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王宏建 著

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出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503943355

版次：1

商品编码：10136231911

包装：平装

出版时间：2010-10-01

基本信息

书名:艺术概论

原价：38.00元

售价：27.4元,便宜10.6元,折扣72

作者:王宏建

出版社：文化艺术出版社

出版日期：2010-10-01

ISBN：9787503943355

字数：400000

页码：378

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.422kg

编辑推荐

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内容提要

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本书为高等院校艺术基础理论教材，是文化部教育科技司组织编写的《中国艺术教育大系》重要选题之一。
本书是在文化部前艺术教育事业管理局一九八一年组织编写的全国艺术院校统编教材《艺术概论》的基础上，吸收了现当代美学和文艺学研究的部分新成果，结合八十年代以来新出现的各种艺术现象和艺术问题，针对艺术院校学生当前的文艺思想实际，重新编写的一本艺术理论教材。

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目录

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绪论
一、研究对象与主要内容
二、学习目的与研究方法
章 艺术本质论
节 艺术的社会本质
一、艺术在社会中的位置
二、艺术与社会生活
三、艺术与社会生产
第二节 艺术的认识本质
一、艺术以特有的方式“掌握”世界
二、艺术用形象反映世界
三、艺术反映世界的真实性
第三节 艺术的审美本质
一、艺术与美的关系
二、艺术的审美本质
三、情感在艺术中的作用和地位
第二章 艺术门类论
节 艺术的分类
一、艺术门类的多样性
二、艺术门类的划分
第二节 主要艺术门类
一、美术
二、音乐
三、舞蹈
四、戏剧
五、摄影
六、电影与电视
七、文学
八、建筑与园林
九、其他艺术门类
第三节 各门艺术之间的关系
一、各种艺术的相互联系
二、艺术在分化与综合中发展
第三章 艺术发展论
节 艺术的发生
一、历史上关于艺术发生的几种主要理论
二、艺术发生的根本动力
三、艺术发生的历史过程
第二节 艺术发展的客观规律
一、历史上对艺术发展规律的研究
二、艺术发展的他律性
三、艺术发展的自律性
第三节 艺术的世界性与民族性
一、世界各民族艺术的多元存在
二、各民族艺术相互影响与融合
三、艺术的民族性与世界性的辩证关系
第四章 艺术创作论
节 创作主体——艺术家
一、艺术家与社会
二、艺术家的主体性
三、艺术家的修养和审美创造能力
第二节 艺术创作过程
一、艺术体验
二、艺术构思
三、艺术表现
第三节 艺术创作中的心理和思维活动
一、形象思维与艺术思维
二、意识与无意识
三、灵感
四、形象思维及其逻辑规律
五、艺术思维中形象思维与抽象思维相互转化的特殊规律
第四节 艺术的创作方法与流派、思潮
一、艺术的创作方法
二、艺术流派与艺术思潮
第五章 艺术作品论
节 艺术作品的构成因素
一、艺术作品内容与形式的辩证认识
二、艺术作品的内容
三、艺术作品的形式
四、艺术作品的内容与形式的关系
第二节 艺术作品的相关属性
一、艺术作品的意蕴、意境与风格
二、艺术作品的格调与品位
三、艺术作品的商品属性
第三节 艺术作品的艺术美
一、艺术美的根源
二、艺术美的条件
三、艺术美的特征
第六章 艺术接受论
节 艺术接受的性质与社会环节
一、艺术接受的性质与特征
二、艺术接受的社会环境与环节
三、艺术接受与艺术批评
第二节 艺术接受与艺术欣赏
一、艺术欣赏的性质与特征
二、艺术接受与艺术欣赏的过程
三、艺术欣赏的共鸣现象和共同美感
第三节 艺术的审美教育
一、艺术的社会功能
二、艺术的审美教育
三、艺术审美教育的意义
附录 学习《艺术概论》简要参考书目
一、马克思主义文艺理论经典论著
二、西方文艺理论重要论著
三、中国古代文艺理论重要论著
四、中国现当代文艺理论重要论著

