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达夫 著

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• 绘画基础
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• 自学画画
• 零基础

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 中国华侨出版社

ISBN：9787511361165

商品编码：30126707303

包装：平装-胶订

出版时间：2016-09-01

基本信息

书名：30天学会画画

定价：59.00元

作者：达夫

出版社：中国华侨出版社

出版日期：2016-09-01

ISBN：9787511361165

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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目录

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轻松入门：绘画基础知识
章了解绘嘶
绘画即创造力
找支笔，画条线
根本的问题
绘画到底是什么
第二章绘画工具
单色绘画介质
钢笔和墨水
彩色铅笔和蜡笔
粉彩和粉彩笔
水彩颜料
水粉颜料
油画颜料
颜料
调色板
颜料和油画颜料添加剂
画刷
其他绘画工具
绘画载体
其他绘画必需品
第三章学会掌控左脑
画画桌上的马克杯
停，回顾刚才的绘画过程
暂时关闭左脑
画一画面包圈
回头审视马克杯
互补空间
现在，可以让左脑参与进来了
去浴室画化妆架
更深刻的负形练习
第四章让图画立起来的秘诀
建立几何模型
竖起你的拇指
其他测量体系
光与影的魔法――调子
透视――纸问3D
嘿，你已走上绘画之路了
第五章色彩与技法的魔术
调和彩色铅笔的色彩
蜡笔色彩的混合
水溶性铅笔的色彩调和与晕染
毛笔与色彩
线条和淡彩结合的魔力
遮盖技法
用橡皮作画
刀具也许比笔更好用
怎样绘制平滑质地门
粗糙质地呢
怎能不学画柔软质地
技法速成：五大题材绘画技巧全掌握
章静物之绘――8类静物组合的速写技巧
盆栽速写
园中桌子
旧物速写
异域花卉
炮制金属细节
大蒜和洋葱
诱人的水果
放大小物像
第二章建筑之绘――8种不同建筑的质感写生
教堂正面
门道速写
农舍速写
古老的木质门框
威尼斯的建筑
都市风光
阳光与阴影
水彩之摩洛哥的城堡
第三章风景之绘――10种自然场景的生动捕捉
静静的河畔
山路速写
速写油菜花
地中海上的海景
雪后美景
波光中的倒影
大图景的绘制
多岩的峡谷
之山峦起伏
水彩之陡峭的山峰
第四章动物之绘――7种可爱动物的勾勒
农场里的母牛
美洲豹速写
短毛犬速写
英国牧羊犬
短耳猫头鹰
鸡
水中的金鱼
第五章人像之绘――12种人物姿态的立体写实
绘画中的人们
海滩一景
午餐速写
男性肖像
角色肖像
舞者
男子裸像
水彩之坐姿
水彩之婴儿肖像
之儿童肖像
祖孙肖像画
室内坐姿肖像
灵感作画：画出心中所想
章像孩子一样画画
改变观察的方式
和孩子一起画画
画错了
善待自己
重视细节
发现韵律
观察之旅
上阵
第二章激发灵感
感官实验
调整节奏，感受生活
用艺术的眼睛看世界
跟上感觉
结合思考，深人观察
停下来，去学习
意外收获
相信直觉
关于纸张
整理生活
水彩画的朦胧美
看看你的进度
第三章自我
做好准备
灵感只青睐有灵感的人
稍微停一下也不错
给自己限定时间
专心绘画，冲破障碍
行动起来吧
紧急动员令
第四章相信自己的天赋
自我评价
为错误喝彩
相信自我
生命短暂，艺术长存
勇敢在别人面前作画
艺术没什么特别
参观博物馆
动员令

