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店铺： 梅凯瑞图书专营店

出版社： 浙江摄影出版社

ISBN：9787551416825

商品编码：30034713578

包装：平装-胶订

出版时间：2017-10-01

基本信息

书名：Vogue 100：风尚一世纪

定价：128.00元

作者：罗宾·缪尔；朵朵

出版社：浙江摄影出版社

出版日期：2017-10-01

ISBN：9787551416825

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《风尚一世纪》回顾了时尚、美容与人像摄影中重要的瞬间。书中既有广为人知的摄影作品，也有一些虽然不那么知名却精彩的照片，它们展现了塑造文化景观的那些面孔：从亨利·马蒂斯到弗朗西斯·培根，从卢西恩·弗洛伊德到达米恩·赫斯特，从玛琳·黛德丽到格温妮丝·帕特洛，从弗雷德·阿斯泰尔到大卫·贝克汉姆，从伊丽莎白女王到戴安娜王妃。此外，书中还有那些深刻影响了百年时尚的设计大师如迪奥、加利亚诺、圣洛朗、麦昆、韦斯特伍德等。由此，我们将看到20世纪女性审美与品位的变迁。

目录

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序一
序二
赞助者序
“昨日、今日与明日”
人们如何生活 1916—1929
绚丽的暮光 1930—1939
维护和平的艺术 1940—1949
梦想的微光 1950—1959
摇摆伦敦与时代脉搏 1960—1969
压力降低 1970—1979
生活的速度 1830—1989
破碎的魅力 1990—1999
黑暗降临 2000—2009
此刻我们身在何处？ 2010—2016
致谢
图片版权

作者介绍

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罗宾·缪尔（RobiMuir），是英国版《Vogue》杂志的特约编辑，也是一位摄影学者。他在英国国家肖像艺廊、维多利亚与阿尔伯特博物馆、伦敦博物馆和美国耶鲁英国艺术中心策划过大型展览。他的著作包括《影响之下：约翰·迪金、摄影和索霍区的诱惑》（2014年）、《Vogue模特》（2013年）、《Vogue封面》（2009年）、《镜头下：斯诺登伯爵和英国艺术世界》（2007年）、《诺曼·帕金森：时尚人像》（2004年）、《Vogue中的人物》（2003年）、《看不见的Vogue》（2002年）和《大卫·贝利：追逐彩虹》（2001年）。

