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启功，秦永龙著 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 中华书局有限公司

ISBN：9787101114966

商品编码：24733968975

出版时间：2017-05-01

作  者:启功,秦永龙 著 定  价:26 出 版 社:中华书局有限公司 出版日期:2017年05月01日 页  数:183 装  帧:平装 ISBN:9787101114966 ●序言
●一、执笔
●1.执笔方法
●2.运腕
●3.书写的姿势
●二、用笔
●1.中锋和偏锋
●2.露锋和藏锋
●3.方笔和圆笔
●4.悬针和垂露
●5.迟速、肥瘦、浓淡
●三、结字
●1.结字是书法艺术的首要问题
●2.汉字艺术结构的规律
●四、临帖
●1.为什么要临帖
●2.怎样选帖
●3.临摹方法
●4.值得注意的几个问题
●五、楷书、行书、草书和隶书练习法
●部分目录

内容简介

这本由启功、秦永龙著的《书法常识》详尽介绍了关于学习中国书法方方面面的基础知识，从书法的执笔、用笔、结字、临帖，到楷书、行书、草书、隶书的笔画写法和特点，各种书体的演变与发展等都有详实的介绍。 启功,秦永龙 著 秦永龙，北京师范大学教授，文字学、书法学博士生导师。北师大艺术与传媒学院书法系靠前任系主任，方正字库“方正启体”书写者。
启功（1912-2005），中国当代有名教育家、国学大师、古典文献学家、书画家、文物鉴定家、诗人，满族，爱新觉罗氏，是清世宗的第五子和亲王弘昼的第八代孙。北京人。字元白，也作元伯。幼年失怙且家境中落，自北京汇文中学中途辍学后，发愤自学。稍长，从贾羲民、吴镜汀习书法丹青，从戴姜福修古典文学。刻苦钻研，终至学业有成1933年经傅增湘先生推介，受业于陈垣，获闻学术流别与考证之学。后聘为辅仁中学国文教员；1935年任辅仁大学美术系助教；1938年后任辅仁大学国文系讲师，兼任等

