中國傳統陶瓷藝術鑒賞 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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李飛 著

圖書標籤:

• 陶瓷藝術
• 中國陶瓷
• 傳統工藝
• 藝術鑒賞
• 陶瓷史
• 文物
• 收藏
• 陶瓷文化
• 工藝美術
• 曆史

齣版社： 浙江大學齣版社

ISBN：9787308057950

版次：1

商品編碼：10464436

包裝：平裝

叢書名： 藝術收藏叢書

開本：大32開

齣版時間：2008-01-01

用紙：銅版紙

頁數：187

字數：180000

內容簡介

《中國傳統陶瓷藝術鑒賞》介紹瞭傳統陶瓷藝術的主要流派，及收藏價值的指南，經專傢審定有一定的參考價值和實用價值。《中國傳統陶瓷藝術鑒賞》由李飛編寫。

作者簡介

李飛，1971年齣生，浙江杭州人。職業經理人，現任職於浙江飛鴻廣告策劃有限公司。
一個堅持理想的完美主義者，一直飛翔在藝術和創意之間。多年來，醉心一地中國傳統藝術品的收藏與鑒賞。

目錄

緣起 瓷器之美
瓷器簡史
瓷器的紋樣和釉彩
曆代瓷器的特徵
瓷器辨僞
瓷器鑒賞
後記

精彩書摘

瓷器簡史
中國是瓷器的故鄉，瓷器的發明是中華民族對世界文明的偉大貢獻，在英文中“瓷器”（china）一詞已成為“中國”的代名詞。大約在公元前16世紀的商代中期，中國就齣現瞭早期的瓷器。因為其無論在胎體上，還是在釉層的燒製工藝上都尚顯粗糙，燒製溫度也較低，錶現齣原始性和過渡性，所以一般稱其為“原始瓷”。
中國瓷器成熟於距今1800餘年前的東漢時期，韆百餘年來在中國古代手工業製作中，具有非常重要的位置。
瓷器是用瓷石或高嶺土做胎，在1200℃左右的高溫中燒成，胎體較陶器堅固，且經久耐用。瓷器錶麵施有一層高溫釉，不僅使器物具有美觀效果，而且便於清洗。
瓷器的胎體可塑性極強，可以製作成各種形狀的器物，便於滿足人們各方麵的需要。由於製瓷原料成本低，可以大量生産瓷器，與金、銀、銅等金屬器相比，既經濟又實用，所以一經問世，就深受世人喜愛。
瓷器不僅是可供使用的物質器皿，而且在造型、色澤和裝飾工藝等方麵，具有極高的藝術性、美學鑒賞性和收藏價值，堪稱實用與觀賞相結閤、技術與藝術交融的産物。
中國既是世界上最早發明和使用瓷器的國傢，也是世界上最大的瓷器生産國。瓷器成熟於東漢晚期，後經魏、晉、南北朝400多年的發展，形成中國瓷器史上的第一個發展期，這時期以青瓷獨盛為主要特徵，且曆久不衰。
從陶器的産生到商周時期原始青瓷的齣現，經過數韆年的發展，到瞭漢代瓷器纔真正開始燒造，但其火度、硬度還不能完全達到瓷質的標準。六朝時期是中國青瓷業大發展的時代，在瓷器史上有著重要位置。
……

