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☆☆☆☆☆

付林 编

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• 歌手训练
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• 流行音乐
• 实用教程
• 专业指导

店铺： 火把图书专营店

出版社： 中国文联

ISBN：9787519034122

商品编码：29497382778

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：歌手训练秘笈
• 作者：付林
• 定价：88
• 出版社：中国文联
• ISBN号：9787519034122

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：精装
• 页数：108
• 字数：69千字

内容提要

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作者简介

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目录

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聚光灯下的秘密：声乐技巧的全面突破与舞台表现力塑造 （一）引言：唤醒你内在的“金嗓子” 在这个光怪陆离的娱乐时代，音乐已成为人们生活中不可或缺的一部分。无论是KTV的尽兴高歌，还是大型演唱会的震撼全场，拥有一个稳定、有感染力的嗓音，是每一个音乐爱好者和专业歌手梦寐以求的能力。然而，声乐的提升绝非一蹴而就的“灵感爆发”，它是一门结合了生理学、心理学和艺术美学的严谨科学。 本书并非仅仅停留在“多喝水”、“少吃辣”这类基础的日常保养建议上。它深入挖掘了声音的物理原理，旨在为渴望在声乐领域实现质的飞跃的读者，提供一套系统化、可操作的训练蓝图。我们相信，天赋固然重要，但科学的训练方法和持之以恒的努力，才是通往卓越歌喉的真正阶梯。 （二）呼吸的艺术：支撑声音的坚实地基 声音的源头在于气息。许多演唱者之所以在高音区容易“虚”或“紧”，根本原因在于气息支持不足或运用不当。本书将彻底颠覆你对“深呼吸”的传统认知。 2.1 腹式呼吸的精确校准： 我们将详细解析横膈膜（膈肌）在发声中的核心作用。通过一系列专门设计的动态练习，读者将学会如何启动和维持“低位支撑”，确保气息如同一股稳定、持续的水流，而非阵雨式的喷射。练习中将引入“气柱感”的建立，帮助理解如何用腰腹力量“推”住声音，而非用喉咙去“挤”出声音。 2.2 气息的控制与延展： 气息的量与质同样重要。如何在一口气中完成长乐句的演唱而不喘息？本书提供了“气息的微分控制法”。这包括了对“气流速度”的调节训练，使其既能保持稳定，又能根据旋律的强弱变化进行即时调整。例如，对于连音（Legato）的流畅性，需要的是均匀而绵密的气流；而对于爆发力强的重音，则需要瞬间的气息爆发力。 2.3 气息在不同声区的应用： 探讨如何根据音区的高低，灵活调整气息的压力和流向。低音区需要更沉稳、宽厚的支撑，而高音区则需要更聚焦、集中的气流，避免因过度用力而造成喉部紧张。 （三）喉位的解放：打开声音的共鸣通道 声音的音量和音色，主要由共鸣腔体决定。喉位（Vocal Placement）是连接气息与声音质量的桥梁。一个被限制或抬高的喉位，是导致音色扁平、缺乏穿透力的主要原因之一。 3.1 喉部的自然放松与“打哈欠位”： 我们将引导读者找到发声时喉部最自然、最放松的状态。通过模拟“轻微的打哈欠”的感觉，激活咽腔的扩张，为声音创造一个宽敞的“反射室”。书中将详细阐述如何辨识并克服“喉头抬高”的坏习惯。 3.2 三大共鸣腔的激活与平衡： 胸腔共鸣、口腔共鸣和头腔共鸣（鼻窦、面罩）构成了声音的立体感。本书将使用听觉反馈和触觉定位法，帮助读者明确感受并独立训练这些共鸣区域。