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黄凯 等 著

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店铺： 夜语笙箫图书专营店

出版社： 天津大学出版社

ISBN：9787561833230

商品编码：30120417753

包装：平装

出版时间：2010-01-01

基本信息

书名：摄影艺术与应用

定价：36.00元

作者：黄凯 等

出版社：天津大学出版社

出版日期：2010-01-01

ISBN：9787561833230

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.459kg

编辑推荐

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内容提要

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本书主要阐述了摄影的概念、分类、原理与应用，介绍了摄影的诞生以及在实际中的操作要点，归纳了摄影的基本拍摄技巧以及各类摄影的拍摄方法，同时也运用大量的图片资料详细地介绍了数码摄影的后期制作，能让学生更直观地了解摄影这门艺术，并掌握摄影的基本拍摄手法。
本教材适合高等院校艺术设计类视觉传达设计、环境艺术设计、建筑设计、工业设计、室内设计以及其他相关专业使用。也可作为高职高专院校相关专业基础教学用书及摄影爱好者参考用书。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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电影史略：从默片到数字时代的视觉叙事变迁 图书简介 本书旨在深入剖析电影艺术自诞生伊始至今，跨越百余年的发展历程。它并非一部简单的编年史，而是一部着重于视觉语言演变、技术革新对叙事模式的重塑，以及电影作为文化载体所承载的社会意义的深度研究。我们将从卢米埃尔兄弟的早期影像记录出发，追溯到格里菲斯对蒙太奇手法的奠基性探索，并在高潮部分聚焦于好莱坞黄金时代的成熟叙事结构，随后转向新浪潮运动对既有电影语法的颠覆，最终抵达数字技术浪潮下，当代电影美学与全球化发行格局的复杂图景。 第一部分：光影的诞生与默片的黄金时代（1895-1927） 本卷聚焦于电影从单纯的“活动影像”转变为一种艺术形式的艰难蜕变过程。初期，电影的叙事是直观且简单的，主要依赖于现场记录和简单的场景再现。我们将详细考察梅里爱如何运用魔术般的视觉效果，将电影从记录工具提升为创造奇观的媒介。 随后，叙事复杂性的提升带来了剪辑理论的成熟。本书将用大量篇幅分析爱森斯坦的“知性蒙太奇”和普多夫金的“平行剪辑”在引导观众情感和构建思想关联上的巨大作用。特别地，我们关注俄国先锋派如何将电影视为一种辩证的、充满冲击力的宣传工具，这与当时欧洲其他地区的电影发展路径形成了鲜明对比。 在这一时期，视觉表达的极限往往受到无声媒介的制约。因此，默片时代的导演们发展出了高度依赖面部表情的夸张化、精妙的场面调度（Mise-en-scène）以及通过字幕卡来推进关键情节的技巧。鲁本·马莫利安、F.W.穆瑙等人的作品，被视为在声音缺失状态下，将光影、构图与空间感推向极致的范例。我们将通过对《城市之歌》、《日出》等经典影片的逐帧分析，揭示默片如何通过节奏感而非对白来维持叙事张力。 