作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这是一份不涉及《艺术概论 王宏建》内容的，关于另一本深入探讨艺术本质与历史的图书的详细简介。 《感官的疆域：西方艺术史中的媒介、精神与权力》 内容提要 《感官的疆域：西方艺术史中的媒介、精神与权力》并非一部传统的、按时间顺序排列的艺术史教科书，而是一部试图解构艺术权力运作机制与媒介变迁轨迹的深度理论著作。本书聚焦于西方艺术自古典时期向现代转型过程中，不同艺术媒介（如绘画、雕塑、建筑、摄影乃至新兴数字媒体）如何被用作构建、维护或颠覆社会结构和形而上学观念的工具。 全书结构围绕“媒介的物质性”、“精神的图像化”与“权力的审美化”三大核心议题展开，旨在引导读者超越对艺术作品“美”的表层判断，深入探究艺术在历史深处的复杂功能与未被充分阐述的意识形态侧面。 第一部分：媒介的物质性与可见的边界 本部分对艺术史中的核心媒介进行了批判性的物质分析，强调了材料、技术与观看经验之间的不可分割性。 第一章：石材、光线与永恒的错觉：古典雕塑的“在场”危机 本章首先考察了古希腊至文艺复兴时期，石材和青铜作为核心雕塑材料所承载的“永恒性”叙事。作者认为，这种物质性本身即是一种权力宣言——对时间流逝的抵抗。通过对米开朗基罗的《大卫》与帕特农神庙雕塑的细致剖析，探讨了古典主义如何通过对理想人体的塑造，来确立一种普世性的、基于肉体形式的真理标准。同时，章节也揭示了，当媒介（如大理石）的稀有性与开采难度被纳入审美考量时，艺术的价值评估是如何与经济和地域权力挂钩的。 第二章：画布、颜料与视角的驯服：文艺复兴透视法的革命 深入分析文艺复兴时期油画和蛋彩画的发展，重点关注线性透视法的发明及其对人类感知的结构性影响。本书认为，透视法不仅仅是一种几何技术，更是一种世界观的表达——它将观看者确立为宇宙的中心，强调了理性、秩序与可量化的空间。通过对比法线视角与后来的非欧几里得绘画实验，阐释了媒介技术如何成为定义“正常”观看行为的意识形态工具。关于颜料，本章也探讨了矿物颜料的昂贵性如何影响了色彩的使用频率和象征意义，以及工业革命后合成颜料的普及对艺术表达自由度的复杂影响。 第三章：光影的化学与时间的分离：摄影术对表象的颠覆 摄影术的诞生被视为艺术媒介史上的一次断裂。本章重点讨论了达盖尔银版法和湿版法的化学本质，以及这种“捕获时间”的技术如何从根本上挑战了绘画对“瞬间”的模仿能力。探讨了早期摄影的科学属性（如福禄迪·诺克斯的法庭证据照片）如何渗透到艺术领域，迫使绘画从再现的责任中解放出来，转向内在体验。这里，媒介的物质性不再是稳定和持久的，而是脆弱的、依赖化学反应的，这预示了现代艺术对“瞬间性”和“偶然性”的追求。 第二部分：精神的图像化与意义的漂移 第二部分转向形而上学和宗教议题，考察艺术如何将抽象的精神概念固化为可供崇拜或批判的图像。 第四章：神圣的场域与祭坛的结构：中世纪艺术中的空间性仪式 本章考察了哥特式大教堂和拜占庭圣像的构建逻辑。重点不在于描绘圣经故事，而在于分析建筑的尺度、玻璃的色彩（光线进入的方式）以及圣像的程式化笔触如何共同营造出一种超越世俗的、仪式化的精神空间。艺术被视为引导信徒进入特定精神状态的物理介质。对圣像的“非模仿性”的讨论，揭示了在特定的信仰体系中，图像的功能优先于其视觉的真实性。 第五章：启蒙的幻觉与人体的去神圣化 本章分析了18世纪启蒙运动时期，艺术如何从服务于神权转向服务于“理性”和“公民身份”。新古典主义的复兴被视为对古典时期理性秩序的意识形态继承。通过分析大卫的作品，探讨了英雄主义和道德叙事如何取代宗教寓言，成为新的精神支柱。同时，本章也批判性地审视了这种“理性”是如何排斥了非欧洲文化和女性主体经验的。 第六章：浪漫主义的“崇高”：不可见之物的视觉化 探讨浪漫主义艺术家（如透纳和弗里德里希）如何面对启蒙理性带来的意义真空。本章的核心是“崇高”（The Sublime）概念的图像化努力，即如何用可见的媒介（风景画）去暗示不可见的、压倒性的自然力量或无限的形而上维度。