Understanding Comics: The Invisible Art[理解漫画:无形的艺术] 英文原版 [平装] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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Scott Mccloud（斯科特·麦克劳德） 著

图书标签:

• 漫画
• 艺术
• 视觉叙事
• 漫画理论
• 斯科特·麦克劳德
• 书籍
• 非虚构
• 设计
• 文化
• 媒体研究

出版社： HarperCollins US

ISBN：9780060976255

商品编码：19009969

包装：平装

出版时间：1994-04-27

页数：224

正文语种：英文

商品尺寸：26.0x17.2x1.9cm

内容简介

This is an exploration of the history, meaning, and art of comics and cartooning. Using comics to examine the medium itself, the author takes the form of a cartoon character and explains the structure, meaning, and appeal of comics, and provides a running analysis of comics as art, literature, and communication. He reaches back to pre-Columbus picture manuscripts and Egyptian monuments to trace the history of the comics and examines their place in today's pop culture.

作者简介

Scott McCloud is a four-time Harvey and Eisner winner.His comics have been translated into 14 languages.He's lectured on lectured on digital media at M.I.T.'s Media Lab and the Smithsonian Instution.

内页插图

精彩书评

"A landmark dissection and intellectual consideration of comics as a valid medium."
——Will Eisner

"McCloud is the McLuhan of comics."
——James Gurney, Dinotopia

前言/序言

深入探索叙事的力量：视觉文学的结构与意义 一部关于图像与文字如何交织，构建复杂叙事世界的深度理论著作 本书并非对特定漫画作品的评论集，亦非专注于某一特定流派或历史时期的通俗指南。相反，它致力于解构“叙事图像”这一复杂媒介的本质结构，探究其运作机制，以及它如何超越简单的插图，成为一种具有高度智识深度的艺术形式。作者以严谨的学术态度和敏锐的洞察力，将视觉叙事置于符号学、修辞学和美学批判的框架下进行审视。 我们习惯于将阅读视为一种线性的、依赖声音的体验，而本书挑战了这种根深蒂固的观念。它首先探讨了符号的本质——那些在方框（Panel）内被精心选择和排列的图像元素，如何被大脑瞬间解码，并转化为意义。这不仅仅关乎“看懂”图片上的内容，而是深入到图像本身的语法：透视法如何影响时间感？线条的粗细和阴影的运用如何暗示潜藏的情感？ 媒介的基石：图像的词汇与句法 本书的核心论点在于，漫画——无论是连环画、长篇图像小说，还是实验性艺术作品——都拥有一套成熟的、尽管常常是隐性的“词汇”和“句法”。作者花费大量篇幅分析了构成视觉叙事的最小单位：框格（Panel）。框格并非简单的场景划分，而是一种有意的节奏控制装置。它决定了信息的呈现速度、读者的目光流向以及场景切换的冲击力。通过对不同框格布局（如网格排列、碎片化布局、无边界结构）的详细剖析，本书揭示了作者如何通过空间的组织来操纵感知时间。 更进一步，作者审视了过渡（Transition）的艺术。从一个框格到下一个框格的跳跃，是视觉叙事中最具魔力的时刻。它可能是直接的“瞬间过渡”，也可能是需要读者参与构建的“非同步过渡”。本书系统地分类了这些过渡方式，并探讨了它们在构建因果关系、表现时间流逝或制造认知失调方面的效率差异。