作者介绍

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文摘

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序言

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笔触下的世界：探索光影与形态的奥秘 本书并非旨在提供一个在特定时间内完成基础绘画技能的速成指南，它更像是一次深入的、关于观察、理解和表达视觉世界的旅程。我们关注的焦点在于长期积累的审美认知、对艺术史的尊重，以及掌握支撑所有绘画流派的底层逻辑。 我们拒绝“30天精通”的承诺，因为真正的艺术习得是一个螺旋上升、终生探索的过程。这本书将引导读者超越简单的线条描摹，进入对“看”的本质的重新定义。 第一部分：视觉语言的词汇表——超越线条的交流 本部分将彻底拆解绘画中最基础的构成元素，但我们不会停留于教你如何画一个完美的圆或方。相反，我们将探究这些基本形状在自然界和艺术作品中是如何被构建、解构和重组的。 第一章：光影的物理学与心理学 这里不教授“画阴影”的步骤，而是深入探讨光如何与物质发生相互作用。我们将从基础物理学角度理解不同光源（点光源、漫射光、环境光）的特性，以及它们如何塑造我们对三维世界的感知。 光谱与色彩温度： 深入研究色温对环境氛围的影响。例如，黄昏的暖光与正午的冷光如何改变物体的固有色，以及如何利用色彩的对比（互补色与邻近色）来制造视觉张力。 明暗的层次结构： 辨析高光、亮部、中间调、投影、反光和暗部（核心阴影）这六大要素之间的精确关系。重点在于理解“反光”是如何打破纯粹的黑暗，增加物体的体积感和环境的关联性。 氛围营造： 如何通过控制光线的强度和散射范围，使画面从宁静的田园诗转向戏剧性的巴洛克场景。 第二章：形式的解构与重构——从几何到有机体 本章旨在打破对“物体”的刻板印象。我们不教你画一朵花或一个人，而是教你如何将任何复杂的三维物体分解为可控的几何体或体积块。 体块的逻辑： 探讨柏拉图几何体（球体、立方体、圆柱体、圆锥体）在自然界中的应用，以及如何通过透视原理将这些抽象的体块投射到二维平面上，同时保持其空间感。 动态平衡与张力： 讨论如何通过倾斜、扭转和交叉这些基本体块来暗示运动和内在的能量。这关乎平衡的打破，而非静态的复制。 纹理的心理暗示： 纹理不仅仅是表面的细节，它是时间、物质和环境作用的结果。我们将分析粗糙的岩石、光滑的金属和柔软的布料在视觉上向观众传递的“触感”和“历史”。 第二部分：空间的叙事者——透视、构图与视点 本部分将目光从单个物体转移到整个画面布局上。绘画是二维平面上的三维幻觉，而这幻觉的构建依赖于严谨的“空间语法”。 第三章：超越消失点的机械论——深入理解空间语言 传统的透视教学往往止步于三点透视的绘制方法。本书将探讨透视在不同文化和历史时期中的哲学意义。 多重视点与非欧几里得空间： 分析文艺复兴早期对单一消失点的执着，以及后印象派和立体主义（如塞尚、毕加索）如何故意扭曲或结合多个视点来表达物体更全面的信息，而非瞬间的视觉记录。 空气透视的秘密： 讨论大气如何影响远景的色彩、清晰度和对比度。远处的山脉之所以偏蓝或偏灰，是空气中水分和颗粒物散射的结果。掌握这一点，是创造景深的关键。 尺度与距离的暗示： 如何通过参照物（如人、树木、建筑元素）的相对大小，在不使用严格透视线的情况下，巧妙地引导观众对画面深度的感知。 第四章：构图的韵律与节奏——引导眼睛的路径 构图是画面的骨架。我们不会提供“黄金分割线”或“三分法”的死板模板，而是深入研究大师如何运用非对称、重量分配和视觉引导线来讲述故事。 负空间的力量： 探讨留白（负空间）的重要性，它如何定义了主体（正空间）的形态和情绪。一个糟糕的负空间设计，会使主体显得拥挤或漂浮不定。 视觉重量与平衡： 分析画面中不同元素（色彩的饱和度、细节的密度、形状的尖锐度）如何产生“视觉重量”。如何通过放置一个高对比度的暗点来平衡画面中大面积的浅色区域。 叙事性的线索： 引导线不仅仅是透视线，它们是眼睛在画面中移动的路径。研究对角线带来的动感、水平线带来的稳定感，以及S形曲线带来的流动感在不同主题中的应用。 第三部分：媒介的哲学——材料与精神的对话 艺术的表达离不开媒介的选择。本部分将引导读者理解不同材料的内在脾性，以及如何与材料进行“对话”，而非仅仅是“控制”。 第五章：水性与油性的内在冲突与和谐 本书将媒介的运用视为一种哲学选择，而非技术障碍。 水性媒介（水彩/墨）： 探讨其不可逆性、透明性与偶发性。如何拥抱偶然的“水痕”和“晕染”，让它们成为画面有机的一部分，而非需要消除的错误。