2018魔方文化 大笔触静物色稿 余春景徐鲁色彩调基础入门书12 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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余春景 编

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出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534067518

商品编码：29839888259

开本：8K

出版时间：2018-05-01

书名：大笔触静物色稿

主编：徐鲁

编著：余春景

出版社：浙江人民美术出版社

页码：128页

开本：8K

定价：118元

ISBN：9787534067518

出版社日期：2018年5月第1版第1次印刷

重量： 1.15kg

笔墨之间：探寻色彩的无限可能 本书旨在为艺术学习者提供一个全面、深入的色彩理论与实践指导，不依赖任何特定作品或作者的既有风格，专注于揭示色彩的本质规律及其在视觉艺术中的应用。 第一章：色彩的物理与感知基础 色彩并非仅仅是眼睛所见的现象，它是光、物质和神经系统的复杂交汇。本章将从物理学角度剖析可见光谱的构成，深入讲解不同波长光线与物体表面的反射、吸收和透射关系，构建坚实的色彩科学基础。 1.1 光的本质与色源： 详细阐述自然光、人工光源（如白炽光、荧光灯、LED）在色温和显色指数上的差异及其对物体固有色的影响。通过案例分析，理解“看”到的颜色是如何被光源“塑造”的。 1.2 人眼视觉机制与色彩适应： 探讨人眼视锥细胞的工作原理，解释人对色彩的感知过程中的生理局限性与主观性。重点介绍视觉暂留、色彩对比效应（如同时对比、后像效应），强调观察者在色彩体验中的主动角色。 1.3 色彩模型解析： 系统对比描述色模型（RGB）、减色模型（CMYK）以及CIE色彩空间（如Lab系统）。讲解这些模型在数字设计、印刷和传统绘画中的适用性与转换机制，使读者能够精确量化和控制颜色。 第二章：色彩的组织与和谐原则 色彩的有效运用，关键在于理解它们之间的内在联系和组织方式。本章超越基础的色轮，深入探讨色彩的排列组合规律及其带来的心理感受。 2.1 色彩的维度： 明确区分色相（Hue）、明度（Value/Lightness）和饱和度（Chroma/Saturation）这三大核心属性。通过大量实例，演示如何通过微调其中一个维度，就能彻底改变一种颜色的情感倾向和视觉重量。 2.2 色彩关系的构建： 详尽解析基于色轮的经典调和关系，包括互补色、邻近色、三原色、分裂互补色等。本节重点不在于机械套用，而在于理解每种关系所产生的视觉张力或平静感。 2.3 进阶的色彩调性与氛围营造： 引入“色彩倾向”（Color Bias）的概念，讲解如何通过整体画面色彩的偏暖或偏冷，构建特定的叙事氛围，例如，如何用低饱和度的蓝灰色调营造疏离感，或用高对比度的暖色调激发活力。 2.4 构图中的色彩平衡： 将色彩理论与构图法则相结合。探讨如何利用色彩的重量（由明度和面积决定）来引导视线，实现画面内在的动态平衡，而非仅仅依赖线条和形状的布局。 第三章：媒材特性与色彩表达 不同的绘画媒介具有独特的物理和化学特性，这些特性直接决定了色彩在画面上呈现出的质感和持久性。本章将侧重于分析不同材料如何影响色彩的“真实性”与“表现力”。 3.1 油画颜料的深度与层次： 深入探讨油画颜料的透明度、覆盖力以及干燥后的光泽变化。讲解如何利用透明颜料（Glazing）和不透明颜料（Impasto）的叠加，创造出超越平面的色彩深度和微妙的光影过渡。讨论媒介剂（如亚麻籽油、松节油）对色彩鲜活度的影响。 3.2 水性媒介的流动性与渗透性： 重点研究水彩和墨水的特性。分析水作为载体如何控制颜料的扩散和晕染效果，以及纸张的吸水性如何决定了色彩的最终明度和边缘锐度。强调湿画法与干画法的色彩控制差异。 3.3 现代材料的色彩实验： 考察丙烯颜料的快干特性和覆盖力在当代艺术中的应用。探讨混合媒介（Mixed Media）中，不同材质（如金属箔、沙子等）与颜料结合后对色彩反射率和视觉质感的影响。 第四章：从观察到再现——色彩的写生与默写技巧 色彩的实践是理论转化为直觉的关键环节。本章致力于训练读者观察世界的能力，并将其转化为具有个人印记的绘画语言。 4.1 简化观察法： 训练识别复杂场景中的主要色块和光影关系。教授“三调子”和“五调子”简化法，帮助初学者快速抓住整体色彩结构，避免陷入细节的泥潭。 4.2 环境光与反射光的处理： 讲解色彩关系中的动态变化。如何准确捕捉环境色对物体固有色的影响（例如，阴影中的蓝色调并非固有色，而是天空光的反射）。这要求学习者超越对“物体是什么颜色”的刻板印象，转向“物体在特定光线下呈现什么颜色”。 4.3 色彩的笔触与肌理： 探讨笔触本身如何承载色彩信息。分析不同笔触（快速的、厚涂的、薄扫的）在画面上如何与相邻色彩发生互动，创造出动态的视觉节奏和材质感。 4.4 色彩的记忆与重构： 针对默写训练，讲解如何建立基于情感和经验的色彩数据库。强调在没有实物参照时，如何调用对色彩氛围的内在理解，进行富有表现力的色彩重构，使画面具有超越写实的感染力。 第五章：色彩叙事与情感投射 色彩是艺术中最直接的情感语言。本章聚焦于色彩在艺术作品中承载的象征意义、文化内涵以及对观众心理的深层影响。 5.1 文化与象征： 探讨不同文化背景下，特定色彩（如红色、黄色、黑色）所蕴含的普遍象征意义及其在历史艺术中的演变。理解符号的相对性，避免陷入教条主义的色彩运用。 5.2 色彩与情绪的心理学关联： 基于色彩心理学理论，分析高明度、高饱和度色彩带来的兴奋感，以及低明度、低饱和度色彩带来的沉静或压抑感。学习如何精准调配色彩比例，以达成预设的情感目标。 5.3 风格化中的色彩选择： 分析从印象派的光影捕捉到野兽派的纯粹色块，再到抽象表现主义的色彩爆发，不同艺术流派如何系统性地处理色彩，建立起自身独特的色彩规范。鼓励学习者在掌握基础后，发展出属于自己的、有意识的色彩“语法”。 总结： 本书提供的是一套严谨的方法论框架，它引导读者像科学家一样分析色彩的物理规律，像音乐家一样组织色彩的关系，最终像诗人一样运用色彩来表达。通过对理论的深度挖掘和对实践技巧的全面覆盖，读者将能自信地驾驭色彩的复杂性和表现力。