这种分析方法，将原本感觉上直观的“阅读体验”，转化为可被系统研究的结构过程。 看不见的对话：文字与图像的关系辩证 本书拒绝将文字视为图像的附庸或解释者。相反，它将文字（包括对话框、旁白以及环境中的文字元素）和图像视为相互依存、互相挑战的叙事实体。作者深入探讨了“冗余”（Redundancy，即文字与图像表达相同信息）如何服务于强调，而“对位”（Counterpoint，即文字与图像表达冲突或互补信息）又是如何催生出更深层次的讽刺、幽默或哲学思辨。 特别值得关注的是，书中对“封闭式”与“开放式”符号系统的讨论。在某些图像中，图像本身已经提供了所有必要的信息，文字成为多余的装饰；而在另一些情况下，图像只提供了一个模糊的框架，文字则承担了解释和定位的重任。理解这种动态平衡，是掌握视觉文学复杂性的关键。 空间、动作与时间的主观构造 传统的线性小说通过动词和时间副词来构建动作和时间感，而视觉叙事则依赖于空间布局和角色姿态。本书分析了如何通过对角线、重叠的图像层级以及对动作瞬间（Apex of Action）的捕捉，来增强动作的力度和戏剧性。 时间感在视觉叙事中是高度可塑的。一个被拉伸、细节丰富的框格可能只代表一秒钟的犹豫，而一系列快速、模糊的微小框格可能涵盖数小时的旅程。本书通过对“分镜的密度”与“叙事时间”之间关系的量化分析，揭示了艺术家如何在保持阅读流畅性的同时，灵活地拉伸或压缩时间维度。这种对时间主观性的探讨，将视觉叙事提升到了现象学研究的层面。 超越形式：美学、伦理与读者参与 本书的广度不仅限于技术分析。它还将视觉叙事的实践置于更广阔的文化和美学语境中进行考察。作者探讨了当艺术家选择打破常规的叙事结构时，他们所采取的美学策略——例如，使用非具象化的表达、抽象的符号语言，或故意引入混乱的布局，迫使读者离开舒适的阅读习惯，积极地参与到意义的建构过程中。 这种对“读者参与”的强调，是本书最深刻的见解之一。与被动接受印刷文本不同，阅读图像叙事需要读者不断地进行预测、连接断点、填补未被描绘的空间（即“空白”）。作者认为，正是这些“不可见的部分”——那些在框格之间发生而未被描绘的瞬间，以及那些留给读者想象力的解读空间——构成了视觉叙事独特的感染力和持久的生命力。 最终，本书为读者提供了一套精密的分析工具，用以解剖任何形式的图像驱动叙事。它要求我们重新审视我们对“阅读”的定义，认识到在视觉媒介中，形式（如何被展示）与内容（所展示的东西）是不可分割的统一体。它是一部献给所有对叙事结构、符号系统以及图像语言的力量抱有深刻好奇心的读者的理论经典。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的功劳在于，它提供了一套完整的、内省式的分析工具箱。它教会你如何不再是被动的接受者，而是成为一个主动的解码者。作者对“跨页”和“面板布局”的剖析，简直是教科书级别的示范。他展示了设计师如何利用物理空间——书页的边界——来控制读者的注意力焦点和阅读节奏，这是一种非常高明的心理学应用。我个人特别喜欢书中对“符号化”的讨论，即如何用最少的视觉信息，激活读者心中最丰富的联想。这种效率和信息密度，在如今信息爆炸的时代显得尤为珍贵。这本书读起来需要一定的专注力，因为它不是那种可以一心多用时阅读的材料，你需要全身心地投入到作者构建的逻辑迷宫中去。但一旦你适应了它的节奏，你会发现回报是巨大的，它让你对视觉叙事的每一个细节都充满了敬畏。这本书是那种你读完后会想立刻再买一本送给所有你尊敬的艺术创作者的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的视角非常独特，它挑战了许多关于漫画的传统偏见。作者成功地将漫画提升到了一个严肃的艺术和交流工具的高度，摆脱了长期以来被贴上的“低俗娱乐”标签。最让我感到震撼的是他对“时间性”的分析，也就是漫画如何通过一系列静态图像，来模拟连续运动和时间流逝。这种对“瞬时”的捕捉和排列，是其他视觉艺术形式难以企及的。书中引用的案例跨越了地域和时代，从早期的报纸连环画到当代实验性的作品，展示了漫画语言的普适性和强大的适应性。这种广阔的视野，极大地拓宽了我对“漫画”这个概念的理解边界。它不仅仅是超级英雄或儿童读物，它是一种可以承载任何哲学思辨或个人史诗的载体。读完后，我感到自己的思维方式似乎也变得更加“分格”和线性化了，学会在不同观点之间进行快速切换和衔接，这对于日常生活中的问题解决也有潜移默化的帮助。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是漫画爱好者的圣经，尤其是对于那些想深入了解这个媒介的人来说。它不仅仅是关于如何“阅读”漫画，更是关于如何“思考”漫画。