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馮建彰（二馬） 著

图书标签:

• 流行音乐
• 舞台设计
• 演唱会
• 活动策划
• 幕后故事
• 音乐产业
• 灯光音响
• 视觉设计
• 表演艺术
• 音乐制作

出版社： 大鴻藝術股份有限公司

ISBN：9789869111591

商品编码：16088565

包装：平裝

出版时间：2015-11-11

用纸：胶版纸

页数：208

内容简介

創造魔幻空間的幕後推手 表演舞台設計與娛樂產業全解析

舞台設計師，既要發揮創意，帶給觀眾豐富的視覺體驗，
又要協調層層技術環節，還得確保舞台安全無虞，
可能也要有強大的心臟，應付各種突發狀況。

然而，這份工作迷人的地方，
正是「現場」帶來的刺激感，以及永遠不嫌多的創意。
對於熱愛音樂、流行與設計的人來說，這是天下有趣的工作之一。

必應創造有限公司創意長馮建彰，
由個人經歷談起，介紹台灣舞台設計的歷史；
精選數場大型演唱會（蕭敬騰、蘇打綠、陳綺貞、張懸、李宗盛、滾石三十）與金曲獎舞台，
由發想、設計、執行……，解析舞台與現場演出之細節；
並由舞台設計的角度，探討台灣的娛樂產業。

作者简介

■作者簡介

馮建彰（二馬）
專長：
演唱會舞台設計、各類型專業展演空間（舞台劇、典禮、晚會、商業活動）規劃

經歷：
FREE'S設計公司 創辦人
1998年-2002年 TVBS 美術設計
2002年-2006年 東風電視台 美術組長
2006年至今 FREE’S福利事國際有限公司 負責人
2014年 FREE’S加入必應創造有限公司 任職 創意長
南台科大流行音樂產業系講師

作品：
數十場演唱會舞台設計執行經歷
多次負責兩岸三地大型頒獎典禮
台灣︱金曲獎、金鐘獎、金馬獎
中國︱華表獎、金雞百花獎
亞洲︱亞太影展頒獎典禮

華人大型音樂頒獎典禮：
KKBOX數位風雲榜、HITO流行音樂頒獎典禮
MTV封神榜、CHANELV榜中榜、中國移動咪咕無線音樂盛典

目录

自序
推薦序．段鍾潭（滾石唱片 總經理）
推薦序．陳鎮川（源活國際娛樂 負責人）
推薦序．張四十三（角頭音樂創辦人）
推薦序．林暐哲（林暐哲音樂社 負責人）
推薦序．鍾成虎（添翼文創事業 董事長總經理）
推薦序．尤佳施（TVBS 視覺中心 經理）

chapter 1 —演唱會後台人生的啟動
電視兒童到追星少年
我的年少第一志願
夢寐以求的工作
獨當一面設計節目舞台
人生的第一場演唱會
電視台的美好歲月
搶進中國市場
娛樂產業的巨變
在咖啡館誕生的舞台設計公司
十年努力的成果
現場工作的魅力

chapter 2 —原創舞台設計完全解析
圖解舞台
work 1 蕭敬騰 搖滾吧！ 進擊的大老蕭
work 2 蘇打綠 純白蜂巢．讓想像無限延伸
work 3 陳綺貞 雙環時光機護駕．才女蛻變女神

Special 雙環解密，專訪技術設計師：楊金源

work 4 張懸 倔將女聲．詩歌抵擋媚俗
work 5 李宗盛 深情大叔．掩不住的光華
work 6 滾石三十 人人心中都有一顆滾石
work 7 五月天 搖滾天團．用好音樂撼動世界
work 8 S.H.E 花漾女子．因愛而綻放

event 1 金曲獎 十年磨一劍．挺台灣流行音樂
event 2 音樂祭 重搖滾到小確幸
event 3 MOVING STAGE 街頭黑魂炫風
event 4 中央車站 未來展演空間．華麗進站