评分☆☆☆☆☆

从装帧设计上来说，这本书的印刷质量非常出色，色彩还原度很高，这对于一本以色彩为核心的画册来说至关重要。我注意到，作者似乎非常偏爱使用高饱和度的色彩进行表达，这在很多当代写实画作中是比较少见的。他们似乎并不害怕色彩之间的“打架”，反而巧妙地利用这种紧张感来制造视觉焦点。书中对于“笔触”的运用也很有启发性，那些快速、有力的笔触，不仅交代了物体的基本形体，还传递出创作者当时的情绪和创作速度。这对于那些容易陷入“细节陷阱”的创作者来说，是一种及时的提醒：艺术创作，有时候更关乎气势和整体的把握，而不是微小的完美堆砌。它教会我如何保持作品的“呼吸感”。

评分☆☆☆☆☆

我将这本书推荐给了几位学习绘画的朋友，得到的反馈非常一致：这本书提供了一种非常“野性”的色彩训练思路。它不同于学院派强调的“和谐统一”，而是更注重“对比冲突”的艺术张力。特别是对于处理那些质地复杂的静物，比如金属的反光、水果表皮的粗糙感，书中的色稿提供了一种非常高效的解决方案——用最少的色彩信息量，表达出最大的物质感。与其说是“入门书”，我更愿意称其为“进阶的视角重塑指南”。它不是教你如何安全地画出一张“合格”的习作，而是鼓励你如何大胆地去“改造”你所看到的真实世界，用你自己的色彩语言去重新定义它们。这本书读完后，我感觉我的调色板上的颜色似乎都变得更有力量了。

评分☆☆☆☆☆

当我把这本书带回家，仔细研究了几天后，我不得不承认，它对我的创作习惯造成了一次不小的“冲击”。以往我总习惯于先打底稿再上色，力求结构准确无误。但这本书里的许多“色稿”似乎是直接从色彩感受出发，结构是在色彩的堆叠中自然形成的。这种“先声夺人”的创作思路对我来说是全新的挑战。书中某些场景的用光处理尤其值得称道，那种戏剧性的光影对比，让原本平凡的日常物品焕发出不一样的生命力。我尝试模仿其中一幅关于玻璃瓶和布料的练习，结果发现，关键不在于瓶子的形状画得多圆，而在于瓶子反射出的环境色和高光如何与背景的深色形成有力的对话。这本书的价值在于激发你对“光”和“色”之间复杂关系的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书的初衷，其实是冲着作者的名字去的，我对他们近年来的艺术探索一直保持着关注。然而，真正阅读后，我发现这本书的价值远超于作者的名气。它更像是一本“如何思考色彩”的指南，而不是一本“如何画好静物”的教程。里面对于冷暖关系的把握，那种看似随意却又精准到位的对比，简直是色彩学的活教材。我特别喜欢其中几幅关于水果和器皿的组合，那种厚重的颜料堆叠出的体积感和质感，隔着纸张都能感受到。这让我反思自己平时的创作，是不是过于拘泥于“调和”，而忽略了色彩本身应该具备的张力和冲击力。这本书的每一页都充满了实验性和探索欲，非常适合已经有一定基础，但希望在色彩表达上寻求突破的艺术爱好者。

评分☆☆☆☆☆

这本画册，我是在一个偶然的机会下，在朋友的书架上瞥见的。它装帧朴实，但内页的色彩和笔触却有着一种直击人心的力量。我首先被那些大刀阔斧的静物处理方式所吸引，完全颠覆了我过去对“静物写生”的刻板印象。它不是那种细致入微、追求照片般逼真效果的作品集，更像是一场色彩和光影的即兴演奏会。尤其是对物体边缘的处理，那种果断的切割感和色彩的碰撞，简直是教科书级别的示范，让人忍不住想立刻拿起画笔，去模仿那种洒脱和自信。虽然我并非专业科班出身，但光是翻阅这些稿子，就感觉自己的观察角度被打开了，明白了什么是“用颜色说话”，而不是仅仅“描摹形状”。这本书似乎更侧重于捕捉事物在特定光照下的本质感受，而不是记录其物理形态的每一个细节。