历。附带的CD更是让我充满了期待，这意味着我可以在阅读文字的同时，同步聆听那些我可能还不太熟悉的肖邦作品，将书中的文字描述与实际的音乐感受联系起来，形成一个更加立体、更加生动的学习体验。我希望这本书能够为我打开一扇新的大门，让我能够以一种全新的方式去欣赏肖邦的音乐，不再只是被动地接受，而是主动地去探寻、去品味，去感受音乐家心灵深处的律动。

评分☆☆☆☆☆

书名《聽見蕭邦》给我的第一印象，就是一种充满艺术气息的邀请。我本身就是一位古典音乐的爱好者，而肖邦的音乐，更是我常听常新的精神食粮。他的作品，无论是宏大的叙事，还是细致入微的情感描摹，总能引起我深深的共鸣。然而，对于音乐理论的了解尚浅，我总觉得对肖邦音乐的理解还停留在表面，无法触及到更深层次的意境。因此，当看到这本书时，我立刻被它所吸引。我相信，它不仅仅是一本简单的音乐普及读物，更可能是一扇通往肖邦内心世界的窗口。我期待这本书能带领我，去发掘肖邦音乐中那些隐藏的故事，去理解那些旋律背后所承载的情感，去感受他那个时代的精神风貌。附带的CD更是让我惊喜，这意味着我可以在阅读时，即刻享受肖邦那美妙绝伦的音乐，让文字的描述与声音的感受融为一体，形成一种更深刻的理解。我希望通过这本书，能够更全面、更深入地认识肖邦，不仅仅是欣赏他的才华，更能体会他作为一个音乐家的生命体验，从而让每一次聆听都变得更加富有意义。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名就充满了诗意和画面感，“聽見蕭邦”，仿佛一下子就能将人带入那个充满旋律与情感的时代。我一直对古典音乐抱有浓厚的兴趣，但苦于自己音乐理论的匮乏，很多时候只能浅尝辄止，无法深入体会音乐背后的故事与情感。所以，当我在书店无意间看到这本书时，我的好奇心瞬间被点燃了。书名中的“蕭邦”二字，更是让我眼前一亮，肖邦的音乐，以其独特的忧郁、浪漫和深刻，总是能够触动人心最柔软的地方。我期待这本书能够像一位亲切的向导，带领我走进肖邦的音乐世界，让我不仅仅是“听到”他的音乐，更能“听见”他音乐背后流淌的故事，他指尖下倾泻的情感，以及那个时代特有的氛围。附带的CD更是让我感到惊喜，这意味着我可以在阅读的同时，立即沉浸在肖邦美妙的旋律中，让文字与音乐交织，达到一种更深层次的共鸣。我渴望通过这本书，能够更系统地了解肖邦的生平、他的创作背景，以及那些被奉为经典的乐章是如何诞生的。它会不会讲述肖邦那些动人的爱情故事，或是他在政治动荡中内心的挣扎？我猜测，这本书一定能够填补我在古典音乐知识上的空白，让我以一个更懂行的视角去欣赏那些美妙的音符，让每一次的聆听都变得更加丰富和有意义。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，第一眼就被那个富有诗意的名字吸引住了——“聽見蕭邦”。这不仅仅是一个简单的书名，它仿佛是一个无声的邀请，邀请我去聆听，去感受，去穿越时空，与这位伟大的音乐家进行一场心灵的对话。我对肖邦的音乐一直情有独钟，那些如泣如诉的夜曲，那些充满民族风情的玛祖卡，以及那些激情澎湃的练习曲，都曾在我无数个孤独的夜晚，给予我无尽的慰藉和力量。然而，我一直觉得，对肖邦的理解还仅仅停留在“听”的层面，而这本书的出现，似乎给了我一个机会，去“聽見”他音乐背后更深层次的东西。我非常好奇，这本书会以怎样的方式来呈现肖邦的音乐世界？是会从他的生平轶事入手，还是会深入剖析他的作曲技巧？亦或是会通过对具体作品的解读，来揭示音乐的情感内涵？附带的CD更是让我期待不已，我相信，在文字的引导下，再配合原汁原味的音乐，定能让我对肖邦的音乐有更加深刻的体验和领悟。我希望这本书能够帮助我，不仅能欣赏他的旋律，更能理解他的情感，感受他创作时的心境，仿佛置身于他所处的那个时代，与他一同呼吸，一同感受。

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肖邦一家在1810年搬到了华沙。肖邦在波兰被视为神童，1815年6岁的时候开始学习钢琴，相继由他的姐姐和母亲教授钢琴演奏。肖邦是个音乐天才，从小就展现出他惊人的音乐天赋，7岁时便能作曲，他的第一首作品B大调和G小调波兰舞曲创作于1817年，体现出肖邦不同寻常的即兴创作能力，他在华沙被誉为“第二个莫扎特”。

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等了好久了。总算有货了。。。

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内容不错，价格和服务也不错。

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102买的，有点贵了，活动价格居然涨到207，鄙视京东

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内容不错，价格和服务也不错。

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    只是這無所不能的浪漫王子，卻心甘情願為鋼琴貢獻一生；而鋼琴也忠實回報演奏藝術的一切秘密，將靈魂與蕭邦合而為一。蕭邦創作無法與鋼琴分離，若要真正認識蕭邦，也就必須要了解鋼琴演奏技法，輔以鋼琴發展歷史，才能清楚聽見蕭邦的歷史地位及非凡成就，以及人與樂器之間的心靈互通。

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肖邦1810年（清嘉庆十五年）出生在波兰中部小镇热拉佐瓦-沃拉（Zelazowa Wola，位于波兰首都华沙附近）[1]。他

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1822年起肖邦师从约瑟夫•艾尔斯内（Józef Elsner，1769年—1854年）学习音乐理论和作曲，一年后公开演奏了德国作曲家费迪南德•里斯（Ferdinand Ries，1784年—1838年）的作品。1826年从中学毕业后，肖邦在音乐学院继续跟随约瑟夫•艾尔斯内学习钢琴演奏和作曲。肖邦作曲相当勤奋，他发表的第二部作品是B大调钢琴和管弦乐变奏曲（Là ci darem la mano，Op. 2，1827年），来自莫扎特的歌剧唐•乔望尼（Don Giovanni），几年后在德国引起了轰动，1831年罗伯特•舒曼作为音乐评论家在莱比锡的一份19世纪最重要的音乐报纸中，以《作品二号》为题（德语：Ein Werk II.）写道：“先生们，向天才脱帽致敬吧”，对肖邦的作品给予极高的评价。

评分☆☆☆☆☆

肖邦一生不离钢琴，所有创作几乎都是钢琴曲。2010年为肖邦诞辰200周年，被波兰命名为“肖邦年”。