第二部分：有声时代的冲击与好莱坞的定型（1927-1950） 有声电影的引入不仅是一项技术升级，更是一场对既有电影美学的“地震”。本书细致描绘了制片厂系统（Studio System）如何迅速整合新技术，并建立起一套标准化、高产量的工业化生产模式。有声片的早期尝试往往是笨拙的，声音的滥用曾一度削弱了视觉叙事的优势。然而，随着技术成熟，声音被整合进叙事结构中，成为刻画人物性格、渲染环境气氛的有力工具。 这一时期的重点研究对象是好莱坞的“古典叙事范式”。我们探讨了如何通过清晰的三幕剧结构、明确的人物动机、因果链条的紧密衔接，来满足主流观众对清晰、可预测故事的心理需求。同时，本书也会触及电影摄影对类型片（如黑色电影、西部片）风格的塑造。例如，黑色电影中对伦勃朗光、低调照明（Low-key Lighting）的偏爱，如何不仅仅是技术选择，更是对战后社会焦虑和道德模糊性的视觉投射。 此外，我们不会忽略这一黄金时期对“明星制度”的构建，以及电影审查制度（如海斯法典）如何反向塑造了叙事内容的边界，迫使创作者在既定框架内寻求创造性的突破。 第三部分：对传统的反思与欧洲的革新浪潮（1950-1970） 二战的结束和战后社会思潮的动荡，促使全球电影界开始对好莱坞式的完美叙事提出质疑。本部分的核心在于分析电影作为批判性媒介的觉醒。 意大利新现实主义的出现，标志着对摄影棚人工布景的彻底抛弃，转向对真实街景、非职业演员和日常生活的关注。这种美学上的“返璞归真”，本质上是对战后社会现实的直接介入。 随后，法国新浪潮（Nouvelle Vague）的导演们，如特吕弗和戈达尔，则在理论层面（如“作者论”）和实践层面，对电影的“文法”进行了彻底的解构。他们大胆运用跳切（Jump Cut）、手持摄影、即兴对白和打破第四堵墙等手法，强调导演的个人意志和电影的非线性、片段化的本质。我们将分析这些形式上的激进手段，如何服务于表达主体意识流和存在主义的哲学思考。 同时，本书也将涵盖日本的小津安二郎对家庭题材的沉静观察，以及瑞典的英格玛·伯格曼对人类精神困境的深刻挖掘。这些非主流（相对于好莱坞）的探索，极大地拓宽了电影在处理心理深度和哲学议题上的可能性。 第四部分：技术迭代与全球化视野的拓展（1970至今） 进入后经典时期，电影工业面临双重挑战：特效技术的爆炸性发展和全球文化的相互渗透。 我们探讨了新好莱坞（如科波拉、斯皮尔伯格）如何将欧洲的个人化叙事风格与好莱坞的工业制作能力相结合，创造出既有艺术深度又具备商业潜力的作品。此后，计算机生成图像（CGI）的普及彻底改变了电影的视觉预期，使得构建超现实场景的成本和难度大大降低。本书将分析特效的运用是如何从补充叙事，逐渐演变为某些商业大片的核心驱动力，并引发了关于“视觉奇观是否会取代情节深度”的讨论。 最后，本书关注当代电影的跨媒介性与流动性。随着流媒体平台的兴起，传统的院线发行模式受到挑战，观众对叙事长度和体验形式的要求也更加多元化。我们将考察“峰终定律”（Peak-End Rule）在当代短视频和连续剧集制作中的应用，以及全球电影节展在维护和推广非西方电影语言体系方面所扮演的关键角色。这些变化共同塑造了一个更加碎片化、同时也更具实验精神的当代电影图景。 总结： 本书通过梳理关键的美学转折点、技术里程碑和理论思潮，力求为读者提供一个理解电影艺术复杂性和持续生命力的全面框架。它强调，电影的“艺术”性始终根植于其“应用”——即它如何利用光影、时间与空间，有效地与观众进行沟通和思想交锋。

