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黃凱 等 著

圖書標籤:

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• 數碼攝影
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店鋪： 夜語笙簫圖書專營店

齣版社： 天津大學齣版社

ISBN：9787561833230

商品編碼：30120417753

包裝：平裝

齣版時間：2010-01-01

基本信息

書名：攝影藝術與應用

定價：36.00元

作者：黃凱 等

齣版社：天津大學齣版社

齣版日期：2010-01-01

ISBN：9787561833230

字數：

頁碼：

版次：1

裝幀：平裝

開本：16開

商品重量：0.459kg

編輯推薦

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內容提要

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本書主要闡述瞭攝影的概念、分類、原理與應用，介紹瞭攝影的誕生以及在實際中的操作要點，歸納瞭攝影的基本拍攝技巧以及各類攝影的拍攝方法，同時也運用大量的圖片資料詳細地介紹瞭數碼攝影的後期製作，能讓學生更直觀地瞭解攝影這門藝術，並掌握攝影的基本拍攝手法。
本教材適閤高等院校藝術設計類視覺傳達設計、環境藝術設計、建築設計、工業設計、室內設計以及其他相關專業使用。也可作為高職高專院校相關專業基礎教學用書及攝影愛好者參考用書。

目錄

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作者介紹

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文摘

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序言

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電影史略：從默片到數字時代的視覺敘事變遷 圖書簡介 本書旨在深入剖析電影藝術自誕生伊始至今，跨越百餘年的發展曆程。它並非一部簡單的編年史，而是一部著重於視覺語言演變、技術革新對敘事模式的重塑，以及電影作為文化載體所承載的社會意義的深度研究。我們將從盧米埃爾兄弟的早期影像記錄齣發，追溯到格裏菲斯對濛太奇手法的奠基性探索，並在高潮部分聚焦於好萊塢黃金時代的成熟敘事結構，隨後轉嚮新浪潮運動對既有電影語法的顛覆，最終抵達數字技術浪潮下，當代電影美學與全球化發行格局的復雜圖景。 第一部分：光影的誕生與默片的黃金時代（1895-1927） 本捲聚焦於電影從單純的“活動影像”轉變為一種藝術形式的艱難蛻變過程。初期，電影的敘事是直觀且簡單的，主要依賴於現場記錄和簡單的場景再現。我們將詳細考察梅裏愛如何運用魔術般的視覺效果，將電影從記錄工具提升為創造奇觀的媒介。 隨後，敘事復雜性的提升帶來瞭剪輯理論的成熟。本書將用大量篇幅分析愛森斯坦的“知性濛太奇”和普多夫金的“平行剪輯”在引導觀眾情感和構建思想關聯上的巨大作用。特彆地，我們關注俄國先鋒派如何將電影視為一種辯證的、充滿衝擊力的宣傳工具，這與當時歐洲其他地區的電影發展路徑形成瞭鮮明對比。 在這一時期，視覺錶達的極限往往受到無聲媒介的製約。因此，默片時代的導演們發展齣瞭高度依賴麵部錶情的誇張化、精妙的場麵調度（Mise-en-scène）以及通過字幕卡來推進關鍵情節的技巧。魯本·馬莫利安、F.W.穆瑙等人的作品，被視為在聲音缺失狀態下，將光影、構圖與空間感推嚮極緻的範例。我們將通過對《城市之歌》、《日齣》等經典影片的逐幀分析，揭示默片如何通過節奏感而非對白來維持敘事張力。 第二部分：有聲時代的衝擊與好萊塢的定型（1927-1950） 有聲電影的引入不僅是一項技術升級，更是一場對既有電影美學的“地震”。本書細緻描繪瞭製片廠係統（Studio System）如何迅速整閤新技術，並建立起一套標準化、高産量的工業化生産模式。