作者的叙事方式非常引人入胜，他用清晰而富有洞察力的语言，将那些我们习以为常的漫画元素，比如分格、气泡、乃至字体的选择，都拆解得淋漓尽致。我过去看漫画时，很多画面是如何影响我的情绪和理解的，都只是模糊的感受，但读完这本书后，我感觉自己像是一个被授予了秘密钥匙的侦探，能够看穿每一个画格背后的意图。它真的改变了我对这个艺术形式的看法，让我认识到漫画远非简单的图画故事，而是一种复杂的、高度成熟的语言。我特别喜欢作者对叙事节奏和时间流逝的探讨，那种将时间“折叠”和“拉伸”的技巧，在其他媒体中是很难找到的。这本书的价值在于，它提供了一个强有力的理论框架，让你能够用一种全新的视角去欣赏你最喜欢的作品，无论是经典的连环画还是现代的图像小说。它让阅读体验从被动接受变成了主动的解码过程，让人忍不住想重读一遍旧有的收藏。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始对这本书的期望并没有那么高，以为它会是那种枯燥的学术论文，堆砌着晦涩的术语，但事实证明我完全想错了。作者的文笔异常流畅且充满激情，他把一个本应深奥的理论探讨，写得像是在和一位老朋友聊天，轻松地将复杂的概念融入到对具体案例的分析之中。这种深入浅出的能力非常罕见。我最欣赏的是他对“空白”和“非叙事空间”的处理。在视觉艺术中，我们常常关注“画了什么”，而这本书却着重探讨了“没画什么”的重要性，以及这些留白是如何驱动读者的想象力去填补信息差的。这种对读者参与度的强调，让我意识到漫画制作的精妙之处，在于它是在读者的大脑中完成的最后一步拼图。对于那些想自己动笔创作的人来说，这本书简直是一份无价的指南，它教会你如何掌控读者的眼睛和心灵，让他们在你设计的路径上行走，却又让他们误以为是自己做出的选择。阅读过程非常愉快，没有一丝为了说教而说教的感觉，全是真诚的分享。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它不是按时间顺序来梳理漫画史，而是像搭建一个复杂的建筑群一样，从最基础的元素开始，逐步搭建起宏大的理论体系。作者在第一部分解释了“什么是漫画”，接着深入到视觉语法，最后探讨了漫画作为一种文化现象的影响力。这种层层递进的逻辑，使得即便是对理论分析不太熟悉的读者也能跟上节奏。我尤其被其中关于“手绘感”的讨论所吸引。在数码绘画日益普及的今天，作者依然坚守并阐释了原始笔触中蕴含的、无可替代的情感重量。他论证了为什么即使是像素化的图像，依然需要模仿传统媒介的痕迹才能有效地进行情感交流。这不仅仅是对过去工艺的缅怀，更是对真实性与人性化表达的深刻致敬。这本书迫使我放慢速度，去观察那些我以前只是匆匆略过的细节，比如线条的粗细变化是如何暗示情绪的波动，或者阴影的运用如何构建三维空间感。每一次翻页都像是进行了一次微型的学术研讨会，充满了知识的愉悦感。

评分☆☆☆☆☆

其实这三本都有中译本 但我不推荐

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（那时我住在远方 喝着冰水

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By Stephen Goldberger "the goldberger" (Belle Mead, NJ United States)

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它告诉我：生命 不是一种距离！

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查看全部Scott McCloud is a four-time Harvey and Eisner winner.His comics have been translated into 14 languages.He's lectured on lectured on digital media at M.I.T.'s Media Lab and the Smithsonian Instution.

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Making Comics - Storytelling Secrets of Comics, Manga and Graphic Novels (2006)

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和

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