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[美] 科尔比著 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103036983

商品编码：10423846344

出版时间：2010-05-01

作  者:（美）科尔比 著；刘小龙，孙静，李霏霏 译 定  价:89 出 版 社:人民音乐出版社 出版日期:2010年05月01日 装  帧:平装 ISBN:9787103036983 ●序
●前言
● 1750年左右的键盘音乐文献
●第二章 转变时期(约1720－1790年)
●第三章 海顿、莫扎特、贝多芬及其同代人
●第四章 19世纪早期
●第五章 李斯特、勃拉姆斯和他们的时代
●第六章 19世纪晚期
●第七章 20世纪初至20世纪中叶：法国和德国
●第八章 20世纪初到20世纪中叶：欧洲其他
●国家和地区以及亚洲
●第九章 20世纪中叶到20世纪晚期
●参考文献
●

内容简介

中国业已成为一个钢琴大国，但这并不意味着我们已经达到了钢琴强国的标准和水平。因为，纵观新中国诞生以来我国钢琴教育走过的曲折道路，我们就会发现这个学科在许多方面还显得相当薄弱，对于钢琴文化的理解还处于一个“初级阶段”。
    人们通常将约翰.塞巴斯蒂安.巴赫的作品看做是巴罗克音乐发展的很好。但是当我们意识到在巴赫生前他所有的作品既没有得到广泛的流传也没有获得普遍的认同时，上面的断言在某种意义上来说就变得具有讽刺意味了。确实，巴赫的作曲方式为他与始于18世纪30年代的莱比锡之间的相处，带来相当多的麻烦。当时所产生的具有决定性且令他难以达到的变革，如同发生在以往任何一段音乐史中的一样深远，使巴赫的音乐听起来无足轻重、艰深（当时限定用“learned”来形容），并且老套.对于巴赫自己来讲，从善意的角度理解拥有有讽刺意义的是，他的儿子们却成为了新音乐风格发展中的重要人物。据推断，他的儿子卡尔·菲利浦.埃曼纽埃尔（CarlPhilippEmanuel）称巴赫为“旧式假发”，希望这是出于敬意。另一方面，20世纪70年代出现的分析性注释表明，在18世纪30年代及其之后的时期，巴等