chapter 3 —從舞台設計看娛樂產業
揭開這一行的魔鬼交易
客戶服務一本經
娛樂產業的未來

前言/序言

　　整理資料寫作這本書的想法，源自於角頭音樂四十三老師在某一年邀請我到大專院校分享舞台設計的課程。在整理的過程中發現自己這十多年來累積了不少故事可以跟大家分享；加上授課時，同學們並沒有報以打瞌睡的回報，並且對我分享從舞台設計師去看娛樂圈、去解析他們的偶像等內容，覺得很有興趣的樣子。
　　於是，我在校園的演講持續了兩、三年，演講的內容也增加了新的作品分享，加上二○一三年的十二月參加了黃子佼主持的〈創意多瑙河〉節目，讓我更加確定要藉由出版，將我的經驗分享給更多想要了解娛樂文化產業幕後工作，甚至是對設計之路有興趣的讀者。
　　在第一次與出版社同事一起開會的時候，突然想起這本書，嚴格來說，是設計書？ 還是自傳？ 還是娛樂八卦內幕報導？究竟消費大眾有沒有興趣想要了解？
　　畢竟，在決定出書的一刻，就同時背上了市場銷售壓力了，總不能讓支持我的出版社賠錢吧！
　　一來我不是公眾名人，也不屬於專家學者，更沒有在世界各大設計獎項獲獎無數。於是我找到一個出版此書的角色定位，也讓所有不認識我、不認識我們團隊的人在看了這篇自序後，能夠引起閱讀興趣。
　　一九八○年代，全民一起努力創造台灣經濟奇蹟的同時，也慢慢多樣化了娛樂事業，我們的故事就從九○年代第四台（Cable台）浮現說起。因為第四台改變了電視圈產業生態，也造就了台灣無數的娛樂創意產業人才，FREE'S「福利事」便是其中孕育而生的特殊新興行業。
　　本書不僅從我與FREE'S 團隊的由來開始介紹，更會藉由時光倒轉，帶出你我所熟悉的人、事、物。除了有我們一路走來合作過的歌手、天王、天后、天團、知名經紀人、製作人、精采的合作回憶等，也會整理出所有設計作品記錄，將當時創作的艱辛過程、現場回憶與完美的成果，做獨家完整的整理，更會引用最新的影音連結，讓正在閱讀此書的讀者，運用手機的QR CODE連結，回顧當年的精采影音畫面。
　　除了介紹歷年知名的案件作品之外，我們更整理出一份淺顯易懂的演唱會行業小百科，將各位常常去看的演唱會現場各個工作單位、各區域硬體器材等做解說，讓對這一行有興趣的人有初步的了解。
　　要在這本書裡特別的感謝幾位前輩與朋友，因為他們給了像我這樣的創意技術工作者，一個充滿機會的時代。我相信許多與我一起成長的朋友也會對他們充滿感激。
　　葛姐、小燕姐、川哥、佳施姐、謝老闆、文玲姐、功儒哥、段老闆，以及我現在的老闆勇志、艾姐、五月天。
　　我的必應創造夥伴洋公、小張、阿樺、小春、志揚。我的FREE'S 老戰友大華、阿里。我的太太嘉汝、小犬有錢。以及購買此書的您！
　　最後，本書會取用到每一個合作過的客戶、唱片公司、製作公司的相關圖文，我們皆已洽詢當時合作的人士，並盡可能取得相關資料使用授權。若是有疏忽或不盡完善之處，在此深表歉意，並請各位繼續支持FREE'S。

