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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552307924

商品编码：29867688629

丛书名： 赵晓生交响作品集

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一、追日（帕萨卡里亚）
二、奔月（浪漫曲）
三、填海（谐谑曲）
四、补天（赋格）

一、追日（帕萨卡里亚）
二、奔月（浪漫曲）
三、填海（谐谑曲）
四、补天（赋格）

《西方管弦乐队发展史略》 一、绪论：管弦乐队的诞生与演变 本书旨在系统梳理西方管弦乐队自文艺复兴晚期萌芽，历经巴洛克、古典、浪漫直至近现代的漫长发展历程。我们将深入探讨音乐思想、社会需求、乐器制造技术革新如何共同塑造了我们今日所见的标准交响乐队编制。 本卷将首先界定“管弦乐队”的早期形态，即围绕宫廷和教堂音乐需求而形成的器乐合奏体。重点将放在巴洛克时期，乐队如何从不固定的“古老乐团”（Consort）形态，逐渐向以弦乐组为主体，木管、铜管乐器作为色彩性补充的早期交响乐队过渡。我们将分析这一时期，如蒙特威尔第、巴赫和亨德尔等作曲家在乐队配器中的开创性贡献，以及数字低音（Basso Continuo）在组织早期乐队声响中的核心作用。 二、巴洛克与古典主义的奠基：从协奏曲到交响曲 在巴洛克晚期至古典主义初期，乐队的结构开始趋于稳定。第二章将聚焦于这一关键转型期。我们细致考察了小提琴族群如何确立其无可替代的中心地位，以及双簧管、大管（巴松）和圆号的加入如何丰富了木管和铜管的音色层次。 本章的重点将转向早期交响曲的诞生地——曼海姆乐派。曼海姆乐团以其严格的训练、精湛的技艺以及对“曼海姆式爆发”（Mannheim Crescendo）等特殊效果的追求而闻名。我们将分析卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫（C.P.E. Bach）和约翰·施塔米茨（Johann Stamitz）等人在确立标准四部弦乐组（第一、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）以及固定木管双管编制方面的贡献。 随后，本书将转向海顿和莫扎特对古典交响曲体裁的完善。在海顿的晚期作品中，乐队规模已显著扩大，尤其对铜管乐器（圆号和自然小号）的使用更为成熟，不再仅仅是和声的支撑，而是开始担负旋律性的任务。莫扎特则将木管乐器的独立声部地位提升到了新的高度，其歌剧乐队配器法对后世影响深远。 三、浪漫主义的扩张：音响的极限与新乐器的涌现 浪漫主义时期是管弦乐队规模急剧膨胀的时代。第三章将探讨这一现象背后的驱动力：作曲家们追求更宏大、更具戏剧性的情感表达，以及更广阔的音域和更丰富的音色对比。 我们详细剖析了贝多芬在《第三号交响曲“英雄”》和《第九号交响曲》中对乐队编制的突破性拓展，特别是对长号首次引入交响乐队，以及对定音鼓和更强音量的追求。 随后，本书将重点分析19世纪中叶的“大乐队”趋势，从柏辽兹（Hector Berlioz）的配器革命到瓦格纳对管弦乐队的重塑。柏辽兹的《幻想交响曲》不仅仅是曲目研究，更是对乐队音响潜能的系统性探索。瓦格纳在《尼伯龙根的指环》中引入的“瓦格纳低音大管”（Contrabassoon）、特殊调制的低音铜管乐器（如低音长号和华格纳低音号）的实践，直接推动了乐器制造商对铜管组的改进。 本章还将对19世纪下半叶新乐器的吸收进行考察，如中音号（Tenor Horns）和中音长号（Alto Trombones）在德奥体系中的地位确立，以及皮斯托涅姆（Pistons）和维也纳式按键系统对圆号和小号音域扩展的关键作用。 四、印象主义与20世纪的解构与重构 进入20世纪，管弦乐队面临着前所未有的挑战与机遇。第四章将研究印象派作曲家，如德彪西和拉威尔，如何将对色彩和氛围的追求推向极致。拉威尔对乐器音色的精妙组合，以及对竖琴、长笛和打击乐组的细致入微的运用，标志着配器艺术进入了高度精炼的阶段。 随后，本书转向对传统功能和声的瓦解。斯特拉文斯基、勋伯格以及后来的序列主义作曲家们，他们对乐队的重新思考，有时体现为乐队规模的空前扩大（如马勒的巨型编制），有时则体现为对特定音色的极度剥离（如勋伯格对“自由无调性”乐队的探索）。我们将分析这一时期，打击乐组如何从单纯的节奏支撑，发展成为具有独立表达力的色彩组件，以及“非传统”乐器（如萨克斯风）进入交响乐语汇的过程。 五、当代趋势与未来展望 本书的最后一部分，将关注二战后至今的管弦乐队发展轨迹。第五章探讨了“声音景观”（Soundscape）和“噪音美学”对配器的影响。作曲家如约翰·凯奇（John Cage）对“机遇音乐”的探索，以及极简主义（Minimalism）对重复和声的强调，都对传统乐团的演奏实践提出了新的要求。 此外，本书还将关注电子技术和录音技术如何与传统管弦乐团进行对话与融合。对特定现代乐器（如扩音弦乐、电子合成器效果）的吸收，以及当代指挥家和乐团对历史演奏实践（HIP）与现代乐器结合的探索，都构成了当代管弦乐队图景的重要组成部分。 本书旨在提供一个清晰、结构化的框架，帮助读者理解管弦乐队的演化并非仅仅是乐器数量的累加，而是深刻反映了人类审美观念和社会变迁的复杂产物。它是一部关于声音组织、技术革新与艺术表达交织的历史。