古乐新声：西方音乐文化的演进与思潮 作者： [虚构作者姓名] 出版社： [虚构出版社名称] 装帧： 精装/函套/插图本 页数： 约 850 页 内容简介： 《古乐新声：西方音乐文化的演进与思潮》是一部宏大而精微的著作，旨在勾勒自古希腊哲学对音乐的最初思辨，直至二十世纪末实验音乐的诞生，西方音乐思想、风格变迁、技术革新与社会文化互动之间复杂而迷人的互动关系。本书并非传统的作曲家或作品“编年史”，而是着重于解析驱动音乐形态变革的核心“思潮”——即在特定历史语境下，音乐家、理论家、赞助人和听众如何理解、创造和体验声音的本质。 本书结构分为五个主要部分，层层递进，旨在为读者构建一个立体的西方音乐文化图景： 第一部：理念的源头与早期形制（公元前 6 世纪 – 公元 1400 年） 本部分深入探讨了西方音乐哲学的基石。从毕达哥拉斯对音程数学本质的发现，到柏拉图和亚里士多德关于“模仿说”与“和谐论”的争辩，音乐被视为宇宙秩序的微观体现。我们详细考察了早期基督教音乐如何吸收并改造了古典遗产，并分析了格里高利圣咏的“纯净”美学如何在修道院文化中确立了中世纪早期音乐的主导地位。随后的章节聚焦于“记谱法”的革命性发展——从纽姆记谱到线条化记谱的过渡，如何使音乐从一种转瞬即逝的口传艺术，转变为可被精确复制和分析的文本。我们细致研究了奥尔加农（Organum）的早期复调实践，以及阿奎坦的纪尧姆等人在世俗吟唱（Troubadour/Trouvère Culture）中所展现的音乐叙事能力，为文艺复兴的“人文主义觉醒”奠定了音乐上的文化基础。本部分着重阐释了“音高”和“调式”的概念如何被构建为一种哲学和神学的载体。 第二部：文艺复兴的理性与情感平衡（约 1400 年 – 1600 年） 文艺复兴时期，音乐的焦点从“神圣”转向“人本”。本书详细分析了“众赞歌”（Motet）和“弥撒曲”中复调技巧的登峰造极，特别是奥克冈（Ockeghem）和帕莱斯特里那（Palestrina）对“声部独立性”与“织体清晰度”的平衡追求。我们特别开辟章节探讨了“印刷术对音乐传播”的革命性影响，以及“世俗音乐”（如法国香颂、意大利的“佛罗托拉”）如何开始挑战教会音乐的权威性。印刷术不仅降低了音乐的获取成本，更促进了乐谱的标准化和作曲家地位的提升。本部分的核心议题是：音乐如何开始自觉地服务于文字的“意义”——即“文本的清晰度”成为美学追求的最高标准，预示着巴洛克“情感说”的萌芽。 第三部分：巴洛克时代的戏剧性与结构（约 1600 年 – 1750 年） 巴洛克时期是西方音乐史上“风格”形成最为剧烈的阶段。本书将“歌剧”的诞生视为一次文化爆炸，探讨了蒙特威尔第如何通过“第二风”（Seconda Prattica）打破僵硬的对位规则，以服务于强烈的情感表达（Affekts）。我们详尽分析了“主导音与和声功能”的确立——即“调性体系”的最终固化，以及由此催生的“通奏低音”（Basso Continuo）对音乐结构和即兴创作的支撑作用。此外，对位法大师巴赫作品中“逻辑性与虔诚”的完美结合，以及亨德尔在“清唱剧”中对公众戏剧的驾驭能力，被置于当时欧洲宫廷与新兴市民阶层的赞助模式下进行考察。本部分强调了“戏剧性张力”和“对比原则”在巴洛克音乐中的核心地位。 第四部：古典主义的清晰与浪漫主义的扩张（约 1750 年 – 1900 年） 古典主义时期标志着对巴洛克“复杂性”的反动，追求清晰的结构、平衡的比例和普世的情感表达。本书深入剖析了奏鸣曲式（Sonata Form）作为一种“精神辩证法”的构建过程，以及海顿、莫扎特如何将交响乐和弦乐四重奏提升为“对话的艺术”。维也纳古典乐派的成功，与启蒙运动对“理性”和“自然”的推崇密不可分。然而，随着贝多芬的出现，音乐的边界开始模糊。浪漫主义部分，本书着重探讨了“个体天才”和“主观体验”如何取代了古典主义的客观美学。舒伯特的艺术歌曲（Lied）中对诗歌心理的挖掘，肖邦对钢琴媒介的极致探索，以及瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的宏伟理念，都被视为对传统形式的系统性“颠覆”。我们亦考察了民族乐派的兴起，音乐如何成为构建国家身份认同的工具。 第五部：二十世纪的解构与重塑（约 1900 年 – 2000 年） 本书的最后部分聚焦于西方音乐如何应对现代性的冲击。我们考察了德彪西和印象主义如何通过“音色”本身来描绘感觉，挑战了既有的功能和声体系。20 世纪初，对传统“调性”的彻底抛弃（从荀伯格的十二音体系到无调性探索），被置于弗洛伊德心理学和艺术领域“立体主义”的思潮背景下。本书详细比较了斯特拉文斯基对原始律动的回归（“原始主义”）与勋伯格对“序列主义”的理性控制。后半部分，我们将目光投向更具颠覆性的领域：野蛮的打击乐节奏（如雅尼克）、“机遇音乐”（Aleatoric Music）对作曲家控制权的放弃（如凯奇），以及电子合成技术的介入如何彻底改变了“声音的来源”与“演奏的定义”。本书最后以对后现代主义思潮下“折衷主义”和“挪用”（Pastiche）的探讨收尾，展示了西方音乐文化在世纪之交所面临的身份危机与无限可能性。 本书特色： 本书的独特之处在于其跨学科的分析视角，它不仅仅关注“如何写音乐”，更关注“为什么如此写音乐”。通过对乐理革新背后的哲学、社会赞助模式的变迁、以及技术工具的制约与解放的深入剖析，读者将获得一个理解西方音乐史的全新框架，理解音乐是如何与其所处的时代精神共同呼吸、共同演化的。书中配有大量珍贵的历史图表、乐谱片段分析图及相关艺术作品对比插图，力求全面而深入地呈现这场跨越千年的“古乐新声”。

