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[美] 科爾比著 著

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齣版社： 人民音樂齣版社

ISBN：9787103036983

商品編碼：10423846344

齣版時間：2010-05-01

作  者:（美）科爾比 著；劉小龍，孫靜，李霏霏 譯 定  價:89 齣 版 社:人民音樂齣版社 齣版日期:2010年05月01日 裝  幀:平裝 ISBN:9787103036983 ●序
●前言
● 1750年左右的鍵盤音樂文獻
●第二章 轉變時期(約1720－1790年)
●第三章 海頓、莫紮特、貝多芬及其同代人
●第四章 19世紀早期
●第五章 李斯特、勃拉姆斯和他們的時代
●第六章 19世紀晚期
●第七章 20世紀初至20世紀中葉：法國和德國
●第八章 20世紀初到20世紀中葉：歐洲其他
●國傢和地區以及亞洲
●第九章 20世紀中葉到20世紀晚期
●參考文獻
●

內容簡介

中國業已成為一個鋼琴大國，但這並不意味著我們已經達到瞭鋼琴強國的標準和水平。因為，縱觀新中國誕生以來我國鋼琴教育走過的麯摺道路，我們就會發現這個學科在許多方麵還顯得相當薄弱，對於鋼琴文化的理解還處於一個“初級階段”。
    人們通常將約翰.塞巴斯蒂安.巴赫的作品看做是巴羅剋音樂發展的很好。但是當我們意識到在巴赫生前他所有的作品既沒有得到廣泛的流傳也沒有獲得普遍的認同時，上麵的斷言在某種意義上來說就變得具有諷刺意味瞭。確實，巴赫的作麯方式為他與始於18世紀30年代的萊比锡之間的相處，帶來相當多的麻煩。當時所産生的具有決定性且令他難以達到的變革，如同發生在以往任何一段音樂史中的一樣深遠，使巴赫的音樂聽起來無足輕重、艱深（當時限定用“learned”來形容），並且老套.對於巴赫自己來講，從善意的角度理解擁有有諷刺意義的是，他的兒子們卻成為瞭新音樂風格發展中的重要人物。據推斷，他的兒子卡爾·菲利浦.埃曼紐埃爾（CarlPhilippEmanuel）稱巴赫為“舊式假發”，希望這是齣於敬意。另一方麵，20世紀70年代齣現的分析性注釋錶明，在18世紀30年代及其之後的時期，巴等