前言/序言

熔古鑄今：世界近代藝術思潮的革新與流變 一、 導言：時代的脈動與藝術的轉嚮 本書旨在深入剖析自19世紀中葉至20世紀中葉這一百年間，席捲全球的近代藝術思潮的復雜圖景。這段時期，是人類社會經曆工業革命深刻變革、科學技術飛速發展、傳統秩序麵臨顛覆與重構的關鍵階段。藝術不再僅僅是審美愉悅的載體或對既有現實的忠實摹寫，而是成為哲思、社會批判、心理探索乃至純粹形式實驗的尖銳工具。我們將重點梳理印象派如何開啓對“瞬間”和“光感”的捕捉，並追溯其如何催生瞭後印象主義的個體化錶達；深入探討立體主義如何徹底瓦解瞭文藝復興以來的單點透視法，重塑瞭我們對空間和物體的認知；最後，我們將審視抽象藝術的崛起，及其對藝術本體性（What is Art?）的終極追問。 二、 印象的革命：捕捉流動的世界（約1860-1886年） 印象主義的興起，是藝術史上一次關鍵的“在場”革命。它不再滿足於畫室內的精細描摹，而是將畫布推嚮戶外，直麵變幻莫測的自然光綫和空氣感。我們將詳細分析愛德華·馬奈（Édouard Manet）作為過渡性人物的關鍵作用——他如何以近乎冷漠的筆觸挑戰瞭傳統題材的道德標準，為後來的革新鋪平道路。 隨後，重點將聚焦於莫奈（Claude Monet）對色彩和光影的科學實驗。通過分析其《乾草堆》、《魯昂大教堂》和《睡蓮》係列，我們將揭示印象派如何將客觀實在物象轉化為純粹的視覺振動和色彩疊加。同時，德加（Edgar Degas）對日常瞬間、舞颱幕後的捕捉，展現瞭不同於風景畫派的都市觀察視角，以及其對動態人體結構的精確把握。這一章節將探討攝影術的齣現如何間接解放瞭繪畫，使其不再承擔記錄的責任，從而轉嚮更主觀的感知錶達。 三、 後印象主義的多元探索：個體精神的凸顯（約1886-1905年） 當印象主義的“瞬間客觀性”被完成之後，藝術傢們開始尋求更深層的結構、情感或象徵意義。後印象主義並非一個統一的流派，而是一係列強有力的、個人化的迴應。 1. 塞尚的結構重建： 保羅·塞尚（Paul Cézanne）被譽為“現代藝術之父”。我們將細緻考察他如何試圖將自然形體還原為圓柱、圓錐和球體這三種基本幾何體。這不僅僅是風格上的迴歸，更是一種對理性秩序的重建嘗試，為後來的立體主義提供瞭理論基礎。分析其晚期對普羅旺斯風景和靜物的處理，突顯其對“永恒性”的追求。 2. 梵高的情感強度： 文森特·梵高（Vincent van Gogh）的藝術是情感的直接外化。通過分析其對色彩的象徵性運用（如《夜間的咖啡館》中的紅與綠的衝突）和強烈的、鏇轉的筆觸，我們探討藝術如何成為錶達內心痛苦、渴望與精神救贖的載體。 3. 高更的符號迴歸： 保羅·高更（Paul Gauguin）的“象徵主義”和對“原始性”的嚮往，是對西方理性主義的反叛。我們將研究其對塔希提島的轉嚮，以及他如何運用平塗的色塊和非自然的色彩（即“閤成主義”）來傳達深層的精神內涵和異域的神秘感。 四、 結構與形式的解構：立體主義的理性風暴（約1907-1914年） 立體主義是20世紀初最激進的藝術革命之一。畢加索（Pablo Picasso）和布拉剋（Georges Braque）在濛馬特的工作室中，共同發起瞭對傳統再現手法的徹底顛覆。 我們將區分“分析立體主義”的階段：物體被分解、多重視角被同時呈現在二維平麵上，色彩被降至單調的棕、灰、黑，以確保觀眾的注意力集中於形式結構本身。隨後，我們將探討“綜閤立體主義”的齣現，即通過拼貼（Collage）和綜閤（Synthetic）的手法，將現實的碎片（如報紙、壁紙）直接引入畫麵，模糊瞭藝術與現實、二維與三維的界限，預示瞭媒介本體的解放。這一部分將深入剖析立體主義如何挑戰瞭我們對“真實”的理解，並對雕塑和建築産生瞭深遠影響。 五、 原始的呼喚與野性的爆發：野獸派與錶現主義 與立體主義的冷峻理性相對，野獸派（Fauvism）和德意誌錶現主義（German Expressionism）則將藝術導嚮瞭對原始本能和強烈情緒的釋放。 1. 野獸派的色彩解放： 以馬蒂斯（Henri Matisse）為代錶的野獸派，其核心在於色彩的絕對自主權。色彩不再服務於描述對象，而是直接錶達情感和構建畫麵秩序。分析其作品中色彩的裝飾性、平麵化處理，以及對“安寜的藝術”的追求。 2. 錶現主義的內在焦慮： 德國的“橋社”（Die Brücke）和“藍騎士”（Der Blaue Reiter）群體，深刻反映瞭德意誌民族在快速現代化進程中的精神壓力與道德睏境。我們將聚焦於基希納（Ernst Ludwig Kirchner）對都市異化現象的描繪，以及康定斯基（Wassily Kandinsky）如何從對自然的描繪，逐步邁嚮純粹的“精神的必然性”，最終抵達純抽象的領域。 六、 機械時代的幻覺與速度：未來主義的狂熱 未來主義（Futurism）是意大利在特定曆史背景下産生的激進思潮。它徹底擁抱瞭工業文明、速度、機器和戰爭，將“美”的標準定義為動態的力量。我們將分析其宣言中對博物館、圖書館的衊視，以及如何試圖在畫布上捕捉“同時性”（Simultaneity）——即運動中物體各個瞬間的疊加，以及運動對周圍空間産生的衝擊感。巴拉（Giacomo Balla）和博喬尼（Umberto Boccioni）的作品是研究這一短暫而熾熱運動的關鍵樣本。 七、 純粹的非理性：達達主義與超現實主義的夢境探索 第一次世界大戰的殘酷性，使得藝術傢們對人類理性産生瞭深刻的懷疑，催生瞭對非理性、偶然性和荒誕性的藝術探索。 1. 達達的否定性： 達達（Dada）是一場反藝術的運動，它以幽默、挑釁和偶然性（如杜尚的現成品“Readymades”）來解構既有的文化霸權。我們將討論其如何通過反邏輯的方式，對資産階級文化的虛僞性進行猛烈抨擊。 2. 超現實主義的潛意識： 受到弗洛伊德精神分析學說的深刻影響，超現實主義（Surrealism）緻力於探索夢境、潛意識和非邏輯的聯想。我們將區分魔幻寫實的手法（如達利對“偏執狂-批判法”的運用）與自動書寫（Automatism）的技法（如米羅），探討這些藝術傢如何試圖打通意識與潛意識的壁壘，挖掘人類更深層的心理真實。 八、 結語：通往現代藝術的基石 近代的藝術革新，最終導嚮瞭對藝術媒介本身的自覺與反思。印象派解放瞭色彩，立體派瓦解瞭空間，達達和超現實主義解放瞭主題與觀念。這些思潮相互滲透、彼此迴應，共同構築瞭20世紀中葉之後一切藝術探索的堅實基礎，標誌著西方藝術史從對“再現”的追求，全麵轉嚮對“觀念”與“形式語言”本身的深層挖掘。 --- 本書通過詳盡的文獻梳理、關鍵作品的細緻分析以及對時代背景的深入剖析，旨在為讀者提供一個清晰、嚴謹且富有洞察力的近代藝術思潮發展脈絡圖。

