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李元海，王利剑，李相臣 著

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• 摄影艺术
• 图像处理

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：9787802365407

商品编码：29895342788

包装：平装

出版时间：2011-04-01

基本信息

书名：数码摄影(北京摄影函授学院系列教材)

定价：45.00元

作者：李元海,王利剑,李相臣

出版社：中国摄影出版社

出版日期：2011-04-01

ISBN：9787802365407

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.499kg

编辑推荐

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内容提要

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本书结合当前数码摄影的流行趋势，由浅入深，从业余到专业，既通俗易懂，又不乏的理论深度，是摄影爱好者较好的参考书。

目录

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前言
章　数码摄影概论
　节　数码摄影与传统胶片摄影的区别和联系
　第二节　数码摄影简史
第二章　数码相机基础知识及选购
　节　常见数码摄影名词解释
　第二节　数码相机的选购
　第三节　镜头的选择
第三章　数码相机的使用
　节　数码相机的基本操作
　第二节　曝光系统
　第三节　数码摄影常用技巧
　第四节　数码相机的维护与保养
第四章　数码后期处理
　节　照片影调层次的简单调整
　第二节　图层混合模式的使用
　第三节　照片变为黑白
　第四节　磨皮
　第五节　添加唇彩
　第六节　数码暗房中类似反转负冲效果的调整
　第七节　将照片变得更加清晰
　第八节　照片速写效果
　第九节　照片合成
　第十节　雪景制作
第五章　数码图片的管理与输出
　节　数码图片的管理
　第二节　数码照片的输出
第六章　数码摄影的展望
作品赏析
后记