例如，如何通过面部肌肉的微调，将声音“投射”到面罩区域，以获得明亮、集中且不费力的“头腔共鸣”，这是实现高音穿透力的关键。 3.3 声音颜色的调配： 学习如何通过调整共鸣的侧重，快速改变声音的“颜色”——从温暖、厚重的抒情音色，到清晰、锐利的流行唱腔，一切尽在你的控制之中。 （四）声区的整合：告别“换声区”的困扰 对于大多数学习者而言，从胸声到头声的过渡区域（俗称“换声区”或“桥段”）是最大的技术瓶颈。本书提供了系统化的“无缝衔接”策略。 4.1 胸声与头声的内在联系： 摒弃将它们视为两个独立系统的旧观念，我们主张将声带想象成一个连续变化的“肌肉张力带”。通过特定的母音和辅音组合练习，读者可以学会如何平滑地增加声带闭合的张力，而非突然地“切换”模式。 4.2 混声（Mixed Voice）的精细化训练： 混声是现代流行唱法和音乐剧演员必备的核心技术。我们将深入探讨混声的生理基础——如何让胸声的厚度与头声的轻盈感在声带上达到最佳的协调点。练习将侧重于使用“捏鼻音”（Nasality）和特定的元音变形（Vowel Modification）来稳定声带边缘，避免在换声区出现裂音或僵硬。 4.3 跨越极限的高音技术： 针对高音，我们着重强调“减负”原则，即用更少的气息控制和更清晰的声带闭合去“抓住”高音，而不是靠喉咙的猛力推挤。 （五）音准与音高的精准把控 真正的专业歌手不仅要唱对音高，更要唱得“准”且“有味道”。 5.1 听觉内化与“听觉肌肉”的训练： 本章介绍了一系列高级的听觉训练方法，帮助读者将外部听到的音高，迅速转化为肌肉记忆。这包括了与调音器结合的动态练习，以及针对复杂和弦内音的锁定训练。 5.2 半音的微妙处理： 如何处理滑音（Glissando）、装饰音（Ornamentation）以及爵士乐中常见的蓝调音符？这要求对半音间的细微距离有精准的感知和控制力。 （六）风格塑造与舞台魅力 技术是骨架，风格是血肉。一个伟大的歌手必须能够驾驭不同的音乐风格。 6.1 情感的生理表达： 如何将内在的情绪转化为外化的声音表现？我们探讨了“情感投射”的技巧，即如何利用身体的姿态和面部表情来辅助气息的流动，使声音更具真实感和穿透力。 6.2 声音的个性化定制： 学习分析和模仿不同流派（如R&B、摇滚、民谣）中标志性的音色特点，并将其融入自身声音体系，形成独树一帜的个人风格，而不是沦为模仿者。 （七）日常维护与长期规划 声音是一项需要长期维护的“生物乐器”。本书最后一部分提供了科学的长期训练日程表、如何有效应对嗓音疲劳，以及在录音棚和现场演出中如何保护声带的最佳实践。 结语： 拿起这本书，你将开启的不仅是技巧的学习，更是一场与自我声音的深度对话。你的声音潜力远超你的想象，现在是时候用科学的方法，将这份潜力完全释放。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到这本《歌手训练秘笈》的时候，我并没有抱太大的期望，毕竟市面上关于唱歌的书籍太多了，很多都是泛泛而谈，看了一堆也找不到重点。但这本书的开头就给了我一个惊喜。它没有用那种故弄玄虚的语言，而是直接切入主题，用非常朴实的比喻，把一些复杂的声音原理讲得通俗易懂。我尤其喜欢它关于“共鸣腔”的讲解，以前我只知道唱歌要“打开喉咙”，但具体怎么打开，打开到什么程度，一直都很模糊。这本书里用“空旷的房间”和“箱子”来类比不同的共鸣腔，让我瞬间就有了画面感。它详细地解释了头腔、胸腔、鼻腔等不同共鸣腔的作用，以及如何通过调整身体姿势和口腔形状来引导声音进入这些共鸣腔。最重要的是，它提供的练习方法非常具体，不是那种“请大家多感受”的空洞指导。比如，它介绍了一个“哼鸣练习”，要求你在哼唱时去感受鼻腔和额头的震动，并且尝试将声音“推高”。一开始我不太理解“推高”是什么意思，直到我按照书里的提示，尝试用舌根去抵住口腔后壁，并且想象声音是从头顶出去，才恍然大悟。通过这个练习，我真的能感觉到声音的亮度有了明显的提升，而且也更容易发出一些高音，不再像以前那样费力。这本书让我明白，唱歌不是靠嗓子硬喊，而是要学会运用全身的共鸣，让声音变得更加饱满、有穿透力。