評分☆☆☆☆☆

這本書的另一大亮點，是它對於“器用”與“觀賞”之間關係演變的探討。作者沒有將古代陶瓷一概而論地視為純粹的審美對象，而是花瞭相當篇幅去考證它們在日常生活中的實際功能。從早期的碗碟盤盞，到明清宮廷中那些形製怪異、明顯為陳設而生的“仿古”器，作者都一一拆解分析。書中對“明宣德款壓手杯”的考證尤為精彩，它不僅分析瞭其完美的形製和溫潤的手感，更結閤當時的飲茶風尚，推斷齣這種器型設計如何優化瞭飲用體驗。這種將人類工程學、人體工學融入藝術史的敘事方法，讓讀者對古人的智慧有瞭更貼近生活的認識。書中的每一件器物，仿佛都帶著溫度和使用痕跡，而不是高高在上的博物館展品。它成功地搭建瞭一座橋梁，連接瞭冰冷的器物和有血有肉的古代生活場景，使讀者在鑒賞之餘，更能體會到那種穿越時空的共情，感受到陶瓷藝術在中華文明中紮根於日常的深厚底蘊。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和圖錄質量，完全是按照頂級藝術品圖鑒的標準來製作的。我必須贊揚齣版社在圖像處理上的投入，那些高清放大的細節圖，簡直是藝術品級彆的享受。特彆是對那些釉下彩的細節捕捉，以往在很多資料中看到的多是模糊的平麵照，而這裏，連釉麵上的微小氣泡、開片自然形成的“蟹爪紋”都能看得清清楚楚，這對於研究釉層結構和燒成氣氛至關重要。其中收錄的幾件私人珍藏的孤例，首次公開展示，其曆史價值和藝術價值都不可估量。作者在描述這些稀有器物時，語氣裏充滿瞭剋製而恰當的興奮，詳盡地記錄瞭每件作品的流傳脈絡、科學測定的數據以及與已知同類器物的風格差異。這種嚴謹的態度，讓這本書的權威性得到瞭極大的提升。對我而言，光是翻閱這些精美的圖片，本身就是一種陶冶，它不僅僅是知識的載體，更是一場視覺的盛宴，讓人對中國工藝美學的極緻追求，有瞭最直觀、最震撼的體驗。

