蒋勋谈米开朗基罗：苦难中的巨人 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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蒋勋著

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艺术史
米开朗基罗
文艺复兴
蒋勋
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苦难

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出版社：北京联合出版社

ISBN：9787559600738

版次：1

商品编码：12365132

包装：精装

开本：16

出版时间：2018-06-01

用纸：特种纸

页数：280

字数：150000

具体描述

产品特色

编辑推荐

●创世纪以来，只有一个米开朗基罗！

●蒋勋再现文艺复兴巨匠，破解历史上伟大的雕刻家、画家、建筑家——米开朗基罗。

蒋勋，融会贯通文学、艺术、美学之大家，是林青霞的偶像。多年来，用布道的心情传播对美的感动。关于米开朗基罗，蒋勋认为：他的一生像一种殉道，是另一张形式的“哀悼基督”；而美是一种呼吸，是努力存活在剧痛与狂喜中的震动。

●我在大理石中看到了被禁锢的天使，只有一直雕刻，才能将他释放。”

——米开朗基罗

●文化导师余秋雨推荐美学读物：“跟着蒋勋先生徜徉欧洲艺术殿堂，是一件高雅的美事。”

●米开朗基罗，苦难中的巨人，他的一生神圣而痛苦，却在人生的种种不完美中创造出了一个完美的艺术世界。他在痛苦中挣扎，却又在痛苦中得以永恒。

●凡是伟大的艺术，总与孤独和苦难相伴而生。痛苦是无穷的，它具有种种形式。有时，它是由于物质的凌虐；有时，它即蕴藏在人的内心。

●从《创世纪》、《最后的审判》到《哀悼基督》，人性的狂喜与剧痛，在跃动的肌肉里，破石而出。

●精装典藏，复活经典。全彩四色印刷，精选米开朗基罗50余经典作品；附米开朗基罗重要作品列表及收藏博物馆。为读者提供更赏心悦目的阅读体验，领悟米开朗基罗的孤独、苦难与磅礴。

内容简介

在雕塑、绘画、建筑、诗歌等众多艺术门类中取得辉煌成就，在迄今为止的人类文明史上，只有米开朗基罗一人。米开朗基罗的作品带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮，代表了文艺复兴时期伟大的人文精神。他的才智是如此杰出，以至于在他活着的时候，人们就尊称他为“神”。

美是一种呼吸，美学大师蒋勋再现文艺复兴巨匠，雕刻人性的狂喜与剧痛。米开朗基罗的一生神圣而痛苦。如果没有这些痛苦、挣扎、波折、困顿，便不会有《哀悼基督》《大卫》《垂死的奴隶》这些令人敬畏的雕像。米开朗基罗从石头中解放了人体，却把自己献祭给了雕刻。

作者简介

蒋勋，福建长乐人。1947年生于古都西安，成长于宝岛台湾。台北中国文化大学史学系、艺术研究所毕业。1972年负笈法国巴黎大学艺术研究所，1976年返台后，曾任《雄狮美术》月刊主编，并先后执教于文化大学、辅仁大学及东海大学。

蒋勋先生文笔清丽流畅，说理明白无碍，兼具感性与理性之美，有小说、散文、艺术史、美学论述作品数十种，并多次举办画展，深获各界好评。近年专注两岸美学教育推广，他认为：“美之于自己，就像是一种信仰一样，而我用布道的心情传播对美的感动。”

代表作：《美的沉思》《蒋勋说<红楼梦>》《孤独六讲》《生活十讲》《汉字书法之美》《美的曙光》《蒋勋说唐诗》《蒋勋说宋词》《美，看不见的竞争力》《蒋勋说中国文学之美》等。

