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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787552300130

商品编码：29867683301

丛书名： 音乐文化交响

开本：16开

出版时间：2013-01-01

 

 

   

 

目录 序  前奏曲  第-交响音乐与姐妹艺术  第-乐章音乐与舞蹈  第-主题歌莺舞燕——民间歌舞《云南印象》  第二主题乐情舞韵——艺术舞蹈《天鹅湖》  第二乐章音乐与美术  第-主题流动的建筑——巴洛克音乐《四季》  第二主题声音的颜色——印象派音乐《月光》  第三乐章音乐与戏剧  第-主题歌舞故事——音乐剧《猫》  第二主题梨园歌剧——京剧《空城计》  第四乐章音乐与文学  第-主题音乐诗歌——艺术歌曲《乘着歌声的翅膀》  第二主题音乐小说——标题音乐《幻想交响曲》  第五乐章音乐与影视  第-主题影视留声机——电影音乐《泰坦尼克号》  第二主题荧屏视听盘——电视音乐《亮剑》  第二交响音乐与科学技术  第-乐章音乐与科学  第-主题音乐的黄金分割——数化音乐 第二主题音乐的振动频率——图谱音乐《蒙古小夜曲》  第二乐章音乐与科技  第-主题声音的轨迹——载体音乐《四季歌》  第二主题音乐的革命——具体音乐《地铁练习曲》  第三交响音乐与相关文化  第-乐章音乐与历史  第-主题历史篇章——音乐会序曲《1812庄严序曲》  第二主题爱国史诗——交响合唱《黄河大合唱》  第二乐章音乐与地理  第-主题音乐旅游——景观音乐《大峡谷组曲》  第二主题音乐土产——苏州弹词《蝶恋花?答李淑一》  第三乐章音乐与民俗  第-主题琴弦上的传说——小提琴协奏曲《梁祝》  第二主题歌声中的风情——民间歌曲《绣荷包》  第四乐章音乐与哲学  第-主题对立统一——奏鸣曲式《“命运”交响曲》  第二主题物质运动——调性音乐《C大调前奏曲》  第五乐章音乐与宗教  第-主题佛音俗韵——Indie音乐《阿姐鼓》  第二主题神歌圣曲——赞美诗《哈利路亚》  第四交响音乐与社会生活  第-乐章音乐与人的素养  第-主题音乐的审美——钢琴小品《少女的祈祷》  第二主题音乐的教化——组歌联唱《让世界充满爱》  第二乐章音乐与人的生活  第-主题音乐中的生活——世博主题曲《阿拉侬：Better City Better Life》  第二主题生活中的音乐——环境音乐《回家》等  尾声

《音乐文化交响》讲述了你听过交响曲！那你听过音乐文化的交响吗？这支交响曲有各门学科的文化碰撞；这支交响曲能聆听到悠悠古韵的时代新声；这支交响曲对经典音乐进行了全新角度的诠释；这支交响曲还可以用来游玩，并听你评说。它是乐谱？乐典？乐评？还是音乐读本？走进《音乐文化交响》吧！

编辑推荐 《音乐文化交响》由上海音乐出版社出版。 作者简介 孙丹青，上海市普教系统曹建辉名师培养基地学员。上海市延安中学音乐高级教师、长宁区学科带头人、长宁区青年人才、长宁区青年教师、长宁区艺术教育先进个人。开创了“实践?示导”的课堂教学模式，对怎样发挥学生主动性、开发学生创新思维作了积极的探索，从而形成了以“人文关怀”为主题的教学风格。所领衔的多项课题先后获得市、区级科研成果奖，并努力开发校本课程、撰写校本教材，组织指导了众多富有校本特色的艺术活动。由于课内外艺术教育的丰硕成果，所在学校几轮被授予“上海市艺术教育特色学校”的荣誉称号。

 