作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这是一份针对您提供的书名《数码摄影（北京摄影函授学院系列教材）》的反向构建的、详尽的图书简介，其内容完全围绕假设这本书不存在或内容不包含的特定主题展开。 --- 图像世界的构造与视觉叙事：当代艺术与技术交汇下的新范式 导言：超越像素的边界 在信息爆炸与视觉泛滥的时代，我们对“图像”的定义正在经历一场深刻的革命。本书并非聚焦于传统或基础的数码相机操作技巧，而是深入探讨艺术哲学、文化批评以及高级图像处理理论在当代语境下的重构。我们关注的不是如何准确曝光，而是曝光背后的意图、伦理以及它如何影响观众的心智模型。 本书旨在为专业艺术创作者、图像研究学者以及对视觉文化有深刻洞察力的爱好者提供一套全新的分析框架，用以解构那些在博物馆、画廊和数字界面上占据主导地位的复杂视觉作品。 第一部分：视觉本体论与技术哲学（The Ontology of Sight） 第一章：从模拟到算法：摄影媒介的本质嬗变 本章首先抛开对CCD/CMOS传感器的技术探讨，转而审视“记录”这一行为在数字纪元下的哲学含义。我们追溯从达盖尔（Daguerre）到阿尔弗德·耶尔（Alfred Stieglitz）对摄影真实性的辩论，并将其映射到当代人工智能生成图像（AIGC）的伦理困境中。 1.1 “切片”与“合成”的张力： 分析数字采样如何构建了对现实的碎片化理解，以及后期合成工具如何将“瞬间的真实”转化为“永恒的构建”。 1.2 算法的凝视（The Algorithmic Gaze）： 探讨社交媒体平台、搜索引擎优化（SEO）对图像传播和审美取向的隐性控制。图像不再是观看的对象，而是被算法筛选的行动媒介。 1.3 数据的灰度： 研究在数码工作流程中，色彩空间（如ACES、Rec. 709）的选择如何不再是纯粹的技术参数，而是影响作品情感基调和文化指涉的艺术决策。 第二章：图像的考古学：媒介的物质性与非物质性 本部分关注图像在物理与虚拟空间中的存在状态。我们探讨“印刷品”作为一种纪念碑式物体的消亡，以及数字文件作为流变实体的脆弱性。 2.1 屏幕的纹理： 比较OLED、MicroLED等显示技术对观看体验的影响，探讨屏幕亮度和色域如何重塑观者的生理反应。 2.2 收藏与损耗： 分析NFT（非同质化代币）在赋予数字图像“稀缺性”的同时，其底层区块链技术对艺术品所有权和历史传承的冲击。 2.3 时间性与刷新率： 探讨高速动态影像与传统静止图像在时间感知上的差异，以及这如何影响叙事节奏和观众的专注力分配。 第二部分：高级视觉叙事与跨媒介实践（Advanced Visual Narration） 第三章：后图像时代的叙事结构：碎片化与多线索 本书认为，传统的线性叙事在面对海量信息流时已失效。本章专注于解构和构建非线性的、多重声音的视觉叙事模型。 3.1 “拼贴理论”在数字媒体中的复兴： 借鉴立体主义和超现实主义的手法，分析当代艺术家如何通过并置不相关的图像元素来创造新的意义场域。 3.2 交互式叙事： 探讨将读者/观众纳入图像生成过程中的作品，如环境敏感型装置艺术、基于用户输入的动态影像流。 3.3 符号学的深度挖掘： 专注于图像中潜藏的文化代码（如特定的符号、服装、建筑风格），如何被有意地解构、挪用或颠覆，以达到社会批判的目的。 第四章：光线作为情绪向量：超越曝光的色彩心理学 本章彻底脱离曝光三角的概念，转而研究光线和色彩在文化心理学和电影语言中的作用。 4.1 色温与文化共谋： 分析不同文化背景下，对“暖色调”或“冷色调”的集体潜意识反应，例如，为什么某些特定环境光（如钠灯光、荧光灯）在特定语境下会引发不安感。 4.2 阴影的缺席与在场： 深入研究阴影（Shadow）作为负空间，在营造戏剧张力、隐藏信息或暗示未被看到的真实世界中的作用。 4.3 非可见光光谱的艺术性： 探讨红外线、紫外线等非肉眼可见光在艺术表达中的潜力，以及它们如何挑战我们对“图像可知性”的传统认知。 第三部分：图像伦理与社会影响（Ethics and Societal Impact） 第五章：身份的重构与自我呈现的策略 本章聚焦于图像在个人身份建构中的核心地位，特别是后现代社会中“人设”的构建与维护。 5.1 肖像的陷阱： 分析名人和普通用户如何通过精心挑选和编辑的自拍、生活照来构建理想化的自我形象，以及这种“表演”带来的心理代价。 5.2 “被观看”的权力结构： 讨论监控技术与无处不在的摄像头如何将所有主体置于潜在的审视之下，以及艺术家如何反向利用监控视觉来挑战权力。 5.3 替代性现实的构建： 审视虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术如何提供逃离现有物理限制的视觉出口，以及这种“逃离”是否是一种新的异化。 第六章：图像的责任：真实性、偏见与信息战 本章是本书对当前社会责任的核心讨论。它探讨了创作者如何对他们生产、传播的图像负责。 6.1 训练集的偏见（Bias in Training Data）： 从技术根源上剖析，AI模型是如何固化和放大现有社会偏见（如种族、性别刻板印象）的，并探讨艺术干预的可能性。 6.2 图像的“去语境化”风险： 分析一张图像是如何在不同时间、地点、配文下，其原意被彻底扭曲，并可能被用作政治宣传工具的案例分析。 6.3 视觉伦理宣言： 提出一套针对高级视觉创作者的道德指南，强调在利用先进技术时，对观众的知情权、对图像来源的透明度以及对社会影响的预判责任。 