文摘

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序言

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漫步时光的褶皱：一部关于时尚、艺术与社会变迁的深度回望 一、《不朽的剪影：二十世纪服装艺术的演进》 本书并非仅仅是对过往百年时尚潮流的简单罗列，而是一次深入的、跨学科的文化考察。我们摒弃了传统时尚史那种以设计师名字和流行款式为核心的叙事模式，转而着眼于服装作为社会、政治、技术和审美思潮的载体所扮演的角色。 第一部分：黄金时代的底色与革命的序曲（1900-1930） 本卷聚焦于世纪之交的“美好年代”到第一次世界大战后的剧烈社会重塑。我们将探讨保罗·波烈（Paul Poiret）如何挣脱紧身胸衣的束缚，引入东方主义的色彩与廓形，这不仅仅是美学的解放，更是女性身体意识觉醒的先声。随后，我们将深入分析一战期间女性进入工厂后对服装功能性的迫切需求，以及香奈儿（Chanel）如何以针织面料、斜纹软呢和简洁的“平民奢华”重新定义了现代女性的日常着装。 特别关注：咆哮的二十年代（The Roaring Twenties）中“飞来波女郎”（Flapper）的着装密码——低腰线、短裙摆、流苏和珠片，这些符号如何直接映射了女性投票权的争取、爵士乐的兴起以及禁酒令背景下的地下狂欢文化。我们还将引入建筑学和艺术思潮，如装饰艺术（Art Deco）如何通过几何线条和材料的对比，影响了服装的结构与视觉张力。 第二部分：实用主义的阴影与新浪潮的萌芽（1930-1950） 大萧条和二战的阴霾深刻地改变了时尚的语境。本部分详述了“好莱坞式魅力”（Hollywood Glamour）在经济低迷时期作为大众逃避现实的慰藉所起的作用，从玛琳·黛德丽的直线剪裁到葛丽泰·嘉宝的雌雄同体魅力。 战争时期，配给制度和材料短缺催生了“实用主义时尚”（Utility Fashion）。我们详细考察了政府对布料使用的严格规定，以及这如何迫使设计师将注意力转向剪裁的精妙和配饰的创新。战后，克里斯汀·迪奥（Christian Dior）在1947年推出的“新风貌”（The New Look）被视为一场文化反弹——它以奢靡的面料和夸张的沙漏廓形，象征性地宣告了和平的回归与对女性传统角色的重新肯定。本书将辩证地看待这一风格，分析其背后的社会心理张力。 第三部分：青年主导的文化爆炸与反叛的纹理（1950-1970） 这是时尚史上最关键的转折点之一。本章的核心在于“权力下放”——时尚不再仅仅由巴黎的高级定制沙龙决定，而是由街头、音乐和青年亚文化驱动。 我们将深入分析摇滚乐、垮掉的一代（Beat Generation）以及“反时尚”（Anti-Fashion）的兴起。从美国大学校园的常春藤风格（Ivy Style）到英国的泰迪男孩（Teddy Boys）和摩德族（Mods）的着装规范，每一种风格都是对既有社会秩序的无声抗议。玛丽·奎恩特（Mary Quant）和迷你裙的出现被置于女权运动第二波浪潮的大背景下考察，迷你裙不仅是面料的缩短，更是对传统女性气质的彻底颠覆。同时，太空竞赛对服装设计的影响——人造纤维、合成材料和未来主义的视觉语言如何渗透到日常穿着中，也是本部分的重要议题。 第四部分：多元叙事与全球化的图景（1970-1990） 七十年代是风格的“去中心化”时期。嬉皮士的“波西米亚”（Bohemian）风格，强调天然面料和民族元素，是对工业化和资本主义的直接回击。同时，迪斯科文化带来了闪光面料、紧身套装和性解放的视觉表达。 八十年代，我们探讨“权力着装”（Power Dressing）——垫肩、宽大廓形如何成为女性进入企业高层的“盔甲”。麦当娜、迈克尔·杰克逊等流行偶像如何利用视觉符号进行身份建构和商业营销，是分析这一时期的关键。此外，日本解构主义设计（如川久保玲、山本耀司）的出现，挑战了西方对“美”和“完整性”的传统认知，标志着全球时尚对话的真正开始。 第五部分：数字时代的碎片化与身份的重塑（1990至今） 九十年代，极简主义（Minimalism）作为对八十年代过度消费的反思，强调质感和内敛的设计哲学。而垃圾摇滚（Grunge）则以其刻意的“未完成”感，成为对商业化主流的又一次反叛。 随着互联网的普及，时尚的传播速度和消费模式发生了根本性变化。本部分将审视“反时尚偶像”（Anti-It Girl）现象，以及时尚界如何应对可持续性、道德采购和快速时尚（Fast Fashion）带来的伦理挑战。我们关注品牌如何从静态的“设计者”转变为动态的“体验提供者”，以及数字影像和社交媒体如何永久性地改变了我们观看、理解和参与时尚文化的方式。 结论：回望以塑形未来 全书的结论部分将综合分析上述五个阶段，论证服装设计如何始终是社会集体潜意识的物质化表现。我们强调，每一次面料的选择、剪裁的调整和色彩的应用，都是特定历史时刻下的文化宣言。本书旨在提供一个框架，让读者能够超越“什么好看”的肤浅判断，理解风格背后的驱动力——权力、欲望、技术和生存的哲学。它是一面镜子，映照出人类如何在不断变化的物质世界中，定义和重塑自身的形象。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的历史爱好者，我发现这本书在时间线索的构建上做得极其出色。