评分☆☆☆☆☆

阅读《歌手训练秘笈》的过程，对我来说更像是一场自我发现之旅。这本书不仅仅是教你唱歌的技巧，更重要的是，它引导你去了解自己的声音，去理解声音是如何产生的，以及如何才能让自己的声音发挥出最大的潜力。我之前唱歌的时候，总觉得声音很“闷”，不够舒展，好像被什么东西束缚住了。这本书里关于“声音的放松”的章节，对我帮助很大。它解释了为什么唱歌时会紧张，以及如何通过身体的放松来释放声音。书中提供的一些放松练习，比如“肩颈下拉”、“面部按摩”等等，都非常简单易行，我每天都会在唱歌前做一遍。刚开始做的时候，我并没有觉得有多大的改变，但坚持了一段时间之后，我发现自己唱歌时，肩膀和脖子不再像以前那样僵硬，脸部肌肉也变得更加放松。随之而来的，是声音的变化。我能感觉到声音变得更加流畅，不再那么“卡顿”，而且也更容易发出一些自然的颤音。这本书让我明白，很多时候，我们唱歌的问题，并非出在声带本身，而是我们的身体和心理层面存在着阻碍。学会放松，学会与自己的身体和谐共处，才是释放声音的关键。

评分☆☆☆☆☆

这本书我拿到手有一段时间了，一直想找个机会好好写写读后感，但总觉得词不达意。它不像那种枯燥的理论书籍，上来就讲一大堆我听不懂的声乐名词。这本书更像是跟一位经验丰富的老师在聊天，他用最接地气的方式，把那些唱歌的奥秘一点点地揭开。我印象最深的是关于气息的部分，以前总觉得唱歌就是憋着一口气往外喊，结果嗓子疼不说，声音也单薄得不行。这本书里讲到的腹式呼吸，听起来好像很简单，但真正练起来，才知道里面有多少门道。它不只是告诉你“吸气吸到肚子”，而是细致地描述了吸气的深度、时机，以及呼气时如何做到“缓、匀、稳”。刚开始练的时候，我经常掌握不好那个“缓”字，要么呼得太快，气息一下子就没了，要么就憋得脸色发青。书里的一些练习方法，比如“嘶”声长练，“哈”声吐气，真的非常实用。我每天坚持跟着书里的指导练习，虽然过程有点辛苦，但真的能感受到气息量和稳定性的提升。以前唱一些长音的时候，我总是提心吊胆，生怕声音会抖掉，现在虽然还不是完美，但至少能比较自信地去hold住，这让我对自己的进步充满了期待。而且，这本书讲的不仅仅是技巧，还融入了对唱歌的理解和感受，让我觉得唱歌不再是单纯的声带运动，而是一种情感的表达。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的“舞台表现力”部分，才是真正让我眼前一亮的。我之前一直以为唱歌就是把歌唱准、唱好就行了，对于所谓的“舞台魅力”，我一直觉得那是明星才需要考虑的事情。但读了这本书之后，我才意识到，一个好的歌手，不仅仅是声音的传递者，更是情感的共鸣者。书中关于“情感投入”和“与听众的连接”的章节，给了我很多启发。它并没有讲什么虚头巴脑的道理，而是通过很多具体的例子，阐述了如何通过眼神、肢体语言、以及对歌曲的深刻理解，来打动听众。我记得书里举了一个例子，关于一位歌手在演唱一首悲伤的歌曲时，是如何通过微妙的面部表情和细腻的手势，将歌曲中的情感层层递进地传递给观众，最终让全场观众都为之动容。这让我明白了，唱歌不仅仅是用声音去“唱”，更是用心去“演”。这本书还提供了一些关于“舞台互动”和“歌曲故事化”的练习方法，比如如何设计简单的舞台动作来配合歌曲的节奏，如何通过讲故事的方式来引导听众进入歌曲的情境。虽然我还没有机会真正站在舞台上表演，但这些内容已经让我对唱歌有了更深层次的理解，也让我对未来的舞台表演充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的颠覆了我对唱歌的一些固有认知。我一直以为唱歌最重要的是天赋，嗓子好不好是天生的，练也练不出来。但是读了这本书之后，我才发现，原来很多我们觉得是“天赋”的东西，其实都可以通过科学的训练来获得。书中对于“音准”的讲解，让我印象特别深刻。我一直觉得自己音准不是特别好，唱歌的时候经常跑调，尤其是一些复杂的旋律，更是难以下咽。这本书并没有简单地说“请多听多练”，而是提供了一系列非常实用的练习方法，比如“音程模唱”、“旋律重现”等等。它还强调了“耳朵的训练”和“身体的记忆”同样重要，不仅仅是靠脑子去记音高，更要让身体形成对音高的肌肉记忆。书中举了很多例子，解释了不同类型的音准问题，并且针对性地给出了解决方案。我按照书里的一些方法，每天花一点时间去练习，一开始觉得有点枯燥，但坚持下来，我惊喜地发现，自己在模唱一些简单的旋律时，跑调的情况真的大大减少了。有时候，甚至能准确地抓到一些之前觉得很难把握的音。这种进步让我感到非常有成就感，也让我对自己的音乐潜能有了新的认识。这本书让我明白，即使没有“天生的好嗓子”，通过科学、系统的训练，也能大幅度提升自己的音准和音乐表现力。