评分☆☆☆☆☆

天哪，终于找到一本像样的古典音乐入门书了！我最近迷上了交响乐，但市面上那些教材要么过于学术化，要么就是只介绍历史背景，真正能让人上手学习的曲谱真是凤毛麟角。这本《XX交响作品集》简直是为我这种“半路出家”的音乐爱好者量身定做的。它的排版清晰得让人感动，每一个音符都仿佛在对我微笑。我特别喜欢它对一些基础和弦的分解讲解，那种细致入微的态度，让我这个零基础的“乐盲”也能迅速抓住重点。特别是它精选的一些入门级的作品，旋律优美又不失挑战性，让我每次练习都充满了成就感。虽然我还没能完全掌握复杂的对位法，但光是能跟着书里的提示，试着“听懂”管弦乐中不同声部的对话，就已经让我觉得收获巨大了。这本书不仅仅是曲谱，更像是一位耐心的私人导师，默默地引导我走进这个宏伟的音乐世界。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐教育工作者，我必须承认，找到一本既能吸引初学者，又不至于让高阶学生感到幼稚的教材是多么困难。这本书在这方面做得非常出色。它的入门部分设计得极其人性化，色彩鲜明的图示和简洁的术语解释，有效降低了学习门槛。但我更欣赏它在中后期的内容拓展。它巧妙地融入了一些不同时期、不同风格的作品片段，虽然篇幅不长，但足以让学习者领略到古典乐章的演变脉络。更难得的是，它对节奏的处理分析非常到位，尤其是在处理那些带有切分音和复杂拍号的乐段时，书中的讲解和附带的示范音频（虽然我需要自行寻找匹配的音频来对比，但书中的描述已经足够清晰），让我对“律动感”有了全新的理解。这本书的严谨性，让它足以成为课堂上的优秀参考资料，而非仅仅是个人练习手册。

评分☆☆☆☆☆

我是一个有着多年业余学习经验的琴手，一直苦于找不到能将“演奏技巧”与“音乐赏析”完美结合的教材。市面上大多数教材要么是炫技的“技巧大观”，要么就是空洞的“审美宣言”。这本书的出现，简直是及时雨。它对我最大的帮助在于，它把一些看似高不可攀的复杂乐句，拆解成了若干个可以操作的小单元。比如，在处理一个快速的琶音段落时，它没有仅仅给出指法建议，而是结合了该段落的整体织体，分析了如何通过呼吸和重心的微妙转移来保持清晰度。这种处理方式，极大地提升了我的演奏质量，让我的琴声不再是“过得去”，而是开始有了“味道”。我强烈推荐给那些已经掌握基础乐理，但渴望在音乐表现力上寻求突破的进阶学习者。这本书的价值，在于它教会你如何去“呼吸”音乐，而不是仅仅“演奏”音符。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买过不少关于管弦乐配器的书籍，但大多晦涩难懂，动辄就是德语术语的直译，让人望而却步。这本书的语言风格，简直是一股清流。它用一种非常平易近人、甚至带点幽默感的方式，将深奥的音乐理论知识“翻译”成我们可以理解的日常语言。比如，它解释弱音器（mute）如何改变铜管乐器的音色时，不是枯燥地罗列物理特性，而是将其比喻成“给声音披上了一层丝绒斗篷”。这种形象化的描述，一下子就抓住了读者的注意力，并且记忆深刻。我个人尤其喜欢它在分析一些著名的交响诗选段时，那种旁征博引的叙事手法，仿佛不是在看一本教材，而是在听一位老教授讲他一生的音乐故事。对于那些对音乐史和理论有兴趣，但又害怕枯燥文字的读者来说，这本书无疑是一扇开启新世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这本教材的期望值本来不高，毕竟现在很多所谓的“教程”都只是把名曲的谱子简单拼凑在一起，缺乏系统的教学逻辑。然而，这本书完全颠覆了我的印象。它最让我赞赏的一点是，它不仅仅提供了“怎么弹”，更深入地解释了“为什么这么写”。作者在每一章的开头，都会用非常生动有趣的语言，去剖析作曲家在特定段落的情感处理和配器意图。我记得有一段描述小提琴声部如何在低音提琴的推动下，情绪逐渐高涨的文字，简直是文学作品！这让我不再是机械地敲击琴键，而是真正开始用心去“演绎”音乐。虽然我还没有能力去指挥一个真正的交响乐团，但光是跟着书本的讲解去想象那个宏大的音响画面，就已经足够令人沉醉了。这种从宏观到微观的讲解层次，非常适合那些希望深入理解音乐内涵的学习者。