精彩书摘

【囚】

“人”的本质是什么呢？“人”是不自由的。“人”有一个肉体，禁锢着时时想要自由的生命。肉体像监牢，自由的心灵被囚禁在监牢里。

【战斗】

米开朗基罗一生的作品持续思考着人性的意义。人，为什么而活？在的意义是什么？欲望使肉体沉沦吗？热烈的爱为什么像火焰般燃烧，使肉体炙痛？

米开朗基罗用极深的刀法刻出人体，突显肌肉的凹凸，受光部分的明亮与背光凹处的暗黑，形成强烈对比。圣洁与沉沦，爱与恨，对比成他生命美学里相互激荡永不止息的两种动力。

【垂死的奴隶】

人可能是自己的奴隶。人也可能是自己的囚犯。我们眷恋自己的肉体，肉体便“奴役”我们，肉体便成为我们不得自由的囚牢。

【最后的审判】

米开朗基罗看到的“末日审判”，是日复一日生命每分秒的升起与降落。

生命是如此受苦的形式，为这种受苦自豪骄傲，或为这种受苦悲痛绝望，有什么不同吗？

【创世纪】

如果灾难对人类有意义，便是重新使人类领悟：救赎的意义，并不在神的慈悲饶恕，而是人类自己彼此学会靠近。米开朗基罗在《创世纪》神话的伟大作品中，其实宣示的是“人”的觉醒，而不是神的权威。