评分☆☆☆☆☆

最近我入手了一本关于摄影的书，不得不说，这本书的实用性真的超乎我的想象。我一直对摄影有着浓厚的兴趣，但总是感觉自己的照片缺乏一些“灵魂”。读了这本书之后，我才恍然大悟。书中关于如何运用光线来塑造画面层次感的讲解，简直是醍醐灌顶。之前我总是觉得光线越亮越好，看完书才知道，原来巧妙地利用逆光、侧光，甚至是一些不那么“完美”的光线，反而能创造出意想不到的艺术效果。还有关于景深的运用，书中用非常直观的图例和生动的比喻，解释了如何通过调整光圈大小来虚化背景，突出主体，让画面看起来更有空间感和专业感。我特别喜欢书中关于“决定性瞬间”的探讨，这让我意识到，摄影不仅仅是按下快门，更是一种对时机、对情绪的敏锐捕捉。此外，书中还提供了很多不同场景下的拍摄秘籍，比如如何在嘈杂的人群中拍出干净的人像，如何在阴雨天拍出独特的风光等等，这些都是我在其他地方很少看到的干货。这本书让我觉得，摄影不再是一件遥不可及的事情，而是我可以真正去掌握和运用的技能。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的，不仅仅是摄影技术的提升，更是一种全新的观察世界的方式。我一直认为，摄影就是记录，就是用镜头捕捉现实。然而，这本书让我明白，摄影更是一种“创造”，是用镜头去“再创造”一个你眼中看到的、你心中感受到的世界。书中关于“后期处理”的章节，让我彻底颠覆了之前的刻板印象。我曾一度认为后期处理是“作弊”，是虚假。但这本书告诉我，后期处理是摄影艺术不可分割的一部分，它能够帮助我们修正不足，放大优点，更重要的是，它能帮助我们将脑海中的画面，更加完美地呈现在观众面前。我学习了如何调整曝光、对比度，如何运用色彩饱和度来突出主题，如何进行裁剪和构图的微调，每一个步骤都充满了探索的乐趣。更让我惊喜的是，书中还包含了大量关于摄影师精神和创作理念的探讨，这让我看到了摄影师们是如何通过他们的作品来表达自己的思想和情感，如何与世界对话。这本书让我对摄影的理解，从“技术”上升到了“哲学”的层面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计非常吸引人，简洁大气的排版，配合着一幅充满意境的摄影作品，瞬间就勾起了我对摄影的好奇心。翻开书页，一股淡淡的墨香扑鼻而来，纸张的质感也很好，阅读体验十分舒适。我一直对摄影抱有浓厚的兴趣，但苦于没有系统的指导，常常是零散地在网上搜索一些技巧，效果并不理想。这本书的出现，就像是为我指明了方向。从开篇的摄影史回顾，到各种器材的详细介绍，再到光影、构图、色彩等核心要素的解析，都写得鞭辟入里，深入浅出。特别是关于不同场景下的拍摄建议，比如人像、风光、静物等，都有具体的案例分析和实操指导，让我茅塞顿开。我尤其喜欢书中对“观察力”的强调，摄影不仅仅是技术，更是一种对世界的独特视角和感受。作者用生动的语言和丰富的图例，教会我如何去发现美，捕捉美，并将其定格在画面之中。这本书不是那种枯燥乏味的教科书，更像是一位经验丰富的摄影师在耐心与你交流，分享他的心得体会。我已经迫不及待地想拿起相机，去实践书中所学到的知识了。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对影像充满好奇的人，一直想深入了解背后的艺术和技术。《摄影艺术与应用》这本书，无疑是一次让我大开眼界的机会。我一直对摄影的色彩运用感到困惑，总觉得自己的照片色彩黯淡，或者过于鲜艳失真。这本书对色彩理论的讲解，简直是我的救星。它不仅解释了色彩的物理属性，更深入地探讨了色彩的情感象征意义，以及如何在画面中运用色彩来引导观众的情绪。我学会了如何识别冷暖色调，如何运用对比色来增加画面的冲击力，如何通过色彩的和谐搭配来营造宁静或活泼的氛围。此外，书中关于“叙事性摄影”的章节，也让我受益匪浅。作者通过分析大量经典作品，阐释了如何通过镜头语言来讲述一个故事，如何通过人物的表情、姿态以及场景的布置来传递信息。这让我意识到，摄影不仅仅是记录眼前的景象，更是通过影像来与观众进行心灵的沟通。这本书的专业性和艺术性兼具，让我觉得每一页都充满了价值。

评分☆☆☆☆☆

作为一名摄影爱好者，我一直在寻找一本能真正提升我审美和技术水平的书籍。读完这本《摄影艺术与应用》后，我不得不说，我的期待得到了极大的满足。这本书的理论体系非常完整，从摄影的起源、发展，到各种相机、镜头、附件的原理和选择，再到曝光、对焦、白平衡等基础设置的精妙运用，都进行了详尽的阐述。但我更欣赏的是书中对“艺术”二字的深刻解读。作者并没有将摄影仅仅视为一种技术操作，而是将其上升到艺术表达的高度，强调了情感的注入、故事的讲述以及个性的展现。书中大量的优秀摄影作品赏析，不仅展示了摄影的魅力，更是在潜移默化中培养我的审美能力。我反复研读了关于构图的章节，学习了黄金分割、三分法、引导线等多种构图技巧，并且理解了它们在不同画面中所起到的作用。此外，对色彩理论的讲解也十分到位，让我明白了如何通过色彩来营造氛围、表达情绪。这本书让我明白，好的摄影作品不仅仅是清晰、锐利，更重要的是能够触动人心，引发共鸣。