乐章背后的光影：《舞台魔法师的进化史》 一部深入剖析现代音乐演出制作与舞台艺术变革的深度著作。 本书并非聚焦于特定音乐流派的兴衰或某场演唱会的具体流程，而是将目光投向了支撑起所有震撼演出的“幕后工程学”与“视觉叙事哲学”。它旨在描绘自二十世纪中叶以来，随着电子技术、材料科学与数字媒体的飞速发展，现场音乐活动如何从简单的音响扩声与灯光照明，蜕变为一场集多感官体验于一体的、高度复杂的艺术与技术融合体。 第一章：从“听”到“见”的革命——舞台概念的诞生与早期探索 本章追溯了现场音乐表演从俱乐部驻唱到体育场巡演的早期演变路径。我们探讨了早期舞台设计如何受到剧场艺术的直接影响，以及第一代灯光设计师如何运用简单的染色灯和追光灯来划分空间、引导观众注意力。重点分析了五十年代摇滚乐的爆发如何对舞台提出了新的要求——更高的能量、更强的视觉冲击力，以及对音响系统重新定位的迫切需求。 深入剖析了“舞台布景”概念的萌芽。早期的布景更多是作为乐队的背景板，但随着乐队形象建立的重要性日益凸显，布景开始承载更深层的象征意义。我们考察了早期巡演中，如何在有限的运输和搭建条件下，实现富有创意的视觉效果，例如利用有限的结构和投影技术来营造空间感。 第二章：技术的熔炉——电子、结构与视觉同步的早期尝试 进入六七十年代，随着合成器、MIDI技术的普及，音乐制作本身开始变得更加依赖技术。这种变化不可避免地渗透到了现场表演中。本章详细研究了舞台结构工程学的起步。 桁架结构的兴起与安全标准建立： 探讨了模块化、可快速搭建和拆卸的桁架系统如何成为现代巡演的骨干。书中详述了早期行业先驱们如何在缺乏统一规范的环境下，通过试错积累经验，最终形成了至今仍在使用的安全载重标准和搭建规范。 灯光控制的数字化前夜： 聚焦于从电阻调光到硅控整流器（SCR）调光器的过渡，以及第一批数字调光台的出现如何解放了灯光设计师的创意，使其能精确控制数百个灯具的同步运动。我们不会讨论具体某款调光器的操作手册，而是分析这类技术革新对“时间轴设计”产生的深刻影响。 视频与影像的初次登场： 记录了早期使用幻灯片和简易投影仪将静态或缓慢移动的影像投射到舞台背景上，以增强叙事感。分析了这些“粗糙”的视觉效果如何激发了后来的设计师对“动态背景”的无限向往。 第三章：空间的重构——从平面到立体的沉浸式设计哲学 本章进入八十年代到九十年代中期的关键发展期，这是舞台设计从“展示音乐”转向“体验音乐”的转折点。 “秀”的诞生与核心概念： 分析了超级巨星巡演如何将舞台设计提升为与音乐本身同等重要的体验要素。研究了如何通过多层次的舞台平台、升降机构和移动式机械臂，打破了传统舞台的平面限制，创造出具有戏剧张力的立体空间。 线阵列音响的革命与舞台几何学的关系： 探讨了线阵列音响系统（Line Array）如何改变了场地声场分布，进而影响了舞台的深度和高度布局。舞台设计师必须与声学工程师紧密合作，确保视觉设计不会对声音传播造成负面干扰，这是一个关于物理空间协调的复杂课题。 机械美学与隐藏工程： 详述了液压、气动和电动机械系统如何被巧妙地整合到舞台结构中，实现复杂、快速的场景转换。本书将深入剖析这些机械系统在设计之初的机械原理和结构可靠性考虑，而非侧重于演示其最终效果。 第四章：像素的胜利——数字媒体与交互式舞台的崛起 本章聚焦于进入二十一世纪后，数字技术对舞台美学的彻底颠覆。 LED屏幕的普及与“巨幕时代”： 详细阐述了高密度、高刷新率LED面板从昂贵的小众设备，如何迅速成为舞台视觉的核心载体。书中分析了LED屏的物理特性（如点间距、亮度、视角）对舞台设计师在选择材料、设计内容时的制约与解放。我们关注的是像素的组织逻辑，而非某个特定演唱会的视觉内容。 媒体服务器与实时渲染： 解释了现代媒体服务器在处理海量视频流、同步灯光控制信号以及管理复杂3D内容方面的核心作用。重点剖析了设计师如何利用预渲染素材与现场触发的交互元素（如传感器反馈）相结合，创造出看似“活的”舞台背景。 虚拟与增强现实的边缘探索： 简要回顾了在真实舞台空间中尝试引入3D映射（Projection Mapping）和早期增强现实技术的尝试，这些技术如何挑战了传统舞台边界的概念，为未来的沉浸式体验埋下了伏笔。 第五章：可持续性与未来的舞台：效率、数据与人本考量 终章将视角转向当代巡演制作面临的新挑战：环境责任、人员安全以及技术迭代速度。 模块化、轻量化与回收设计： 探讨了在大型巡演中，如何平衡宏大的视觉效果与日益严格的环保法规。分析了新型复合材料在舞台结构中的应用，以及设计阶段就必须考虑的运输效率和材料生命周期管理。 人机工程学在后台的应用： 舞台设计不仅关乎观众的体验，也关乎操作人员的工作效率和健康。本章分析了如何通过优化工作流程、合理安排机械操作台的位置，以及改善后台空间的布局，来提升整个制作团队的运行效能。 后疫情时代的适应与展望： 简要讨论了全球性事件对现场制作模式的影响，以及对小型、灵活、更具适应性的舞台解决方案的需求增长，预示着未来舞台设计将更加注重快速部署和多功能集成。 《舞台魔法师的进化史》 通过对技术、结构、美学理念的系统梳理，为读者构建了一幅宏大的、跨越数十年的舞台技术与艺术协同进化的全景图。它关乎如何将看不见的规则和看不见的连接，转化为可见的、震撼人心的现场体验。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的期待值飙升，主要源于它对“流行音乐”这一文化现象的独特切入点。我们消费的是舞台上的光鲜亮丽，是歌手完美的演绎，但真正支撑起这一切的，是看不见的幕布后的无数次争吵、妥协和灵感的碰撞。我尤其关注书中是否会深入探讨不同音乐流派——比如那种极简主义的电子乐和那种需要堆砌视觉奇观的体育场摇滚——在舞台设计理念上存在哪些本质的区别。一个好的舞台不应该只是一个背景板，而应该是音乐的延伸，甚至是乐器的组成部分。我希望看到作者能够分享一些具体的案例分析，比如某个标志性巡演的舞台概念是如何从最初的草图演变成最后呈现给世界的震撼景象的。如果书中能包含一些对“技术伦理”的探讨，比如如何在追求极致视觉效果的同时，保持演出的真实感和乐队的现场感，那这本书的价值就不仅仅停留在技术层面，而是上升到了艺术批评的高度。这种对“流行文化基础设施”的解剖，对我来说有着巨大的吸引力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是引人注目，那种带着复古颗粒感的黑白照片，配上霓虹灯般的醒目标题字体，一下子就把人拉进了那种迷幻又充满能量的后台世界。我原本以为这会是一本纯粹的理论书籍，讲解舞台灯光或者音响系统的技术细节，但翻开目录后才发现，它似乎更侧重于“人”的故事和“氛围”的营造。作者的引言部分写得特别有感染力，仿佛在邀请读者去做一次深入的“幕后潜水”。我特别好奇书中关于“即兴时刻的决策艺术”那一部分，毕竟现场演出瞬息万变，任何一个微小的失误都可能被成千上万的双眼捕捉。这本书的叙事角度似乎非常贴近实践者的内心独白，而不是那种高高在上的行业总结。它承诺揭示那些在灯光完全熄灭、观众散场后，设计师和技术团队是如何复盘、如何打磨每一个声波和光束的。从目前的了解来看，它似乎成功地架起了一座从纸面概念到实际震撼之间的桥梁，这对于任何一个对“制造奇迹”过程感到好奇的人来说，都是无法抗拒的诱惑。