评分☆☆☆☆☆

这部关于音乐史的巨著，简直是为我这种对古典乐充满好奇却又苦于找不到清晰脉络的门外汉量身定做的。作者的叙事手法高明至极，他没有将枯燥的年代和复杂的曲式堆砌在一起，而是将它们编织成了一幅生动且充满人文关怀的画卷。我尤其欣赏他对早期音乐家生活背景和时代思潮的细致描摹。比如，书中对于巴洛克时期教会对音乐创作的约束与激励的对比分析，让我真切地感受到了那些伟大的赋格曲背后所蕴含的挣扎与荣耀。读起来一点也不觉得累，反而像是在听一场精心编排的音乐会导览，从那个时期特定乐器的发展，到不同流派之间微妙的继承与反叛，每一个转折点都交代得清清楚楚，逻辑链条异常完整。那些晦涩难懂的音乐术语，也被作者用极为生活化的语言进行了解释，使得即便是初次接触的人也能迅速领会其精髓。这种将学术深度与大众可读性完美结合的能力，是很多同类书籍望尘莫及的。它成功地激发了我去主动探寻那些被提及的作曲家作品原貌的欲望，这对我而言，比单纯记住历史节点更有价值。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这本书带给我的感受，那就是“通透”。作者对音乐理论的把握深入骨髓，但其表达却始终保持着一种令人尊敬的克制与清晰。他从不卖弄艰深的术语，而是在必要时给出最精准的定义，然后迅速将焦点拉回到音乐本身的情感表达和历史意义上。书中对于现代音乐的探讨，尤其令人印象深刻。作者没有简单地将之视为对传统的否定，而是细腻地分析了战争、技术爆炸以及全球化思潮如何共同作用，催生出那些看似陌生却内在逻辑自洽的新声响。他将复杂的十二音体系的诞生，描绘成一种面对传统调性体系局限性时的必然选择，充满了历史的宿命感。整本书读下来，我感觉自己的耳朵被“重新校准”了，对不同时代、不同风格的音乐都能以一种更包容、更具洞察力的态度去接纳和欣赏。这是一部能够改变你欣赏音乐方式的里程碑式的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，是一种全新的“聆听”体验。在此之前，我听音乐更多是沉浸在情绪之中，而这本书让我学会了如何“解构”音乐，去欣赏其背后的精妙结构和匠心独运。作者在论述中频繁使用类比的手法，将复杂的对位法比喻成一场精密的建筑结构设计，或者将奏鸣曲式比作一场精心编排的戏剧冲突与和解。这种形象化的表达方式，极大地降低了理解门槛。更值得称赞的是，它对非主流作曲家的关注，打破了“维也纳学派”一家独大的叙事模式。书中有一章详细论述了某一小众地区在特定历史时期对和声色彩的独特贡献，这让我意识到，音乐史的丰满程度远超我们通常接触到的“大路货”。每一次阅读，都像是发掘了一处被尘封的宝藏，每一次的探索都充满了惊喜。文字流畅自如，仿佛作者正坐在我的身旁，用他富有激情的语调，向我娓娓道来那些流淌了数百年的旋律背后的故事。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在翻开这本书之前，我对音乐史的了解仅限于几个耳熟能详的名字，感觉整个领域像是一座难以逾越的高山。然而，这本书的结构安排，就像是设计师精心规划的一条无障碍步道，将我平稳地引入了宏大的音乐殿堂。它的章节划分极其清晰，不是简单的按时间顺序堆砌，而是以“风格演变”为核心驱动力，每一个时期的更迭都伴随着社会文化背景的深刻剖析。我特别喜欢其中对于“浪漫主义”后期那种近乎癫狂的个人情感表达如何与技术革新相互作用的探讨。作者没有停留在表面赞美，而是深入挖掘了钢琴这种乐器在那个阶段所能承载的，超越传统界限的巨大情感张力。书中穿插的那些插图和乐谱片段，虽然没有详细的解读，但其选择本身就体现了编辑的用心，往往能在一瞥之间抓住某个时期的视觉精髓。阅读过程中，我经常会停下来，思考作者提出的那些发人深省的问题：艺术创作的边界究竟在哪里？技术进步是否必然带来精神的升华？这本书不仅是知识的传递，更是一场深刻的思维碰撞。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐史有一定了解的业余爱好者，我原以为这本书不会给我带来太多新鲜感，但事实证明我错了。本书最让我耳目一新的地方，在于其对“跨界影响”的深入挖掘。作者大胆地将音乐史置于更广阔的艺术与哲学框架下讨论，比如他如何将印象派音乐的和声处理与同时期绘画的光影实验联系起来，或者探讨启蒙运动对音乐理性结构的影响。这种宏观的视野，使得音乐不再是孤立的存在，而是人类文明脉络中不可或缺的一部分。书中的论证逻辑严密到几乎无懈可击，每一个观点都有详实的史料支撑，但作者的笔法却丝毫不显板刻。相反，他通过精准的词汇选择，营造出一种既学术又充满诗意的阅读氛围。读完特定章节后，我常常会立刻去寻找书中提到的那些关键作品，试图用作者提供的新视角去重新审视它们，这种知行合一的阅读体验，是极为难得的。