它没有采用平铺直叙的叙事方式，而是巧妙地利用了“100年”这个时间轴，设置了许多关键的转折点。你可以在书中清晰地看到，两次世界大战、经济大萧条、嬉皮士运动、女权主义浪潮……这些重大的历史事件是如何像催化剂一样，瞬间改变了女性的着装方式和自我表达的诉求。比如，书中关于二战时期“实用主义”时尚的论述，那种在物资匮乏下诞生的简洁线条和实用设计，读来让人深思。它让我意识到，时尚从来都不是脱离现实的空中楼阁，而是社会情绪最直接的晴雨表。而且，这本书的配图选择也极其有策略性，每张照片、每幅插画，都精准地契合了该时代的主题，不会让人感到信息过载。它提供了一种纵向的视角，让你能够清晰地追踪一个元素（比如裙子的长度，或者一种面料的使用）是如何在一个世纪里不断地被重新诠释和利用的。这种跨越时空的对比，极大地增强了阅读的趣味性和思考的深度，让人欲罢不能，恨不得一口气读完所有篇章。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是视觉盛宴，那种复古又现代的碰撞感，一下子就抓住了我的眼球。拿到手掂量了一下，厚度和分量都让人觉得物有所值，内页的纸张质感也相当棒，色彩还原度很高，看着那些经典照片和设计稿，仿佛穿越回了那个黄金年代。我尤其喜欢它对不同时期时尚风格演变的梳理，不仅仅是展示衣服本身，更深入挖掘了背后的文化和社会背景。比如，它对战后新风貌的描绘，那种从禁锢中解放出来的力量感，通过那些鲜活的模特和大胆的剪裁，展现得淋漓尽致。而且，这本书的排版非常讲究，留白和字体的选择都透露出一种高级的品味，阅读起来是一种享受，而不是负担。翻阅的过程就像是在逛一场顶级时装博物馆，每一页都是精心策划的展品。光是欣赏这些顶级的摄影作品，就觉得这笔投资太值了。对于任何一个对美学、历史或者视觉艺术有追求的人来说，这本书的“颜值”绝对是满分。它不仅仅是一本关于时尚的书，更像是一部视觉艺术的编年史，值得反复品味和收藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度远远超出了我对一本“百年精选集”的预期。我原以为它会是那种走马观花的简单罗列，但实际上，作者对Vogue（请注意，我指的是‘Vogue’这个符号本身）如何定义和引领审美潮流的分析，细致入微到了令人惊叹的地步。它不是简单地堆砌了漂亮的图片，而是通过分析关键人物——无论是设计师、摄影师还是主编——他们的决策和理念，构建了一个清晰的时尚权力结构图。举个例子，书中关于某位传奇编辑如何巧妙地将艺术家的作品融入商业杂志的篇章，读起来就像在看一部精彩的商业谍战片，充满了智慧的交锋和时代的印记。我发现自己对“时尚评论”这件事产生了全新的认识，它远比我想象的要复杂和具有社会学意义。那些被认为是昙花一现的潮流，在这本书里被赋予了长久的生命力和解释空间，让我开始重新审视衣橱里那些看似随意的选择，背后可能隐藏的文化密码。这本书成功地将“风尚”提升到了“文化现象”的层面，阅读体验非常充实，让人读完后能侃侃而谈，绝不是那种只停留在表面赞叹“真好看”的快消品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和细节处理，体现了出版方对“百年经典”的尊重。我注意到书脊的设计非常精巧，既能稳固地支撑起如此厚重的篇幅，又在视觉上保持了优雅的线条感。更让我惊喜的是，书中附带的那些独家访谈和幕后花絮片段，虽然篇幅不长，但信息量巨大。它们像是从尘封的档案库里挖掘出来的珍贵资料，让那些曾经遥不可及的时尚巨匠们一下子变得立体和鲜活起来。比如，关于某次著名时装秀的前期筹备细节，那种在压力下的创造性爆发，读起来让人热血沸腾。这些“幕后故事”的加入，极大地丰富了主线的叙述，让整个百年史诗不再是平面化的时间线，而是充满了人性和斗争的立体空间。总而言之，这本书的价值在于它的全方位性——从视觉的震撼到历史的深度，再到幕后的八卦与智慧的结晶，它提供了一个百科全书式的、同时又充满人文关怀的视角来解读Vogue的百年征程。这绝对是一本值得放在书架上，并且会经常被我拿出来翻阅的“传世之作”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，如果用一个词来形容，那就是“沉浸式体验”。它成功地营造了一种高级的、带有怀旧情怀的氛围，让你感觉自己像是被邀请参加了一场世纪性的时尚派对。文字风格极其考究，不像某些专业书籍那样冷冰冰的学术腔调，而是充满了散文诗般的韵味，描述起那些标志性的服装和造型时，简直是妙笔生花，让人仿佛能闻到老香水的味道，感受到丝绸拂过皮肤的触感。我特别喜欢作者在描述那些标志性封面女郎和超模时所用的生动语言，那种对“美丽”和“自信”的赞颂，毫不掩饰地流露出来，充满了对女性力量的敬意。它不仅仅是在记录历史，更是在赞美那些定义了美、挑战了传统的女性。翻到某个特定的年份，你会感觉自己也被卷入了那个年代的审美狂热中。这种叙事上的感染力，是很多同类书籍所欠缺的，它让人在学习知识的同时，也获得了强烈的情感共鸣。读完之后，我甚至改变了我对日常穿搭的一些看法，更愿意去探索服装背后的故事和表达的意义，而不是仅仅追求潮流本身。