这是一种对“精神”的焦虑式表达，图像不再是答案，而是关于无法言说的体验的证据。 第三部分：权力的审美化与艺术的抵抗 最后一部分关注现代性以来，艺术与社会权力结构之间的复杂互动——艺术如何被制度化，以及艺术家如何试图通过媒介的实验来逃离或颠覆这种制度化。 第七章：沙龙的凝视与“品味”的制造 分析19世纪学院派体系的运作机制，探讨艺术展览和官方赞助如何成为文化资本分配的权力工具。本章详细论述了“品味”和“高雅艺术”概念是如何在特定社会阶层中被建构起来的，以及印象派等先锋运动在对抗既有权力结构时，如何从媒介形式入手（如放弃工作室、转向室外光线），以重塑艺术的社会职能。 第八章：机械复制时代的灵晕消逝与大众图像的生产 借鉴瓦尔特·本雅明的观点，本章深入分析了摄影和电影技术对传统艺术“灵晕”（Aura）的冲击。重点讨论了当艺术品可以被无限复制时，其固有的权威性是如何被削弱的。这并非全然是负面的，它也为政治宣传和大众文化中的图像滥用提供了新的战场。本章考察了早期波普艺术如何主动拥抱这种大众化，试图通过挪用消费符号来解构艺术与商业的界限。 第九章：抽象的表现与对语言的终结 收束于20世纪中叶的抽象表现主义。本章认为，抽象艺术是一种激进的“去媒介化”尝试——艺术家试图摆脱具象描绘、历史叙事甚至传统绘画技巧的束缚，直接在画布上展现行动本身。然而，这种对“纯粹性”的追求，最终又被艺术市场和评论界成功地“审美化”和“符号化”。最后的讨论集中于当代艺术中，当媒介变得无所不在（从装置到行为艺术），艺术的“抵抗”是否已转变为对自身边界的不断测试，以及这种测试本身是否已成为新的权力结构。 《感官的疆域》是一部面向深度学习者和研究者的著作，它拒绝将艺术史简化为一系列风格的演变，而是将其视为人类理解自身、构造社会秩序和抵抗既有范式的持续性文本。全书语言严谨，逻辑推进层层深入，旨在培养读者一种批判性的、注重物质与意识形态关联的艺术分析视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和插图使用也让我感到困惑，这对于一本“艺术”类的书籍来说，是一个不容忽视的缺陷。虽然内容详实，但作为“概论”，视觉辅助是帮助理解复杂概念的关键。然而，书中的插图往往尺寸偏小，分辨率不高，更糟糕的是，很多关键的图例并没有在正文中明确标注出处或与相应段落形成直接的对应。我经常需要频繁地在正文和图版之间来回翻找，试图将抽象的文字描述与具体的视觉形象联系起来，这极大地打断了阅读的流畅性。比如，在讨论文艺复兴的“明暗对比法”时，我需要自行在脑海中构建出达芬奇或卡拉瓦乔作品的画面，因为书中的配图实在无法提供足够的细节支撑。一本好的艺术导论，应该让画面“自己说话”，让图文相互佐证，形成一个和谐的知识传递系统。这部书的视觉呈现，给人的感觉像是文字内容完成后，编辑为了“凑数”而随意插入了一些低质量的参考图片，未能真正服务于内容的理解，使得本就略显枯燥的理论学习，又增加了一层视觉上的疲惫感。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我立刻被那种略显老派的学术气息所吸引，它不像市面上那些色彩斑斓、图文并茂的“艺术速成读本”，而是更像一本沉甸甸的教科书。然而，这种“厚重感”带来的体验是双刃剑。它的语言风格非常严谨，力求精确地定义每一个艺术概念，这在某种程度上保证了知识的准确性，但代价是阅读过程中的趣味性大大降低。许多段落需要反复阅读才能捕捉到其深层含义，特别是涉及到符号学和图像志的部分，简直像在破解密码。举个例子，书中对“象征主义”的解析，几乎完全浸泡在各种复杂的理论术语之中，我仿佛置身于一个只有术语和定义构筑的迷宫里，想要找到“象征主义作品究竟在表达什么”这个核心问题，需要费很大的力气。我希望“概论”能够帮助我建立起艺术欣赏的“通用词汇表”，但这本书给我的感觉是，它提供了太多专业领域的“方言”，彼此之间切换迅速，让人难以建立起连贯的认知地图。如果说艺术是感性的表达，这本书的文字则显得过于理性甚至刻板，缺乏对艺术作品背后情感张力的描绘。