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古乐新声：探索西方管弦乐队的辉煌历史与实践 一本关于管弦乐队艺术的深度指南 本书旨在为音乐爱好者、学生以及希望深入了解西方管弦乐队历史、结构、曲目和实践的专业人士，提供一个全面而详尽的导览。我们聚焦于管弦乐队自巴洛克时期萌芽至浪漫主义鼎盛，直至二十世纪革新这一漫长而激动人心的发展历程。全书不涉及特定的、由上海音乐出版社出版的名为“正版教程 音乐文化交响书籍 交响乐教材”的作品内容。 第一部分：起源与奠基——管弦乐队的早期形态 本部分追溯管弦乐队的根源，探讨其如何从小型宫廷乐队和歌剧伴奏团演变而来。 第一章：巴洛克时期的“弦乐先行者” 我们将详细考察十七世纪意大利和法国宫廷音乐对早期管弦乐队形态的影响。重点分析小提琴家族确立其主导地位的过程，以及大提琴和低音提琴的早期角色。 合奏团的组织： 探讨通奏低音（Basso Continuo）在早期管弦乐织体中的核心作用，以及羽管键、琉特琴等乐器如何支撑和连接整个乐队。 协奏曲的诞生： 深入解析维瓦尔第（Vivaldi）和巴赫（Bach）在协奏曲形式上对乐队编制和功能划分的贡献。特别是对比“大协奏曲”（Concerto Grosso）中乐队的对比手法。 器乐色彩的初步探索： 研究早期管乐器（如双簧管和法西米乐器族群）如何被零星地引入，主要用于增加音色对比而非提供稳定的和声支撑。 第二章：古典主义的规范化与清晰化 十八世纪中叶，随着“曼海姆乐派”的兴起和海顿、莫扎特的创作高峰，管弦乐队的编制和功能得到了空前的标准化。 “曼海姆之声”的革命： 详细描述曼海姆宫廷乐团如何率先引入严格的排练制度，并完善了如“增势”（Crescendo）和“减势”（Diminuendo）等动态技巧。 标准四组的形成： 剖析弦乐组的巩固，以及木管乐器（长笛、双簧管、单簧管和巴松管）如何以成对的形式固定下来，成为乐队的固定声部。 管乐与铜管的定位： 分析古典时期圆号和圆号（早期铜管乐器）如何主要承担和声“填充”功能，而非像后世那样承担主要的旋律或力度任务。 交响曲的结构革命： 探讨海顿和莫扎特如何将交响曲固定为四乐章结构，以及乐队编制如何精确服务于这种结构的需求。 第二部分：浪漫的扩张与情感的释放 十九世纪是管弦乐队规模和表现力实现爆炸性增长的时代。本部分重点关注贝多芬的遗产以及浪漫主义作曲家对乐队的重新想象。 第三章：贝多芬的英雄式扩展 贝多芬被视为连接古典与浪漫的桥梁，他对乐队的运用直接预示了后续的发展方向。 突破传统限制： 分析《第三号“英雄”交响曲》和《第九号“合唱”交响曲》中，他对定音鼓、长号和更宽泛的音域的运用，展示了如何用乐队来表达宏大的哲学思想。 情感表达的工具： 研究他如何利用乐器的音色组合来描绘极端的情感状态，而非仅仅是清晰的结构展示。 第四章：浪漫主义时期的管弦乐队巨型化 这一时期，作曲家们对音色和强度的追求，直接推动了乐队编制的空前扩张。 柏辽兹的“配器法圣经”： 深度解析柏辽兹（Berlioz）在《配器法》（Treatise on Instrumentation）中对所有已知乐器的详尽分类和描述，以及他本人在作品中对新乐器和大规模音响的运用（如《幻想交响曲》）。 瓦格纳的“管弦之声”： 探讨瓦格纳如何为了实现其“总体艺术作品”的理念，发明新的乐器（如瓦格纳低音管、高音萨克斯）或改造现有乐器，并创造出更厚重、更具延展性的管弦音响。 李斯特与管弦配器的色彩学： 研究李斯特如何借鉴钢琴技巧，将管弦乐的织体变得更为复杂和“交织化”。 第五章：民族乐派与地方色彩的融入 除了德奥传统，本章关注各国作曲家如何利用本国民族乐器和民间旋律来丰富管弦乐队的音色库。 俄罗斯五人组的创新： 研究穆索尔斯基、里姆斯基-科萨科夫等人如何运用独特的打击乐器和管乐器组合，描绘俄罗斯广阔的自然景观和民间故事。 德沃夏克的“新世界”之声： 分析捷克作曲家如何将斯拉夫民歌的节奏和旋律线条融入到标准的德奥管弦乐结构中。 第三部分：进入二十世纪——革新与解构 二十世纪，管弦乐队面临着前所未有的技术挑战和观念上的颠覆。 第六章：印象主义与音色的精雕细琢 德彪西和拉威尔将管弦乐从“叙事”和“表现主义”的重担中解放出来，转而专注于纯粹的音色体验。 “色彩的斑点”： 分析德彪西如何利用乐队中的特殊乐器（如竖琴、低音单簧管、钹）以及高音区和低音区的独特组合，创造出“朦胧”和“流动”的听觉效果。 拉威尔的配器大师课： 深入研究拉威尔对乐器法清晰度和精致度的极致追求，以其管弦乐改编作品为例，展示如何保持原作精髓的同时，达到前所未有的织体透明度。 第七章：现代主义的冲击与乐队的再定义 勋伯格及其追随者对传统调性的瓦解，要求管弦乐队必须适应新的和声语言。 十二音技法与管弦布局： 研究勋伯格如何将原本为室内乐设计的十二音体系应用于大型乐队，以及这如何挑战了传统乐器组间的协作模式。 斯特拉文斯基的节奏驱动： 分析《春之祭》中对管弦乐队打击乐的强化使用，以及对不协和音和原始节奏的强调，如何使乐队成为一个充满能量的“节奏机器”。 第八章：当代的探索与融合 本章涵盖战后至今，管弦乐队在技术和哲学层面的持续探索。 声部分割与微观音高： 介绍实验作曲家如亨策、布列兹等人如何要求演奏者在既有音高之间进行细微调整，或使用非常规的演奏技巧（如多重奏、噪音生成）。 电子媒介的结合： 探讨电子合成器、录音技术与传统管弦乐队的融合趋势，以及如何定义一个“后管弦时代”的乐队结构。 结语：永恒的活力 本书最后总结了管弦乐队作为西方音乐文化核心的持久生命力，强调其历史并非一成不变的教条，而是不断适应、吸收和创造新声音的动态过程。通过理解其发展脉络，听众将能更深刻地欣赏每一部伟大交响作品背后的历史语境与艺术抉择。