【大卫】

“输”与“赢”只是自己挑战的放弃或坚持。大卫的躯体，在面对生命灾难的现场，汹涌澎湃，激荡起生命的狂涛；又如此安静，没有“输”“赢”，只有一心一意的专注静定。

前言/序言

《艺术的冥想：从文艺复兴到现代的视觉史诗》引言：穿越时空的艺术之旅本书旨在带领读者进行一场深入的视觉艺术之旅，穿越数个世纪的艺术变迁，探索那些定义了人类美学观念和精神世界的伟大作品。我们不会聚焦于某一位特定的艺术家，而是将目光投向艺术史的宏大叙事中，探讨不同时代、不同地域的艺术思潮如何相互影响，共同构筑起人类文明的视觉景观。全书以一种沉思和探索的姿态，力求揭示艺术创作背后的深层哲学意蕴及其与时代精神的紧密关联。第一部：光影的觉醒——文艺复兴的理性与神性我们将从文艺复兴的曙光开始，这个时期是西方艺术史上一次伟大的转向。我们不会详细描绘任何一位雕塑家或画家生平，而是着重探讨“人文主义”思潮如何渗透到绘画和雕塑的创作中。主题一：透视法的革命与空间秩序的建立文艺复兴时期对线性透视的掌握，不仅仅是技术的进步，更是对世界认知方式的根本改变。它标志着人类从神权视角向以人为中心的观察模式的过渡。我们将分析早期佛罗伦萨艺术中，几何学如何被用来构建一个具有逻辑性和深度的视觉空间。这种空间感，是理性主义对自然界秩序的初步探索，也是对古典美学中和谐、比例的回归。主题二：理想化的人体与精神的表达文艺复兴盛期艺术，以其对人体解剖学的精准把握而著称，但这并非单纯的写实主义。我们关注的是“理想美”的构建——艺术家如何通过对人体形态的提炼和升华，去表达超越肉体的精神力量与道德完满性。例如，对神祇和英雄形象的处理，其姿态和比例的选择，都在暗示着一种超越世俗的崇高感。我们将探讨这种理想化如何成为衡量艺术成就的重要标准之一，并分析其在不同画派中的细微差别。主题三：色彩的象征与光线的叙事与早期强调线条和形体的艺术不同，威尼斯画派开始注重色彩的感性力量。我们探讨威尼斯画派如何将色彩（Colorito）置于素描（Disegno）之上，用丰富、温暖的色调来营造气氛和情感深度。色彩不再仅仅是对现实的模仿，而成为表达情绪、定义氛围的独立语言。这种对光影和色彩的精妙运用，预示着巴洛克艺术中戏剧性表现手法的诞生。第二部：情感的激荡——巴洛克与洛可可的感官盛宴进入十七、十八世纪，艺术的焦点从内省的和谐转向外在的动感与情绪的极致表达。主题一：运动、戏剧性与瞬间的永恒巴洛克艺术的标志是其强烈的运动感和戏剧张力。我们分析艺术家如何利用强烈的明暗对比（Chiaroscuro）来制造焦点，引导观众的目光，使静态的画面充满叙事性和激情。这种对“瞬间”的捕捉，是对传统静止美学的颠覆，它要求作品必须在视觉上“说话”，直接冲击观者的感官。我们将考察建筑、雕塑和绘画是如何共同营造出一种整体性的、包围观众的沉浸式体验。主题二：宫廷的奢华与洛可可的轻盈从宏大叙事的巴洛克转向洛可可，艺术风格展现出对精致、亲密和享乐主义的偏好。洛可可的艺术语言是柔和的曲线、奶油色的调性以及对田园牧歌式场景的描绘。我们探讨这种风格如何成为特定社会阶层生活方式的视觉体现，它侧重于室内装饰、小幅肖像画，以及对爱情、游戏等主题的优雅处理，反映出启蒙运动前夜贵族生活的精致与脆弱。第三部：理性的回归与情绪的爆发——新古典主义与浪漫主义的对决十八世纪末和十九世纪初的艺术史，充满了哲学和政治的张力，这在艺术风格的更迭中体现得淋漓尽致。主题一：秩序、道德与古典的复兴新古典主义是启蒙思想的视觉体现。我们分析艺术家如何从古希腊罗马的遗迹中汲取灵感，重新强调清晰的轮廓、简洁的构图和高尚的题材，以此来宣扬公民美德、理性至上和普世的道德规范。这种风格追求一种冰冷的、永恒的真理，试图在混乱的时代中建立起稳固的美学秩序。主题二：主观性、想象力与色彩的解放与新古典主义形成鲜明对比的是浪漫主义，它将目光转向了内部世界——情感、激情、非理性力量以及对异域风光的迷恋。我们考察浪漫主义艺术家如何打破既有的学院派规则，利用大胆的笔触、强烈的色彩对比，甚至对“崇高”（Sublime）的探索（即自然界压倒性的力量感），来表达个体的独特体验和深层的情感波动。这是艺术史上第一次，主观的感受被提升到与客观真理同等重要的地位。第四部：现实的审视与形式的解构——迈向现代的桥梁十九世纪中叶至二十世纪初，艺术开始脱离为权力或宗教服务的传统角色，转向对自身媒介和当代生活的深入反思。主题一：捕捉流动的瞬间——印象派的光影实验我们将分析印象派艺术家如何将焦点从描绘历史事件或神话故事，转移到对日常光线和瞬间视觉感受的捕捉上。他们走出画室，关注空气、色彩在不同天气和时间下的细微变化。这种对“当下”的执着，使得笔触变得松散、自由，预示着形式的解放。主题二：内在的焦虑与视觉的重构后印象派艺术家开始对印象派仅仅停留在表象的观察感到不满，他们试图在形式与情感之间建立更牢固的联系。有的艺术家通过色彩表达心理状态，有的则开始有意识地简化和几何化形象，以构建更具结构性和永恒感的画面。这标志着艺术家不再满足于再现可见的世界，而是开始创造一个由个人感知和结构原则所主导的新视觉现实。结语：艺术的永恒对话本书的旅程在艺术逐渐走向多元和实验性的前夜戛然而止。我们没有探讨二十世纪的抽象艺术或当代艺术，而是聚焦于从文艺复兴到现代初期这一段艺术发展的主轴线上，理解西方视觉艺术是如何一步步确立其表达的维度——从对外部世界的理性摹写，到对内在情感的激烈抒发，再到对形式本身的探索。每一次风格的更迭，都是人类思想和审美观念演变的深刻印记。艺术史的伟大之处在于其连续性，每一位创作者都是站在前人肩膀上，对话着永恒的理想与挑战。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功力非常扎实，但又不像某些艺术评论那样堆砌晦涩的术语，它更多地像是一种随笔式的倾诉，带着一种私人化的情愫和强烈的代入感。我特别喜欢作者描述那些关于人体结构和光影处理的段落，那种细腻到仿佛能触摸到米开朗基罗凿子留下的痕迹的文字，让人在脑海中构建起一个异常鲜活的创作现场。它没有回避艺术家的“人性”面。我们习惯于把米开朗基罗神化，但这本书却将他置于那个充满政治倾轧、宗教纷争和个人情感波折的时代洪流之中。他与教皇的复杂关系，他对自己身体和心智的苛刻要求，甚至是他那些著名的“愤怒”和“忧郁”，都被细致地剖析，不再是冰冷的传记资料，而是一个活生生、有血有肉的灵魂在挣扎。这种对人性深度挖掘的勇气，让阅读体验非常酣畅淋漓，它让你感觉自己不是在看一个遥远的历史人物，而是在与一位同时代的智者进行一场深刻的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，它不是严格按照时间顺序推进，而是围绕几个核心主题进行辐射和深入探讨，时而跳跃，时而回归，却总能在看似混乱的叙述中找到清晰的逻辑脉络。这种非线性的叙事方式，反而更贴合我们对复杂人物的理解过程——我们总是通过片段、通过感性冲击来拼凑出一个完整形象的。我尤其欣赏作者在阐述艺术理念时所展现出的那种克制。他不会过度解读，而是留下足够的空间让读者自己去填充情感和思考的空白。比如，当谈到米开朗基罗对自身才华的矛盾情感时，文字的笔触是极其微妙的，它描绘了一种“天赋即诅咒”的悖论，这种深度探讨，远远超越了单纯的艺术鉴赏范畴，触及了所有追求卓越者都会面对的内心困境。这种共鸣感，是这本书最宝贵的部分。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的整体感觉是“厚重而又轻盈”。“厚重”在于它探讨的主题——信仰、死亡、永恒、时间——都是沉甸甸的哲学命题；而“轻盈”则在于作者驾驭这些主题的方式，他避免了说教的沉闷，用一种近乎诗意的语言将它们娓娓道来。它更像是一本关于“如何承受伟大”的教科书。米开朗基罗的一生，就是一部不断与自我、与物质、与时间较量的历史。阅读这本书，不仅是对一位艺术家的致敬，更像是一次对人类精神韧性的精神洗礼。它让人重新审视自己生活中的“苦难”——那些看似无法逾越的障碍——是否也可以被视为一种淬炼自身、成就非凡的契机。这种对“苦难”价值的重新定义，让这本书的阅读价值持续发酵，是近期读到最有启发性的非虚构作品之一。