评分☆☆☆☆☆

从“设计”的角度来看，这本书似乎提供了一个极佳的案例库，用以研究形式如何服务于功能，或者说，如何让功能本身成为一种极具表现力的形式。我个人对那些极具雕塑感的、能形成强烈空间感的舞台装置非常感兴趣。比如，一个舞台背景是如何通过倾斜、扭曲或多层次的结构，来配合音乐的情绪起伏，达到“视觉共振”的效果的？我猜想书中可能会详细阐述从3D建模到现场吊装的全过程中的各种工程挑战。更吸引我的是，它可能涉及了不同文化背景下的审美差异如何影响舞台设计语言的本土化调整。例如，一个在亚洲流行的设计元素，在欧洲的观众眼中可能需要做出哪些微调才能达到预期的震撼效果？如果这本书能够提供跨文化的舞台设计对比分析，那它将不再只是一本行业指南，而会成为一本关于全球流行文化视觉符号学的深度研究。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于娱乐产业的书籍很多，但大多要么过于偏向管理学，要么就是纯粹的硬件技术手册。这本书的标题中“祕辛”二字，让我嗅到了一丝不同寻常的八卦与深度并存的气息。我期待它能揭露一些行业内的“潜规则”或“不为人知的工作流程”。比如，在预算极其紧张的情况下，创意团队是如何利用有限的资源，通过巧妙的空间布局和光影魔术来创造出“物超所值”的视觉体验的？那些在舞台侧边沉默工作，默默调整每一个LED屏幕像素的技术人员，他们的心路历程是怎样的？我特别想知道，在筹备一个大型户外音乐节时，如何在不可控的天气因素下进行舞台结构的“鲁棒性设计”。如果书中能穿插一些采访片段，那些资深灯光总监或是舞台监督的“口述历史”，那无疑会是这本书的点睛之笔，让冰冷的技术规范变得有血有肉。

评分☆☆☆☆☆

这本书的潜在价值在于，它似乎在探讨一种“瞬间的永恒感”是如何被工业化生产出来的。一场持续两小时的演出，背后是数月甚至数年的准备工作。我着迷于这种时间跨度上的巨大反差。从设计师拿到音乐总监的“情绪板”，到最终舞台搭建完成的那一刻，中间所有的沟通成本、设计迭代，都是这个“流行音乐工业”的精髓所在。我希望书中能对“沉浸式体验”的构建有独到的见解，尤其是在后疫情时代，观众对现场体验的要求只会越来越高。这本书会不会触及到AR/VR技术在舞台设计中的早期应用尝试？亦或者，它会聚焦于那些经典舞台设计是如何跨越时间，成为一种文化符号的？我更倾向于后者，因为真正的设计精髓，往往在于它能超越当下的技术限制，成为一种可以被后人模仿和致敬的范本。