评分☆☆☆☆☆

读完此书后，我感觉自己的“艺术词汇量”确实有所增加，但“艺术素养”似乎原地踏步。这本书的视角，给我一种强烈的“自上而下”的压迫感，仿佛作者是高高在上的权威，正在向我们传授一套既定的真理。他对一些流行或大众喜闻乐见的艺术现象，常常采取一种审视甚至略带批判的口吻，仿佛只有被纳入学术范畴的，才算得上真正的“艺术”。这种态度使得阅读过程变得有些不那么愉快，我开始担心，是不是我过去欣赏的那些美好的事物，在这本书的标准下都不够“格”？例如，对流行音乐和电影艺术的论述篇幅极少，且处理得非常草率，似乎将其视为“低级趣味”的范畴。我期待的“概论”，应当是包容且开放的，能够引导我去更深层次地理解不同媒介的艺术价值。这本书的局限性在于，它似乎预设了一个非常狭隘的“高雅艺术”标准，并以此为尺来衡量一切，这在今天的多元文化背景下，显得有些保守和脱节。

评分☆☆☆☆☆

这部《艺术概论》读起来，就像是走进了一座灯火辉煌的艺术殿堂，但导览的可能有些岔路。我原本期待能系统地梳理一下艺术史的脉络，从古典到现代，能看到清晰的时代风格演变和背后的社会思潮碰撞。然而，书中的论述似乎更偏向于对某些具体艺术现象的零散探讨，缺乏一个贯穿始终的、令人信服的理论框架。比如，在谈到印象派时，文字笔触是生动的，能感受到阳光下色彩的颤动，但很快，它又跳跃到了某个当代装置艺术的分析，中间的逻辑衔接显得有些突兀，让人摸不着头脑。我感觉作者似乎拥有丰富的知识储备，但将这些知识点堆砌在一起时，没有找到一个有效的“粘合剂”。对于初次接触艺术的读者来说，这可能会造成信息过载和理解上的迷失，就像手里拿着一堆精美的拼图碎片，却找不到那张完整的封面图。书中对“美学判断”的探讨也显得有些晦涩，引用了不少哲学家的观点，但最终给出的结论却像是留给读者更多困惑，而非提供清晰的指引。整体来说，它更像是一本深入的专业人士的笔记汇编，而非一本面向大众的“概论”。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大困惑在于其选材的“跳跃性”。我原以为“艺术概论”会按照时间线或艺术门类来组织内容，比如先讲绘画的起源，再谈雕塑的发展，最后过渡到电影和新媒体艺术。但事实是，内容似乎是按照作者当下的思绪流动的。上一页还在讨论文艺复兴时期的人体解剖学如何影响透视法，下一页可能突然就转到了八十年代的行为艺术，而且对后者的介绍，往往只是简单地罗列了几个代表人物和他们的“惊世骇俗”之举，缺乏必要的背景铺垫和影响分析。这种处理方式，使得那些晚近的、更具颠覆性的艺术形式，在书中显得单薄和缺乏说服力，仿佛只是作为一种“脚注”存在。对于我这样的读者来说，我渴望看到的是艺术发展轨迹上的“因果关系”，是前浪如何推动后浪的逻辑链条。这本书虽然提及了大量的艺术流派，但它们之间更像是孤立的岛屿，被作者用简短的过渡句勉强连接，让人感觉艺术史的河流在此断裂了，只剩下分散的水花。