评分☆☆☆☆☆

最近读了一本关于文艺复兴巨匠的书，这本书的视角非常独特，完全没有落入那种传统艺术史的窠臼。作者似乎对米开朗基罗的理解，更多地聚焦于他作品背后那种近乎宗教般的虔诚与挣扎。读完后，我最大的感受是，我们对这些“神级”艺术家的理解，常常停留在他们作品的完美表象上，却忽略了支撑起这些不朽杰作的，是怎样一种近乎野蛮的生命力和精神上的孤独。书里花了很大篇幅来探讨那种“未完成”的美学。米开朗基罗的很多雕塑，似乎永远被困在了大理石块之中，那种似出非出的状态，让人忍不住去思考：创作的本质，到底是在“创造”一个新事物，还是在“释放”一个早已存在于材料内部的灵魂？这种对“解放”与“束缚”的辩证思考，在很多篇章中反复出现，读起来让人深思。它不仅仅是在谈论雕塑技法，更像是在阐述一种存在主义的困境，即个体在面对无限的理想与有限的物质条件时的永恒拉锯。这种深沉的内省，让整本书的格调一下子就提升了。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我多次停下来，合上书本，望向窗外，那种感觉是，作者成功地将我从日常的琐碎中抽离出来，强行带入到一种宏大的、近乎史诗般的氛围里。书中对“力量”的描绘尤其令人印象深刻。这种力量不是简单肌肉的展示，而是一种精神上的压迫感和不可抗拒的意志力。作者似乎有一种特殊的“镜头感”，总能捕捉到那些决定性的瞬间——比如西斯廷天顶画中的某个眼神，或者《大卫》雕像中那紧绷的颈部线条。他不是在描述“看到了什么”，而是在解释“为什么会是这样”。这种解释，往往建立在对当时社会心理和艺术家个人哲学体系的深刻理解之上。读完后，我对那些耳熟能详的作品，产生了一种全新的、充满敬畏感的认识，仿佛以前只是走马观花，现在才真正“看见”了它们背后的史诗。