古樂新聲：西方音樂文化的演進與思潮 作者： [虛構作者姓名] 齣版社： [虛構齣版社名稱] 裝幀： 精裝/函套/插圖本 頁數： 約 850 頁 內容簡介： 《古樂新聲：西方音樂文化的演進與思潮》是一部宏大而精微的著作，旨在勾勒自古希臘哲學對音樂的最初思辨，直至二十世紀末實驗音樂的誕生，西方音樂思想、風格變遷、技術革新與社會文化互動之間復雜而迷人的互動關係。本書並非傳統的作麯傢或作品“編年史”，而是著重於解析驅動音樂形態變革的核心“思潮”——即在特定曆史語境下，音樂傢、理論傢、贊助人和聽眾如何理解、創造和體驗聲音的本質。 本書結構分為五個主要部分，層層遞進，旨在為讀者構建一個立體的西方音樂文化圖景： 第一部：理念的源頭與早期形製（公元前 6 世紀 – 公元 1400 年） 本部分深入探討瞭西方音樂哲學的基石。從畢達哥拉斯對音程數學本質的發現，到柏拉圖和亞裏士多德關於“模仿說”與“和諧論”的爭辯，音樂被視為宇宙秩序的微觀體現。我們詳細考察瞭早期基督教音樂如何吸收並改造瞭古典遺産，並分析瞭格裏高利聖詠的“純淨”美學如何在修道院文化中確立瞭中世紀早期音樂的主導地位。隨後的章節聚焦於“記譜法”的革命性發展——從紐姆記譜到綫條化記譜的過渡，如何使音樂從一種轉瞬即逝的口傳藝術，轉變為可被精確復製和分析的文本。我們細緻研究瞭奧爾加農（Organum）的早期復調實踐，以及阿奎坦的紀堯姆等人在世俗吟唱（Troubadour/Trouvère Culture）中所展現的音樂敘事能力，為文藝復興的“人文主義覺醒”奠定瞭音樂上的文化基礎。本部分著重闡釋瞭“音高”和“調式”的概念如何被構建為一種哲學和神學的載體。 第二部：文藝復興的理性與情感平衡（約 1400 年 – 1600 年） 文藝復興時期，音樂的焦點從“神聖”轉嚮“人本”。本書詳細分析瞭“眾贊歌”（Motet）和“彌撒麯”中復調技巧的登峰造極，特彆是奧剋岡（Ockeghem）和帕萊斯特裏那（Palestrina）對“聲部獨立性”與“織體清晰度”的平衡追求。我們特彆開闢章節探討瞭“印刷術對音樂傳播”的革命性影響，以及“世俗音樂”（如法國香頌、意大利的“佛羅托拉”）如何開始挑戰教會音樂的權威性。印刷術不僅降低瞭音樂的獲取成本，更促進瞭樂譜的標準化和作麯傢地位的提升。本部分的核心議題是：音樂如何開始自覺地服務於文字的“意義”——即“文本的清晰度”成為美學追求的最高標準，預示著巴洛剋“情感說”的萌芽。 第三部分：巴洛剋時代的戲劇性與結構（約 1600 年 – 1750 年） 巴洛剋時期是西方音樂史上“風格”形成最為劇烈的階段。本書將“歌劇”的誕生視為一次文化爆炸，探討瞭濛特威爾第如何通過“第二風”（Seconda Prattica）打破僵硬的對位規則，以服務於強烈的情感錶達（Affekts）。我們詳盡分析瞭“主導音與和聲功能”的確立——即“調性體係”的最終固化，以及由此催生的“通奏低音”（Basso Continuo）對音樂結構和即興創作的支撐作用。此外，對位法大師巴赫作品中“邏輯性與虔誠”的完美結閤，以及亨德爾在“清唱劇”中對公眾戲劇的駕馭能力，被置於當時歐洲宮廷與新興市民階層的贊助模式下進行考察。本部分強調瞭“戲劇性張力”和“對比原則”在巴洛剋音樂中的核心地位。 第四部：古典主義的清晰與浪漫主義的擴張（約 1750 年 – 1900 年） 古典主義時期標誌著對巴洛剋“復雜性”的反動，追求清晰的結構、平衡的比例和普世的情感錶達。本書深入剖析瞭奏鳴麯式（Sonata Form）作為一種“精神辯證法”的構建過程，以及海頓、莫紮特如何將交響樂和弦樂四重奏提升為“對話的藝術”。維也納古典樂派的成功，與啓濛運動對“理性”和“自然”的推崇密不可分。然而，隨著貝多芬的齣現，音樂的邊界開始模糊。浪漫主義部分，本書著重探討瞭“個體天纔”和“主觀體驗”如何取代瞭古典主義的客觀美學。舒伯特的藝術歌麯（Lied）中對詩歌心理的挖掘，肖邦對鋼琴媒介的極緻探索，以及瓦格納“總體藝術作品”（Gesamtkunstwerk）的宏偉理念，都被視為對傳統形式的係統性“顛覆”。我們亦考察瞭民族樂派的興起，音樂如何成為構建國傢身份認同的工具。 第五部：二十世紀的解構與重塑（約 1900 年 – 2000 年） 本書的最後部分聚焦於西方音樂如何應對現代性的衝擊。我們考察瞭德彪西和印象主義如何通過“音色”本身來描繪感覺，挑戰瞭既有的功能和聲體係。20 世紀初，對傳統“調性”的徹底拋棄（從荀伯格的十二音體係到無調性探索），被置於弗洛伊德心理學和藝術領域“立體主義”的思潮背景下。本書詳細比較瞭斯特拉文斯基對原始律動的迴歸（“原始主義”）與勛伯格對“序列主義”的理性控製。後半部分，我們將目光投嚮更具顛覆性的領域：野蠻的打擊樂節奏（如雅尼剋）、“機遇音樂”（Aleatoric Music）對作麯傢控製權的放棄（如凱奇），以及電子閤成技術的介入如何徹底改變瞭“聲音的來源”與“演奏的定義”。本書最後以對後現代主義思潮下“摺衷主義”和“挪用”（Pastiche）的探討收尾，展示瞭西方音樂文化在世紀之交所麵臨的身份危機與無限可能性。 本書特色： 本書的獨特之處在於其跨學科的分析視角，它不僅僅關注“如何寫音樂”，更關注“為什麼如此寫音樂”。通過對樂理革新背後的哲學、社會贊助模式的變遷、以及技術工具的製約與解放的深入剖析，讀者將獲得一個理解西方音樂史的全新框架，理解音樂是如何與其所處的時代精神共同呼吸、共同演化的。書中配有大量珍貴的曆史圖錶、樂譜片段分析圖及相關藝術作品對比插圖，力求全麵而深入地呈現這場跨越韆年的“古樂新聲”。

評分☆☆☆☆☆

作為一個對音樂史有一定瞭解的業餘愛好者，我原以為這本書不會給我帶來太多新鮮感，但事實證明我錯瞭。本書最讓我耳目一新的地方，在於其對“跨界影響”的深入挖掘。作者大膽地將音樂史置於更廣闊的藝術與哲學框架下討論，比如他如何將印象派音樂的和聲處理與同時期繪畫的光影實驗聯係起來，或者探討啓濛運動對音樂理性結構的影響。這種宏觀的視野，使得音樂不再是孤立的存在，而是人類文明脈絡中不可或缺的一部分。書中的論證邏輯嚴密到幾乎無懈可擊，每一個觀點都有詳實的史料支撐，但作者的筆法卻絲毫不顯闆刻。相反，他通過精準的詞匯選擇，營造齣一種既學術又充滿詩意的閱讀氛圍。讀完特定章節後，我常常會立刻去尋找書中提到的那些關鍵作品，試圖用作者提供的新視角去重新審視它們，這種知行閤一的閱讀體驗，是極為難得的。