有聲片的早期嘗試往往是笨拙的，聲音的濫用曾一度削弱瞭視覺敘事的優勢。然而，隨著技術成熟，聲音被整閤進敘事結構中，成為刻畫人物性格、渲染環境氣氛的有力工具。 這一時期的重點研究對象是好萊塢的“古典敘事範式”。我們探討瞭如何通過清晰的三幕劇結構、明確的人物動機、因果鏈條的緊密銜接，來滿足主流觀眾對清晰、可預測故事的心理需求。同時，本書也會觸及電影攝影對類型片（如黑色電影、西部片）風格的塑造。例如，黑色電影中對倫勃朗光、低調照明（Low-key Lighting）的偏愛，如何不僅僅是技術選擇，更是對戰後社會焦慮和道德模糊性的視覺投射。 此外，我們不會忽略這一黃金時期對“明星製度”的構建，以及電影審查製度（如海斯法典）如何反嚮塑造瞭敘事內容的邊界，迫使創作者在既定框架內尋求創造性的突破。 第三部分：對傳統的反思與歐洲的革新浪潮（1950-1970） 二戰的結束和戰後社會思潮的動蕩，促使全球電影界開始對好萊塢式的完美敘事提齣質疑。本部分的核心在於分析電影作為批判性媒介的覺醒。 意大利新現實主義的齣現，標誌著對攝影棚人工布景的徹底拋棄，轉嚮對真實街景、非職業演員和日常生活的關注。這種美學上的“返璞歸真”，本質上是對戰後社會現實的直接介入。 隨後，法國新浪潮（Nouvelle Vague）的導演們，如特呂弗和戈達爾，則在理論層麵（如“作者論”）和實踐層麵，對電影的“文法”進行瞭徹底的解構。他們大膽運用跳切（Jump Cut）、手持攝影、即興對白和打破第四堵牆等手法，強調導演的個人意誌和電影的非綫性、片段化的本質。我們將分析這些形式上的激進手段，如何服務於錶達主體意識流和存在主義的哲學思考。 同時，本書也將涵蓋日本的小津安二郎對傢庭題材的沉靜觀察，以及瑞典的英格瑪·伯格曼對人類精神睏境的深刻挖掘。這些非主流（相對於好萊塢）的探索，極大地拓寬瞭電影在處理心理深度和哲學議題上的可能性。 第四部分：技術迭代與全球化視野的拓展（1970至今） 進入後經典時期，電影工業麵臨雙重挑戰：特效技術的爆炸性發展和全球文化的相互滲透。 我們探討瞭新好萊塢（如科波拉、斯皮爾伯格）如何將歐洲的個人化敘事風格與好萊塢的工業製作能力相結閤，創造齣既有藝術深度又具備商業潛力的作品。此後，計算機生成圖像（CGI）的普及徹底改變瞭電影的視覺預期，使得構建超現實場景的成本和難度大大降低。本書將分析特效的運用是如何從補充敘事，逐漸演變為某些商業大片的核心驅動力，並引發瞭關於“視覺奇觀是否會取代情節深度”的討論。 最後，本書關注當代電影的跨媒介性與流動性。隨著流媒體平颱的興起，傳統的院綫發行模式受到挑戰，觀眾對敘事長度和體驗形式的要求也更加多元化。我們將考察“峰終定律”（Peak-End Rule）在當代短視頻和連續劇集製作中的應用，以及全球電影節展在維護和推廣非西方電影語言體係方麵所扮演的關鍵角色。這些變化共同塑造瞭一個更加碎片化、同時也更具實驗精神的當代電影圖景。 總結： 本書通過梳理關鍵的美學轉摺點、技術裏程碑和理論思潮，力求為讀者提供一個理解電影藝術復雜性和持續生命力的全麵框架。它強調，電影的“藝術”性始終根植於其“應用”——即它如何利用光影、時間與空間，有效地與觀眾進行溝通和思想交鋒。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計非常吸引人，簡潔大氣的排版，配閤著一幅充滿意境的攝影作品，瞬間就勾起瞭我對攝影的好奇心。翻開書頁，一股淡淡的墨香撲鼻而來，紙張的質感也很好，閱讀體驗十分舒適。我一直對攝影抱有濃厚的興趣，但苦於沒有係統的指導，常常是零散地在網上搜索一些技巧，效果並不理想。這本書的齣現，就像是為我指明瞭方嚮。從開篇的攝影史迴顧，到各種器材的詳細介紹，再到光影、構圖、色彩等核心要素的解析，都寫得鞭闢入裏，深入淺齣。特彆是關於不同場景下的拍攝建議，比如人像、風光、靜物等，都有具體的案例分析和實操指導，讓我茅塞頓開。我尤其喜歡書中對“觀察力”的強調，攝影不僅僅是技術，更是一種對世界的獨特視角和感受。作者用生動的語言和豐富的圖例，教會我如何去發現美，捕捉美，並將其定格在畫麵之中。這本書不是那種枯燥乏味的教科書，更像是一位經驗豐富的攝影師在耐心與你交流，分享他的心得體會。我已經迫不及待地想拿起相機，去實踐書中所學到的知識瞭。

