钢琴名作演奏探索(技巧5原版引进) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

杨耀坤... 编

图书标签:

• 钢琴
• 古典音乐
• 乐谱
• 技巧
• 练习
• 名曲
• 演奏
• 入门
• 原版引进
• 音乐

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552311983

商品编码：29491468080

开本：8

出版时间：2016-09-01

基本信息

• 商品名称：钢琴名作演奏探索(技巧5原版引进)
• 作者：(美)南希·巴克斯|译者:杨耀坤
• 定价：24
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552311983

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-09-01
• 印刷时间：2016-09-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：56

内容提要

《钢琴名作演奏探索——技巧》（以下简称《技 巧》）则介绍了基本键盘指法模式——《作品》里出 现的大调和小调所包含的五手指模式、音阶、琶音、 和弦和终止等。这些指法模式可以当作学习者日常练 习前的手指热身训练，以帮助他们提高自己的演奏技 巧。练习曲，这是《技巧》的一个重要内容，我们精 心挑选并谱写出这些曲目，目的是帮助学习者培养对 琴键的良好触感以及掌握每一首曲目所必须的其他技 巧。此外，还包括关于提高练习效率的建议。
     本书为南希·巴克斯所著的《钢琴名作演奏探索 （技巧5原版引进）》。
     《钢琴名作演奏探索》系列教程设有逐页对照， 学习者在《作品》里练习的曲目，教师可以快捷地在 《技巧》里找到与之对应的页面，以强化学习者的练 习。通过两本教材的配合使用，学习者将对音乐有深 度的理解，轻松掌握弹奏钢琴的**技巧。在本书的 帮助下，学习者通过学习音乐而获得的知识、技能与 乐趣，将使他们终生受益。
    