翰墨丹青：中国传统绘画艺术的千年流变与审美意趣 本书导言： 本书并非关于笔墨纸砚的规范性讲解，亦非对特定书体演变的梳理。它是一部聚焦于中国传统绘画艺术——从魏晋风骨到近现代革新——的宏大叙事。我们将在字里行间，追溯水墨精神的源头，探究“写意”与“写形”的辩证统一，并深入剖析历代画家的心路历程及其作品背后的文化密码。本书旨在为读者构建一个立体的、富有生命力的中国画世界，理解其区别于西方油画体系的独特哲学基础与审美追求。 第一章：魏晋风骨与“以形写神”的滥觞 本章将从中国绘画的早期形态，特别是人物画的兴盛切入。我们聚焦于顾恺之、陆探微等早期大师，探讨“传神写照”的核心概念。这不是对生理特征的简单复刻，而是对人物内在精神气质的捕捉与提炼。我们将分析当时的社会思潮，如玄学对艺术观念的影响，如何使得绘画不再仅仅是记录历史或宗教教义的工具，而成为士人表达个体精神世界的媒介。重点解析“线条”在中国画中的本体地位——它不仅是轮廓，更是气韵的载体。 第二章：山水母题的诞生与“卧游”的哲学 随着士人阶层对自然认知与情感寄托的加深，山水画逐渐从人物画的背景中独立出来，成为一个独立的艺术门类。本章详细考察了荆浩、关仝等早期山水画家的实践。我们将深入探讨“可游、可居、可观、可游”的“卧游”思想，阐明山水画并非地理志的描摹，而是画家主观情怀与宇宙哲思的投射。重点分析“气韵生动”在山水画中的具体体现，如何通过对高低远近的处理（如三远法），营造出超越时空的意境空间。 第三章：宋元之际的文人画思潮 宋代，院体画与文人画并行发展，构成了中国艺术史上的双峰对峙。本章将重点剖析以苏轼、米芾为代表的文人画理论的形成。文人画强调“不求形似，但求意合”，其核心价值在于抒发个人学养与胸襟，而非迎合宫廷审美。我们将对比徽宗院体的精工细致与苏轼“论画以形似为小道”的论断，揭示艺术评价标准的根本性转变。随后，转向元代，探讨“四王”之前的早期代表，如赵孟頫对“复古”的实践及其对笔墨趣味的强调。 第四章：明清的笔墨演变与地域流派 明代中晚期，画坛进入一个高度成熟与多元化的阶段。本章将详细梳理吴门画派（沈周、文徵明）对宋元传统的继承与发展，以及董其昌提出的“南北宗论”对后世画坛产生的深远影响。这一理论的提出，实际上是对中国绘画史进行了一次重要的精神梳理。进入清代，我们将重点分析“四王”如何以集大成者的姿态，将笔墨技法推向极致，以及以石涛、八大山人为代表的“个性解放”思潮，探讨他们在传统框架内如何实现颠覆性的个人表达，尤其关注其在笔墨语言上表现出的强烈情感张力。 第五章：花鸟草木的象征意义与写生技巧 花鸟画是中国绘画中极富生命力的一支。本章将超越对动植物形态的描绘，深入解析其背后的象征体系：梅兰竹菊的“四君子”精神，牡丹的富贵气象，以及飞禽走兽所承载的吉祥寓意。我们将解析写意花鸟画中“墨分五色”的运用，探讨如何仅用黑白灰的变化，表现出物体生命的内在光泽与材质感。对比工笔草虫与写意大写意花卉在技法和精神内核上的异同。 第六章：章法布局的东方智慧 中国画的构图（章法）是其区别于西方透视体系的关键。本章专门讨论中国画的“散点透视”与“移步换景”的原理。我们不仅要研究如何处理画面的疏密关系、主次关系，更要探究“留白”的艺术。留白并非空白，而是构成画面意境不可或缺的组成部分，它是空气、是时间、是虚化的空间，是观者想象力的介入点。通过对具体作品的分析，阐释如何通过对空间和节奏的精妙控制，实现画面的“气”的流动。 第七章：近现代的冲击与转型 晚清至民国时期，西方现代艺术思潮的涌入对中国传统绘画构成了前所未有的挑战。本章关注徐悲鸿、齐白石等大师如何应对这一历史转折。徐悲鸿引入素描的结构观念以“中西融合”力图挽救传统绘画的“形不似”之弊；而齐白石则以更彻底的写意精神，将民间艺术的朴拙与文人画的笔墨融为一炉，达到了“大写意”的巅峰。本书将探讨，在时代变革的洪流中，中国画如何在坚守其精神内核的同时，实现了艺术语言的更新与传承。 结语： 本书试图呈现的，是一部关于中国审美精神如何通过水墨媒介得以固化和流传的编年史。它引导读者去体会，中国画的魅力并非仅仅在于其视觉上的美感，更在于它所蕴含的“一画之中，有时间、有空间、有人文”的东方哲学意境。 --- 本书特点： 1. 重精神内核，轻技法罗列： 专注于解析历代画家创作时的哲学思考和审美取向。 2. 跨越断代，贯通流派： 梳理山水、人物、花鸟三大门类的相互影响与各自的艺术高峰。 3. 语言学术化与可读性并重： 叙述流畅，但分析深入，避免使用过于晦涩的术语，同时保持研究的严谨性。 