评分☆☆☆☆☆

我通常对教科书类的书籍敬而远之，总觉得它们充满了陈词滥调和刻板的教条。 然而，这本音乐文化交响书籍的问世，彻底改变了我的看法。 它的语言风格充满了活力和一种近乎散文的流畅感，读起来丝毫没有负担。 作者似乎将自己对交响乐发自内心的热爱，通过文字传递给了读者。 书中对“文化”层面的挖掘尤为出色，它没有停留在音符的层面，而是将交响乐放置于其所处的社会、哲学思潮的大背景下考察。 比如，书中分析浪漫主义交响乐如何成为表达个体“自我”和民族精神的载体时，那种阐释的深度和广度，令人叹服。 它让我意识到，欣赏交响乐，其实就是在与西方近三百年来的思想脉动进行对话。 另外，书中对一些非德奥体系的作曲家，如捷克、俄罗斯以及北欧作曲家的交响作品的介绍也相当到位，极大地拓宽了我原有的音乐视野，让我意识到交响乐并非仅限于维也纳的黄金三角。 这种包容性和批判性的视角，是判断一本优秀教材的重要标准。

评分☆☆☆☆☆

作为一名从小学习乐器但对音乐理论系统性学习有所欠缺的乐手，我急切地需要一本既有深度又不失趣味性的工具书。 这本由上海音乐出版社出版的教程，正好填补了我的空白。 它的结构安排十分巧妙，将历史演进与作品分析紧密结合，而不是简单地将它们割裂开来。 书中对于十八、十九世纪交响乐发展中的几次关键转折点，如贝多芬对交响曲形式的突破，以及瓦格纳对管弦乐队音响的革新等，都有着精辟的论述。 我特别喜欢它对“交响诗”这种新兴体裁的探讨，清晰地阐述了叙事性音乐与传统交响曲之间的区别与联系，这在其他泛泛而谈的音乐普及读物中是很难找到的深度。 此外，书中的排版设计也体现了出版社的用心，注释清晰，关键术语加粗处理，使得在查阅和回顾时非常高效。 这种既能满足学术探究的欲望，又能服务于日常自我学习需求的教材，实属难得。 它让我明白了，即便是已经熟悉的乐曲，在了解了其创作背景和结构逻辑后，再次聆听时，情感的共鸣会上升到一个全新的维度。