结语：展望视觉实践的未来场域 本书总结认为，数码摄影的技术进步已经到达一个瓶颈，真正的创新将发生在哲学、伦理与跨媒介的交汇点上。未来的“摄影师”将更像一位视觉语言学家和社会结构观察者，他们利用所有可用的光线、算法和媒介工具，不是为了记录世界，而是为了质疑世界、重塑世界的观看方式。 本书适合： 艺术院校研究生及博士生 视觉文化、媒体理论领域的研究人员 对后现代图像学、算法美学有兴趣的策展人与评论家 寻求突破传统数码技能限制的资深视觉艺术家 --- 关键词： 视觉本体论、算法美学、图像伦理、后摄影时代、跨媒介叙事、视觉符号学、数字身份、人工智能生成艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的是，它并没有局限于单纯的技术讲解，而是穿插了很多摄影的思考和理念。它不仅仅是告诉“怎么做”，更引导我去思考“为什么这么做”，以及“如何拍出有想法的照片”。书中有很多关于“观察”、“捕捉”、“表达”的内容，让我意识到摄影不仅仅是记录，更是一种与世界对话的方式。它鼓励我去发现生活中的美，去思考如何通过镜头来传达自己的情感和观点。我学会了不再满足于“拍清楚”，而是去追求“拍得有故事”。比如，书中有一个章节讲到如何拍摄“动”与“静”，让我从一个新的角度去理解和表现时间流逝的感觉。这些摄影的哲学层面的探讨，让我觉得这本书不仅仅是一本技术手册，更是一本能够滋养我摄影心灵的书籍。它让我对摄影产生了更深层次的热爱，也给了我持续学习和探索的动力。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书，简直是我的摄影救星！作为一名刚刚接触数码摄影的爱好者，以前拍的照片总是灰蒙蒙的，色彩也不自然，光线更是捉摸不透，每次看到别人拍出那么惊艳的照片，我都只能默默羡慕。这本书的出现，彻底改变了我的困境。从最基础的相机操作，比如如何正确对焦、调整光圈快门，到后期的RAW格式处理，这本书都讲得非常细致。我尤其喜欢它在讲解理论知识时，结合了大量的实例图片，让我能够直观地理解每一个参数的意义和对画质的影响。比如，关于景深的处理，书中不仅解释了f值的作用，还配有不同f值下拍出的同一场景对比图，让我一眼就明白了虚实结合的奥妙。而且，它还讲解了不同场景下，比如风光、人像、静物等，应该如何运用不同的曝光和白平衡设置，让新手也能快速上手，拍出有质感、有氛围感的照片。那些曾经让我头疼的曝光不足、过曝、白平衡偏色等问题，现在都能迎刃而解了。这本书就像一位耐心而专业的摄影老师，循序渐进地引领我走进数码摄影的奇妙世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于我理解光线的运用，可以说是点亮了我摄影的“眼睛”。之前，我总是觉得光线就是“有”和“没”的区别，根本没去细想它对照片的影响。这本书深入浅出地讲解了不同性质的光线，比如柔和的散射光、硬朗的直射光、具有方向感的侧光等等，以及它们各自适合拍摄的场景和表现出的效果。我学会了如何利用自然光，比如清晨的柔光、傍晚的暖阳，来营造出不同的氛围。书中关于“顺光”、“逆光”、“侧逆光”下的拍摄技巧，通过大量的图例，让我瞬间明白了为什么有时照片会显得平淡，有时又会充满立体感和戏剧性。特别是关于“眼神光”和“轮廓光”的讲解，让我知道如何用最简单的方式，为人物肖像注入灵魂。现在，我出门拍照，会下意识地去观察光线的方向、强度和颜色，并思考如何利用它来更好地表现我的拍摄对象。这本书让我真正体会到，光线是摄影的灵魂，而我，正在学会如何驾驭它。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书在构图方面给了我极大的启发。以前我拍照，总是习惯性地把主体放在正中间，结果照片看起来总是呆板、缺乏活力。这本书里关于“三分法”、“黄金分割”、“引导线”等构图技巧的讲解，简直是打开了我摄影的另一扇大门。它用了很多具体的例子，教我如何利用线条、形状、色彩等元素来引导观众的视线，如何通过调整视角和景别来增强画面的表现力。尤其让我印象深刻的是关于“留白”的运用，书中解释了留白不仅能让画面更简洁，还能增加意境和想象空间。我还学会了如何通过观察和发现，在平凡的场景中捕捉不平凡的构图。比如，我曾经在公园里拍一棵树，觉得很普通，但看了书里的构图分析后，我尝试利用树干作为引导线，将观众的视线引向远处的云彩，瞬间就让照片变得生动起来。这本书让我明白，构图不仅仅是“把东西放进去”，更是一种艺术的表达，一种视觉的语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书在后期处理方面的讲解，让我摆脱了对PS的畏惧，并且掌握了实用的技巧。我以前总觉得后期处理很复杂，只有专业人士才能掌握。但这本书用非常平实的语言，加上大量的步骤图解，一步一步地教我如何使用Lightroom等软件，对照片进行基本的调整，比如曝光、对比度、饱和度、锐度等等。我学会了如何“救回”一些曝光不足或过曝的照片，如何调整白平衡让色彩更准确，如何通过局部调整来突出重点。更重要的是，它还教我如何根据照片的风格和想要表达的情感，来制定相应的后期处理思路，而不是盲目地套用滤镜。比如，对于风光照片，它教我如何通过增强细节和色彩来展现壮丽景色；对于人像照片，它教我如何适度地进行皮肤修饰，并调整光影来突出人物的特点。现在，我能够自信地通过后期，将我拍摄的照片提升到一个新的高度，让它们更接近我内心的期望。