評分☆☆☆☆☆

如果用一個詞來形容這本書帶給我的感受，那就是“通透”。作者對音樂理論的把握深入骨髓，但其錶達卻始終保持著一種令人尊敬的剋製與清晰。他從不賣弄艱深的術語，而是在必要時給齣最精準的定義，然後迅速將焦點拉迴到音樂本身的情感錶達和曆史意義上。書中對於現代音樂的探討，尤其令人印象深刻。作者沒有簡單地將之視為對傳統的否定，而是細膩地分析瞭戰爭、技術爆炸以及全球化思潮如何共同作用，催生齣那些看似陌生卻內在邏輯自洽的新聲響。他將復雜的十二音體係的誕生，描繪成一種麵對傳統調性體係局限性時的必然選擇，充滿瞭曆史的宿命感。整本書讀下來，我感覺自己的耳朵被“重新校準”瞭，對不同時代、不同風格的音樂都能以一種更包容、更具洞察力的態度去接納和欣賞。這是一部能夠改變你欣賞音樂方式的裏程碑式的作品。

評分☆☆☆☆☆

這部關於音樂史的巨著，簡直是為我這種對古典樂充滿好奇卻又苦於找不到清晰脈絡的門外漢量身定做的。作者的敘事手法高明至極，他沒有將枯燥的年代和復雜的麯式堆砌在一起，而是將它們編織成瞭一幅生動且充滿人文關懷的畫捲。我尤其欣賞他對早期音樂傢生活背景和時代思潮的細緻描摹。比如，書中對於巴洛剋時期教會對音樂創作的約束與激勵的對比分析，讓我真切地感受到瞭那些偉大的賦格麯背後所蘊含的掙紮與榮耀。讀起來一點也不覺得纍，反而像是在聽一場精心編排的音樂會導覽，從那個時期特定樂器的發展，到不同流派之間微妙的繼承與反叛，每一個轉摺點都交代得清清楚楚，邏輯鏈條異常完整。那些晦澀難懂的音樂術語，也被作者用極為生活化的語言進行瞭解釋，使得即便是初次接觸的人也能迅速領會其精髓。這種將學術深度與大眾可讀性完美結閤的能力，是很多同類書籍望塵莫及的。它成功地激發瞭我去主動探尋那些被提及的作麯傢作品原貌的欲望，這對我而言，比單純記住曆史節點更有價值。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，在翻開這本書之前，我對音樂史的瞭解僅限於幾個耳熟能詳的名字，感覺整個領域像是一座難以逾越的高山。然而，這本書的結構安排，就像是設計師精心規劃的一條無障礙步道，將我平穩地引入瞭宏大的音樂殿堂。它的章節劃分極其清晰，不是簡單的按時間順序堆砌，而是以“風格演變”為核心驅動力，每一個時期的更迭都伴隨著社會文化背景的深刻剖析。我特彆喜歡其中對於“浪漫主義”後期那種近乎癲狂的個人情感錶達如何與技術革新相互作用的探討。作者沒有停留在錶麵贊美，而是深入挖掘瞭鋼琴這種樂器在那個階段所能承載的，超越傳統界限的巨大情感張力。書中穿插的那些插圖和樂譜片段，雖然沒有詳細的解讀，但其選擇本身就體現瞭編輯的用心，往往能在一瞥之間抓住某個時期的視覺精髓。閱讀過程中，我經常會停下來，思考作者提齣的那些發人深省的問題：藝術創作的邊界究竟在哪裏？技術進步是否必然帶來精神的升華？這本書不僅是知識的傳遞，更是一場深刻的思維碰撞。

評分☆☆☆☆☆

這本書帶給我的，是一種全新的“聆聽”體驗。在此之前，我聽音樂更多是沉浸在情緒之中，而這本書讓我學會瞭如何“解構”音樂，去欣賞其背後的精妙結構和匠心獨運。作者在論述中頻繁使用類比的手法，將復雜的對位法比喻成一場精密的建築結構設計，或者將奏鳴麯式比作一場精心編排的戲劇衝突與和解。這種形象化的錶達方式，極大地降低瞭理解門檻。更值得稱贊的是，它對非主流作麯傢的關注，打破瞭“維也納學派”一傢獨大的敘事模式。書中有一章詳細論述瞭某一小眾地區在特定曆史時期對和聲色彩的獨特貢獻，這讓我意識到，音樂史的豐滿程度遠超我們通常接觸到的“大路貨”。每一次閱讀，都像是發掘瞭一處被塵封的寶藏，每一次的探索都充滿瞭驚喜。文字流暢自如，仿佛作者正坐在我的身旁，用他富有激情的語調，嚮我娓娓道來那些流淌瞭數百年的鏇律背後的故事。