评分☆☆☆☆☆

我最近在寻找一本能够真正提升我对西方古典音乐鉴赏水平的书籍，辗而求中了这本教程。 坦白说，初看目录时有些担忧，毕竟“交响乐教材”听起来就带着一丝学术的严肃性，担心内容会过于晦涩难懂。 然而，实际阅读体验完全颠覆了我的预想。 它的叙述方式非常注重听觉体验的描述，作者似乎深谙如何用文字来“描绘”声音的质感和色彩。 比如，当讲解到勃拉姆斯或马勒的交响曲时，文字中流淌出的那种厚重感和情绪的起伏，让人仿佛能“听见”铜管的辉煌和弦乐的细腻。 书中对于“和声”和“对位”这些专业名词的解释，也采取了非常生活化和易于理解的比喻，避免了纯理论的僵硬。 很多章节后附带的“聆听建议”部分，更是点睛之笔，它指导读者应该关注哪些细节，如何区分不同乐器的音色在整体织体中的作用，极大地提升了我的主动聆听能力。 过去听交响乐总觉得宏大但抓不住重点，读完这本书后，我开始尝试去捕捉乐章内部的对话和冲突，这让每一次的音乐欣赏都变成了一场充满发现的探险。 这种由内而外提升鉴赏力的书籍，才是真正值得反复品味的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐文化的交响乐教材，从拿到手的那一刻起，我就被它厚重的质感和精美的装帧所吸引。 翻开扉页，首先映入眼帘的是上海音乐出版社的标志，这让人对内容的权威性和专业性有了初步的信任。 深入阅读后，我发现它不仅仅是一本枯燥的知识罗列，而是一场精心编排的音乐之旅。 书中对交响乐发展史的梳理脉络清晰，从巴洛克时期的严谨到浪漫主义时期的奔放，再到近现代音乐的多元探索，作者似乎总能精准地抓住每个时期的核心精神，用生动的语言将复杂的音乐现象娓娓道来。 特别是关于不同乐章结构和配器法的讲解，图文并茂，即便是对古典音乐涉猎不深的读者，也能通过书中的图表和实例分析，构建起一个相对完整的知识框架。 我尤其欣赏作者在探讨经典曲目时，那种深入骨髓的洞察力，仿佛带你走进了作曲家的内心世界，去理解那些音符背后所蕴含的时代背景与个人情感。 每次合上书本，耳边似乎还能回荡起那些宏大的管弦乐声，让人忍不住想立刻去聆听一遍书中所介绍的作品，这种强烈的引导性和沉浸感，是很多同类书籍所欠缺的。 毫无疑问，这是一本非常适合音乐爱好者和专业学生共同研读的佳作，它为我们打开了一扇通往交响乐殿堂的华丽大门。

评分☆☆☆☆☆

对于一个刚入门的音乐发烧友来说，面对浩如烟海的交响乐作品目录，选择从何处下手常常感到迷茫。 这本教程提供的导览系统简直是一盏明灯。 它没有试图在一本书中囊括所有知识，而是采取了精选重点、深度剖析的策略。 挑选的曲目案例都极具代表性，并且对这些代表作的分析深入到乐章的动机发展和配器细节。 我特别喜欢它关于“指挥家的诠释”这一部分的讨论，虽然篇幅不长，却提出了一个核心问题：同一部作品，为何在不同指挥棒下会呈现出截然不同的面貌？ 通过对几个不同版本录音的对比分析（虽然是以文字形式呈现的对比），它巧妙地引导读者思考艺术的再创造性。 书籍的知识密度很高，我需要反复阅读才能消化其中关于曲式结构变化的细微差别，但这正说明了它的价值所在——它迫使读者进行积极的思考和深入的聆听。 购买它，就像是为自己配备了一位私人、且学识渊博的音乐向导，让你在交响乐的广阔海洋中，不再是盲目漂流。