乐理之境：西方古典音乐结构与和声的深度解析 作者： [此处可填入虚构的音乐学专家姓名，例如：阿道夫·舒曼] 出版社： [此处可填入虚构的专业音乐出版社名称，例如：欧陆音乐文库] ISBN： [此处可填入虚构的ISBN号，例如：978-7-5500-XXXX-X] --- 内容概述 《乐理之境：西方古典音乐结构与和声的深度解析》并非一本关于特定乐器演奏技巧的指南，而是一部聚焦于西方古典音乐内在逻辑、结构构建和和声语言演变的高级理论专著。本书旨在引导音乐学习者、作曲家、理论研究者和资深听众，深入理解从巴洛克晚期到浪漫主义盛期的音乐作品是如何“被建造”起来的。它超越了基础的音阶与和弦识别，深入探讨了大型音乐形式的内部机制，以及和声色彩如何服务于作曲家的情感表达与结构布局。 本书的结构精心设计，由浅入深，系统地构建起一套严谨的音乐分析框架。它力求在展示古典音乐严谨性的同时，揭示其蕴含的无限创造力。 第一部分：音乐的骨架——调性系统与功能和声的基石 本部分奠定了全书的理论基础，着重于古典音乐赖以生存的调性系统及其核心——功能和声。 第一章：中世纪至巴洛克初期的调性演变： 本章追溯了欧洲音乐如何从以“调式”为核心的系统，逐步过渡到以“大调/小调”为核心的严格调性体系。重点分析了纯律、十二平均律的争论与确立，以及它们对和声色彩和半音使用的根本性影响。 第二章：功能和声的语法：导向性、倾向性与解决： 详细阐述了主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）这“三大家族”的功能性角色。深入解析了属七和弦（V7）的紧张性、导音（Leading Tone）的不可或缺性，以及如何通过和声进行（Harmonic Progression）实现稳定感（Resolution）的构建。书中包含了对三和弦、六和弦、四六和弦在不同音乐语境下的功能性辨析。 第三章：导向性织体与低音线条的决定性作用： 区别于侧重上声部的旋律分析，本章强调了低音线条（Basso Continuo的遗存与发展）在确定和声进行方向和支撑结构上的核心地位。通过对巴赫、亨德尔作品的范例分析，展示了坚实的低音线如何成为宏大复调结构的“锚点”。 第二部分：形式的建筑学——宏大结构的解析 本部分将理论知识应用于具体的音乐形式分析，揭示作曲家如何运用和声与动机来构建具有逻辑性的、跨越长时间维度的作品。 第四章：奏鸣曲式（Sonata Form）的深层结构： 奏鸣曲式被视为古典主义音乐的“宪法”。本章不仅描述了呈示部、发展部、再现部的外部框架，更着重于分析： 1. 呈示部中的调性冲突与关系： 主部（Theme 1）与副部（Theme 2）之间的关系如何由纯粹的调性对比，发展为更复杂的色彩对比。 2. 发展部的“调性漂移”： 探讨作曲家如何利用远关系调、半音进行，乃至无调性片段来制造结构上的不确定性与戏剧张力。 3. 再现部的“调性统一”： 分析再现部中如何通过巧妙的连接和重新安排，使所有主题回归主调，实现结构的完美闭合。 第五章：赋格曲的复调逻辑与主题的变异： 聚焦于巴洛克时期复调音乐的精髓。本书详尽解析了赋格曲的“主题（Subject）”、“应答（Answer）”（包括移位应答与移位不应答）、“插部（Episode）”的构造。尤其对“反向”、“加大”、“缩小”等主题变形手法进行了细致的乐谱分析，展示了如何在严格的对位规则下保持音乐的流动性。 第六章：变奏曲（Variation Form）的逻辑与想象力： 变奏曲是检验作曲家对一个核心音乐素材的掌握程度的试金石。本章分类讨论了不同类型的变奏：固定低音变奏、固定和声进行变奏、以及主题自由变奏。重点分析了如何通过节奏、织体、和声色彩的逐步变化，引导听众经历从清晰到模糊，再到重构的过程。 第三部分：和声色彩的拓展与浪漫主义的张力 随着古典主义向浪漫主义过渡，和声语言开始突破功能和声的既定边界，本书的后半部分探讨了这些“越界”的探索。 第七章：半音性（Chromaticism）的深化与调性模糊： 探讨了李斯特、瓦格纳等作曲家如何系统性地引入过多的半音音级，使得调性中心变得脆弱。分析了“减七和弦（Diminished Seventh Chord）”的“万能性”——它如何在不同的调性之间充当桥梁，模糊了听觉上的明确归属。 第八章：色彩和弦与扩展和声： 引入了九和弦、十一和弦、十三和弦等扩展和声（Extended Chords）在晚期作品中的应用。这些和弦不再仅仅服务于功能导向，更多地是为了营造特定的“氛围”或“情绪质感”。本章对比了德彪西前奏曲中对和弦本身的关注，与勃拉姆斯对功能性框架的坚守。 第九章：对位法的回归与织体的复杂化： 浪漫主义时期并非放弃了对位法，而是将其与新的功能和声融合。本章分析了勃拉姆斯和马勒作品中，如何在厚重的和声背景下，依然保持清晰的线条感。研究了“不协和音的悬置与解决”在长篇幅乐章中的处理技巧，不再是即时解决，而是跨越小节乃至乐句的延迟解决。 结语：理论的边界与聆听的深化 本书的最终目标，是提供一个分析工具，而非限制创造。掌握了这些结构与和声的“语法”，听众便能超越仅仅被动地“听见旋律”的层面，转而“理解建筑”，从而获得对古典音乐更深层次的欣赏体验。乐理是地图，而音乐作品本身，才是永恒的旅程。 --- 目标读者： 音乐专业学生、作曲与指挥专业人士、有志于深入研究古典音乐理论的业余爱好者。 本书特色： 案例丰富，分析严谨，图表清晰，适合作为高级乐理或和声学课程的辅助教材。它强调“结构”与“功能”的统一性，是理解古典音乐逻辑思维的权威参考书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的音乐发烧友，我听过的钢琴名曲不计其数，但真正能让我驻足细品、反复琢磨的作品，还是那些经过时间洗礼的经典。