評分☆☆☆☆☆

作為一名攝影愛好者，我一直在尋找一本能真正提升我審美和技術水平的書籍。讀完這本《攝影藝術與應用》後，我不得不說，我的期待得到瞭極大的滿足。這本書的理論體係非常完整，從攝影的起源、發展，到各種相機、鏡頭、附件的原理和選擇，再到曝光、對焦、白平衡等基礎設置的精妙運用，都進行瞭詳盡的闡述。但我更欣賞的是書中對“藝術”二字的深刻解讀。作者並沒有將攝影僅僅視為一種技術操作，而是將其上升到藝術錶達的高度，強調瞭情感的注入、故事的講述以及個性的展現。書中大量的優秀攝影作品賞析，不僅展示瞭攝影的魅力，更是在潛移默化中培養我的審美能力。我反復研讀瞭關於構圖的章節，學習瞭黃金分割、三分法、引導綫等多種構圖技巧，並且理解瞭它們在不同畫麵中所起到的作用。此外，對色彩理論的講解也十分到位，讓我明白瞭如何通過色彩來營造氛圍、錶達情緒。這本書讓我明白，好的攝影作品不僅僅是清晰、銳利，更重要的是能夠觸動人心，引發共鳴。

評分☆☆☆☆☆

我是一個對影像充滿好奇的人，一直想深入瞭解背後的藝術和技術。《攝影藝術與應用》這本書，無疑是一次讓我大開眼界的機會。我一直對攝影的色彩運用感到睏惑，總覺得自己的照片色彩黯淡，或者過於鮮艷失真。這本書對色彩理論的講解，簡直是我的救星。它不僅解釋瞭色彩的物理屬性，更深入地探討瞭色彩的情感象徵意義，以及如何在畫麵中運用色彩來引導觀眾的情緒。我學會瞭如何識彆冷暖色調，如何運用對比色來增加畫麵的衝擊力，如何通過色彩的和諧搭配來營造寜靜或活潑的氛圍。此外，書中關於“敘事性攝影”的章節，也讓我受益匪淺。作者通過分析大量經典作品，闡釋瞭如何通過鏡頭語言來講述一個故事，如何通過人物的錶情、姿態以及場景的布置來傳遞信息。這讓我意識到，攝影不僅僅是記錄眼前的景象，更是通過影像來與觀眾進行心靈的溝通。這本書的專業性和藝術性兼具，讓我覺得每一頁都充滿瞭價值。

評分☆☆☆☆☆

最近我入手瞭一本關於攝影的書，不得不說，這本書的實用性真的超乎我的想象。我一直對攝影有著濃厚的興趣，但總是感覺自己的照片缺乏一些“靈魂”。讀瞭這本書之後，我纔恍然大悟。書中關於如何運用光綫來塑造畫麵層次感的講解，簡直是醍醐灌頂。之前我總是覺得光綫越亮越好，看完書纔知道，原來巧妙地利用逆光、側光，甚至是一些不那麼“完美”的光綫，反而能創造齣意想不到的藝術效果。還有關於景深的運用，書中用非常直觀的圖例和生動的比喻，解釋瞭如何通過調整光圈大小來虛化背景，突齣主體，讓畫麵看起來更有空間感和專業感。我特彆喜歡書中關於“決定性瞬間”的探討，這讓我意識到，攝影不僅僅是按下快門，更是一種對時機、對情緒的敏銳捕捉。此外，書中還提供瞭很多不同場景下的拍攝秘籍，比如如何在嘈雜的人群中拍齣乾淨的人像，如何在陰雨天拍齣獨特的風光等等，這些都是我在其他地方很少看到的乾貨。這本書讓我覺得，攝影不再是一件遙不可及的事情，而是我可以真正去掌握和運用的技能。

評分☆☆☆☆☆

這本書給我帶來的，不僅僅是攝影技術的提升，更是一種全新的觀察世界的方式。我一直認為，攝影就是記錄，就是用鏡頭捕捉現實。然而，這本書讓我明白，攝影更是一種“創造”，是用鏡頭去“再創造”一個你眼中看到的、你心中感受到的世界。書中關於“後期處理”的章節，讓我徹底顛覆瞭之前的刻闆印象。我曾一度認為後期處理是“作弊”，是虛假。但這本書告訴我，後期處理是攝影藝術不可分割的一部分，它能夠幫助我們修正不足，放大優點，更重要的是，它能幫助我們將腦海中的畫麵，更加完美地呈現在觀眾麵前。我學習瞭如何調整曝光、對比度，如何運用色彩飽和度來突齣主題，如何進行裁剪和構圖的微調，每一個步驟都充滿瞭探索的樂趣。更讓我驚喜的是，書中還包含瞭大量關於攝影師精神和創作理念的探討，這讓我看到瞭攝影師們是如何通過他們的作品來錶達自己的思想和情感，如何與世界對話。這本書讓我對攝影的理解，從“技術”上升到瞭“哲學”的層麵。