这要求创作者必须预见性地工作，并接受失去部分控制的现实。 油性媒介（油画/丙烯）： 强调其堆叠性、可修改性与厚涂（Impasto）带来的物质感。讨论如何通过控制颜料的厚度（厚画法与薄画法）来影响光线在画布表面的反射，从而赋予画面不同的质感深度。 素描的持久性： 铅笔、木炭和墨水——这些看似基础的材料如何训练我们对价值（Value）的精确判断。讨论木炭的易擦除性如何鼓励大胆尝试，以及钢笔墨水的不可挽回性如何训练专注力。 第六章：风格的演变与个体的声音 最后，我们将超越技术层面，探讨绘画如何成为个体思想的延伸。 历史的参照系： 简要回顾几个关键的艺术流派（如荷兰黄金时代的细节描绘、印象派对瞬间光线的捕捉、象征主义对内在世界的挖掘），分析他们是如何用特定的技术去服务特定的世界观的。 模仿与吸收的辩证法： 强调“学习”并非“模仿”。真正的学习是拆解大师作品背后的“为什么”（他们的选择、他们的哲学），然后将这些原理内化，用于解决你自己的视觉问题。 构建你的视觉词汇库： 绘画最终是个体化的表达。本书的最终目标是提供一套坚实的工具和理论框架，使读者能够清晰、自信地将其内心所见、所感，转化为连贯的视觉语言，而这个过程，远超过任何时间限制所能框定。 本书提供的是通往艺术理解的钥匙，而不是一个终点站的地图。真正的“学会”始于翻开下一张白纸的那个瞬间。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始是被这本书的封面吸引的，感觉很温馨，很有艺术气息。点开内容后，我发现它的内涵更是远超我的想象。这本书的知识密度非常大，但又组织得非常有条理，让我感觉就像在跟着一位经验丰富的老师进行一对一的辅导。它不仅仅是罗列绘画技巧，而是更注重绘画的“理念”和“思考方式”。我特别欣赏它关于“绘画是一种语言”的论述，让我明白了绘画不仅仅是模仿，更是通过线条、色彩和构图来表达情感和思想。书中提供的案例分析也非常经典，它会选取一些名家画作，然后从构图、色彩、光影、笔触等多个角度进行深入剖析，让我能站在巨人的肩膀上去学习。我尝试模仿书中的一些小练习，比如如何用简单的几笔勾勒出猫咪的动态，或者如何用有限的色彩表现出清晨的宁静。虽然我的画作还很稚嫩，但我能感觉到自己思维的转变，我开始不再拘泥于细节，而是更注重整体的韵律感和氛围感。这本书就像一把钥匙，为我打开了通往艺术世界的大门。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的编排简直是为我这种“手残党”量身定做的！我之前尝试过不少绘画教程，要么过于理论化，看得我头晕眼花，要么就是练习题太难，打击我的自信心。但是这本书完全不同，它就像一个循循善诱的老师，用最直观、最接地气的方式告诉我“怎么做”。它没有使用太多艰涩的术语，而是用生活化的例子来解释原理，比如讲解透视的时候，它会让你想象一条笔直的马路，远处的车子会变得越来越小，这种具象化的描述一下子就打通了我的任督二脉。而且，书中的练习项目非常具有实践性，它不会让你一开始就画一张复杂的风景，而是从临摹简单的几何体开始，逐步过渡到静物、人物的局部。我印象最深刻的是它讲解构图的那一部分，之前我画画总是感觉“空空的”或者“挤挤的”，不知道如何安排画面元素，这本书提供的构图法则让我豁然开朗，学会了如何让画面看起来更舒服、更有故事感。最让我感动的是，书中还提供了许多不同风格的参考作品，让我知道原来画画可以有这么多可能性，也激发了我探索自己风格的动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是让我惊喜连连，本来只是抱着试一试的心态购入，没想到它带来的启发远超我的预期。我一直觉得自己在绘画方面是零基础，连最基本的线条都画不好，每次拿起画笔都倍感压力。但这本书的讲解方式却异常清晰易懂，它不是那种一开始就让你挑战复杂写实的作品，而是循序渐进，从最基础的形状、透视、光影开始，一步步引导我建立起对绘画的理解。我尤其喜欢它提到的“观察力训练”，以前我总觉得看到的东西就那样，但看了这本书才发现，原来我观察事物的角度太片面了。它教会我如何去“看”，如何分解复杂的物体，如何捕捉光线的微妙变化。每一个章节都像一个精心设计的游戏关卡，完成一个，就会解锁下一个更精彩的挑战。我尝试跟着书中的练习步骤去画，虽然我的画作离大师级别还差得很远，但我能清晰地看到自己的进步，这种成就感是之前从未有过的。它让我重新拾起了对艺术的热情，不再畏惧画笔，而是开始享受创作的过程。这本书不仅仅是教我画画的技巧，更重要的是它重塑了我对“学习”这件事的信心。