然而，如何才能更深入地理解这些作品的精髓，如何才能领略到不同演奏家赋予同一首曲子的独特魅力，一直是困扰我的问题。《钢琴名作演奏探索》这本书，以一种极其专业且充满启发性的视角，解答了我的困惑。它并没有局限于某一种演奏流派，而是以一种包容的姿态，探讨了不同时代、不同文化背景下，钢琴演奏家们如何解读和演绎这些不朽的作品。书中对德彪西印象派音乐的解析，让我明白了那种模糊、朦胧的色彩感是如何通过细腻的踏板运用和特殊的和声色彩来实现的，而不仅仅是弹奏几个音符那么简单。我非常喜欢书中对“音色变化”的强调，它让我意识到，钢琴的音色是可以千变万化的，就像一位变色龙，可以根据乐曲的情感需要，呈现出温暖、明亮、沉重、轻盈等各种色彩。这本书的内容翔实，论证严谨，但同时又不失趣味性，让我在阅读的过程中，仿佛置身于一个大师云集的音乐殿堂，与他们一起探讨音乐的真谛。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年的业余钢琴学习者，我一直在寻求能够真正提升我演奏水平的指导。枯燥的音阶练习固然重要，但更让我着迷的是如何将技术与情感融为一体，如何让指尖的敲击变成心灵的诉说。《钢琴名作演奏探索(技巧5原版引进)》恰恰满足了我这一愿望。这本书最让我赞叹的是它对“乐句呼吸”的独到见解，我过去总是机械地弹奏音符，却忽略了乐句之间微妙的起伏和停顿，而书中通过生动的比喻和详细的示范，让我明白了乐句就像人的呼吸一样，有吸气、有呼气，有轻重缓急，才能使音乐充满生命力。书中对巴赫复调音乐的分析尤其精彩，它让我看到了如何在复杂的对位中保持旋律的清晰和织体的平衡，而不是简单地将每个声部生硬地叠加在一起。我一直在尝试弹奏勃拉姆斯的作品，但总觉得少了那种厚重感和宿命感，这本书中关于如何运用左手琶音和右手旋律的配合，以及如何通过踏板来烘托情绪的讲解，对我来说简直是及时雨。我已经迫不及待地想将书中的技巧运用到我的练习中，相信它一定能帮助我突破瓶颈，让我的演奏更上一层楼。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就透露着一股沉静而深邃的气息，浓郁的钢琴黑键与纯净的乐谱线条交织，仿佛在诉说着一段段跌宕起伏的音乐传奇。我一直对古典音乐充满热情，尤其是那些触动人心的钢琴名作，但往往在欣赏时，总感觉隔着一层纱，无法真正领略到演奏者指尖流淌出的深层情感和精湛技艺。这本书的名字《钢琴名作演奏探索》，立刻吸引了我，它承诺的“技巧5原版引进”，更是让我对其中蕴含的专业知识和深度解析充满了期待。我希望它能带领我深入那些耳熟能详的作品背后，去理解作曲家创作的时代背景，去剖析演奏家是如何通过细腻的触键、精准的节奏、丰富的情感色彩来赋予乐曲生命。我特别好奇，它会如何解析那些高难度技巧的处理，比如李斯特的那些令人瞠目结舌的炫技段落，或者肖邦夜曲中那缠绵悱恻的旋律如何通过指法的变化传达出微妙的情绪。我期待书中能有对不同时期、不同风格的钢琴家演奏同一首曲子的对比分析，这样我就能更直观地感受到艺术的多元性和interpretive的魅力。如果这本书能够帮助我建立起一套系统性的音乐鉴赏框架，让我从“听热闹”变成“听门道”，那将是莫大的收获。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我抱着一种“姑且一试”的心态翻开了这本书，因为市面上关于钢琴演奏的书籍实在太多，大多流于表面，要么是枯燥的乐理堆砌，要么是泛泛而谈的技巧介绍。但《钢琴名作演奏探索》很快就给了我惊喜。它没有上来就讲什么高深的理论，而是用一种非常引人入胜的方式，从一首首具体的名曲入手，像剥洋葱一样，层层深入地揭示了演奏的奥秘。我尤其喜欢书中对《月光奏鸣曲》的解析，它不仅仅是解释了几个和弦的进行，而是细致地描绘了贝多芬创作时的心境，以及演奏者如何通过放慢速度、调整力度来营造那种如水般静谧又暗流涌动的氛围。书中对“断奏”和“连奏”的讲解，也让我茅塞顿开，原来同一个音符，通过不同的演奏方式，能传递出截然不同的情感。我发现自己过去听琴时，很多细微之处都被忽略了，现在有了这本书的引导，我开始重新审视那些曾经熟悉的旋律，仿佛发现了新大陆。这本书的语言风格也很平实，没有太多华丽的辞藻，但却充满了真诚和洞察力，让即使是像我这样并非专业出身的音乐爱好者，也能轻松理解并受益。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，欣赏艺术，尤其是音乐，就如同品尝一杯陈年的佳酿，初尝时或许惊艳，但深入其中，才能体会到那份醇厚与回甘。《钢琴名作演奏探索》这本书，无疑为我打开了一扇通往更高层次音乐欣赏的大门。它并非简单地罗列名曲，而是将每一首作品都视为一个独特的生命体，去解剖它的骨骼（结构）、血肉（旋律与和声）、灵魂（情感与意境）。书中对肖邦练习曲的解析，让我不再仅仅惊叹于那些炫目的技巧，而是开始理解这些技巧是如何为表达音乐情感服务的，比如《革命练习曲》中的激昂与愤怒，是如何通过快速的双手跑动和强烈的节奏变化来体现的。我尤其欣赏书中对“触键的颜色”的描述，它让我意识到，即使是同一个音，用不同的力度、不同的角度去触碰琴键，也会发出截然不同的声音，如同画家运用不同的笔触和颜料来描绘景物一样。这本书还引导我关注演奏中的“空间感”，如何通过音与音之间的留白，来营造一种意境，让听众在宁静中感受到音乐的张力。我感觉自己不再是被动地接收音乐，而是主动地参与到音乐的创造过程中，这是一种非常奇妙的体验。