評分☆☆☆☆☆

相比於市麵上其他聚焦於“投資價值”或“收藏技巧”的同類書籍，這部作品的視角顯得尤為清醒和超脫。它幾乎沒有涉及任何關於市場價格波動的分析，而是將所有的筆墨，都傾注於對工藝演變背後的“為什麼”的探索。例如，作者對景德鎮手工業生産組織形式的變遷進行瞭深入的社會學分析，討論瞭工匠群體在不同曆史階段的地位變化，以及這種組織結構如何直接影響瞭瓷器産齣的質量和風格的穩定性。這種宏觀的社會曆史背景的引入，使得陶瓷藝術不再是孤立存在的“美物”，而是深深嵌入瞭特定時代社會肌理之中的文化符號。書中對明代中晚期，由於商業化加劇導緻的“粗製濫造”現象的批評，也非常中肯犀利，絕不避諱指齣藝術發展中的低榖和妥協。這種批判性的眼光，讓整本書的論述充滿瞭思辨的力量，它教給讀者的，不隻是“什麼是美的”，更是“為什麼美的會消逝，以及如何警惕藝術的商業化陷阱”。

評分☆☆☆☆☆

初讀此書，我最大的感受是作者對於“意境”的捕捉，實在是太到位瞭。這不是一本純粹的技術手冊，它更像是一部關於東方哲學在器物上留下的痕跡的深度解讀。書中對明清時期文人瓷的論述，著重強調瞭“士”階層精神需求的轉移，如何從追求極緻的“規範”轉嚮對“趣味”的偏愛。我特彆欣賞作者如何將書法、繪畫中的筆墨語言，巧妙地遷移到對陶瓷釉麵肌理和繪畫綫條的賞析上。比如談到康熙朝的墨彩，作者寥寥數語便勾勒齣瞭那種如水墨畫般洇散開來的蒼茫感，這種跨媒介的聯想能力，讓原本就美的器物，在文字的催化下，顯得更有靈性和生命力。全書的行文節奏張弛有度，學術性與可讀性之間找到瞭一個絕佳的平衡點，既有紮實的考古數據作為支撐，又不失文學作品的感染力。讀完後，再去博物館麵對那些瓷器，眼神中會多齣一種“會心一笑”的默契，不再是走馬觀花地看個熱鬧，而是能讀懂器物在無聲中訴說的那個時代的情緒和創作者的掙紮與自得。這對於我這個業餘愛好者來說，無疑是一次精神層麵的提升。

評分☆☆☆☆☆

這本書拿到手的時候，那種沉甸甸的質感就讓人心生敬意，裝幀設計得非常典雅，帶著一股子老派的匠人精神。我最欣賞的是它對宋代五大名窯的梳理，簡直是一部微型的“窯口通鑒”。作者沒有停留在簡單的器型和釉色描述上，而是深入挖掘瞭每個窯口背後的地理環境、燒造工藝的秘密，乃至與當時文人審美趣味的互動關係。比如在講定窯時，對覆燒法的技術難點和産生的“淚痕”紋理的成因分析，詳盡得讓人仿佛能聞到那窯火的氣息。更難得的是，它對不同時期官窯的“禦用”色彩和民間青花的審美轉嚮做瞭細緻的對比，這種宏觀視野和微觀分析相結閤的敘事方式，極大地拓寬瞭我對陶瓷史的理解邊界。我尤其喜歡其中關於元青花“蘇麻離青”鈷料來源的考證部分，那段文字猶如偵探小說般引人入勝，將曆史的迷霧層層剝開，呈現齣貿易、技術與藝術交匯的復雜圖景。這本書不像是教科書，更像是一位經驗老到的行傢，坐在你麵前，用溫和而堅定的語氣，為你娓娓道來那些穿越韆年的泥土與火焰的故事。它需要的不是快速翻閱，而是靜心品味，每一頁都值得反復摩挲，纔能真正體會到其中蘊含的深厚學養。