4. 对比参照： 适当地引入哲学思想（如道家、禅宗）作为理解绘画观念的钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常精妙，它不像市面上那些泛泛而谈的“创意入门”书籍，而是聚焦于“空间感知”这一核心议题，进行了深入且多维度的探讨。作者似乎对建筑学和心理学都有着深厚的造诣，他能够将人眼对三维空间的视觉处理机制，与居住者在特定空间中的心理感受无缝对接起来。比如，书中分析了“什么是压抑的屋顶高度”以及“如何通过光线的引入来重塑空间体积感”，这些分析都基于扎实的理论基础，却又充满了生活实例的佐证。读完之后，我再去观察自己日常生活的环境，都会下意识地去衡量梁柱的关系、材料的质地以及视野的开阔程度。这本书提供的不仅仅是理论，更是一种全新的观察世界的方式，它让我开始思考：我所处的环境，是如何塑造我的思想和行为的。对于室内设计爱好者或者建筑专业学生来说，这绝对是一本值得反复研读的案头工具书。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的语言风格简直是惊艳！它充满了诗意和哲思，读起来完全不像在阅读一本关于“观察力训练”的指南，更像是在品味一篇篇优美的散文。作者似乎拥有将最平凡的日常事物赋予非凡意义的能力，他引导读者去关注那些我们习以为常的“边缘细节”——比如光线穿过百叶窗在墙上投下的阴影，或者树叶边缘在阳光下的晶莹光晕。这些细节在书中被放大、被解构，并与更宏大的哲学命题联系起来，让人在阅读的过程中，不时会产生“原来如此！”的顿悟感。这本书的节奏感掌握得极好，时而缓慢沉静，时而激昂有力，文字的韵律感极强，让人忍不住想大声朗读出来。它真的教会了我如何慢下来，如何用更敏感、更具好奇心的眼睛去看待这个世界上的万事万物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容简直是打开了我对色彩世界的全新认知。作者的叙述方式极其生动，仿佛将我带入了一个由光影和颜料构筑的奇幻国度。尤其是对莫兰迪色系那种微妙层次的解析，让我这个以前只懂“红黄蓝”的门外汉，都能清晰感受到那种低饱和度带来的宁静与高级感。书中对于不同材质在光线下反射效果的描述也极为细腻，读着读着，我仿佛能触摸到丝绸的光滑和亚麻的粗粝。它不是那种枯燥的理论教科书，更像是一位资深艺术家在耳边轻声分享他的观察心得。我尤其欣赏其中几章关于如何运用色彩来表达情绪的章节，那些关于“忧郁的蓝”与“激昂的红”的对比分析，极大地丰富了我对视觉语言的理解。看完之后，我拿起任何一张图片都会不自觉地去分析其中的色彩构成和情感指向，这真是一次令人心神舒畅的审美提升之旅。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种刚刚接触艺术史的新手来说，这本书简直就是一座指路明灯，太友好了！它没有上来就堆砌那些拗口的专业术语，而是用非常清晰的逻辑线索，把西方文艺复兴到后印象派这段历史串联了起来。作者的笔法很接地气，他没有把那些历史上的大师描绘成遥不可及的神祇，而是像讲述身边的故事一样，勾勒出他们创作时的挣扎、灵感爆发的瞬间以及与同时代人的思想碰撞。我特别喜欢其中关于透视法演变的章节，原本以为是极其枯燥的几何知识，结果被作者巧妙地融入到艺术家的个人探索历程中，读起来津津有味。这本书的排版设计也十分用心，关键的画作插图清晰且恰到好处地出现在需要解释的段落旁边，极大地降低了理解门槛。强烈推荐给所有想系统了解西方绘画脉络，但又害怕被厚重理论吓跑的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于其跨学科的整合能力，它成功地将科学的严谨性与艺术的直觉性熔铸一炉。我原本以为“光学原理”和“艺术创作”之间会存在巨大的鸿沟，但作者通过大量精确的图表和详尽的实验案例，完美地弥合了这一差距。书中对人眼成像机理的阐述尤其出色，它解释了为什么某些色彩搭配会产生视觉疲劳，而另一些则能带来极度的舒适感，这背后的生物学基础被解释得清晰明了。最令我印象深刻的是关于“色差补偿”在数字图像处理中的应用部分，作者不仅解释了技术原理，还展示了艺术家如何有意或无意地利用这些自然法则来增强作品的表现力。这本书的深度和广度都超出了我的预期，它更像是一本高阶的认知科学读物，而非单纯的艺术技巧手册，极大地拓宽了我对“视觉”二字的理解边界。