评分☆☆☆☆☆

我真的太爱这本书了！它就像一本“速成秘籍”，让我感觉在短短的时间内，我的绘画水平就有了质的飞跃。以前我总觉得画画是一门需要天赋的艺术，但这本书让我意识到，只要方法得当，每个人都可以学会。它打破了许多我固有的绘画观念，比如“线条一定要流畅”或者“颜色一定要调得非常均匀”。它反而鼓励我去尝试各种不同的笔触，去大胆运用色彩，去拥抱“不完美”。我特别喜欢它在讲解人物肖像那部分时，不是直接教你如何画五官，而是先让你去理解脸部的骨骼结构和肌肉走向，这样画出来的五官才不会显得“漂浮”。还有它对于光影的处理，以前我总觉得很抽象，但这本书用简单的光线模拟实验，让我直观地看到了光线如何在物体表面形成明暗对比，以及如何通过阴影来塑造物体的体积感。我最开心的是，这本书不仅教会了我画画的技巧，更重要的是，它让我变得更加细心和专注，在画画的过程中，我能暂时忘记生活中的烦恼，沉浸在创作的世界里，这是一种非常治愈的体验。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我原本对“30天学会画画”这种标题有些怀疑，总觉得这可能是一种噱头，不可能在这么短的时间内真正掌握绘画。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它不是那种让你在30天内成为绘画大师的“魔法书”，而是以一种非常科学、系统的方式，帮助你建立起扎实的绘画基础，并培养持续学习的动力。它将复杂的绘画过程分解成一个个可执行的小目标，每天的学习内容都循序 ক্রমবর্ধমান，循序渐进，不会让人感到 overwhelming。我最喜欢的一点是，这本书非常强调“练习的重要性”，并提供了大量高质量的练习素材和指导。它鼓励我们“动手去画”，而不是“停留在理论”。我按照书中的建议，每天投入一定的时间进行练习，渐渐地，我发现自己对线条的掌控力越来越好，对色彩的搭配也越来越有感觉。这本书不仅仅是传授绘画技巧，更重要的是它教会了我如何“学习”，如何找到学习的乐趣，以及如何克服学习过程中的困难。我真的非常庆幸自己选择了这本书，它让我的生活增添了许多色彩。