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[德] 贝多芬 作曲 著

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540429591

商品编码：1463020958

包装：平装

出版时间：2003-04-01

基本信息

书名：贝多芬弦乐四重奏降E大调

原价：7.00元

作者：(德)贝多芬 作曲

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2003-04-01

ISBN：9787540429591

字数：

页码：44

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《贝多芬弦乐四重奏》弦乐四重奏这一艺术形式，是由作为贝多芬老师的海顿以及在创作上曾给于贝多芬很大影响的莫扎特开创并形成的。贝多芬一生共写下了十六部弦乐四重奏，这个数字与海顿的八十四部或者莫扎特的近三十部相比虽然不算多，但这十六部中几乎每一部都有鲜明的特点，成为弦乐四重奏宝库中最耀眼的明珠，占据十分重要的地位。在弦乐四重奏的发展史中成为前继海顿，莫扎特，又对后世作曲家有极大影响的里程碑。

目录

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1、庄严的——快板
2、不太慢的、非常富有歌唱性的柔板——稍快的行板——非常富有表情的柔板
3、谐谑的很快的快板——急板
4、终曲

作者介绍

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文摘

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序言

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探寻巴赫《哥德堡变奏曲》的奥秘：键盘上的结构与灵魂 一、引言：巴赫音乐的“圣殿” 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，这位巴洛克音乐的巨擘，留下了浩如烟海的杰作。然而，在他诸多光芒万丈的作品中，《哥德堡变奏曲》（Goldberg Variations, BWV 988）无疑是一颗最为璀璨、也最为深邃的宝石。这部作品并非仅仅是一组精巧的键盘练习曲，它是一座宏伟的音乐建筑，一个关于主题、变奏、对位法、情感表达与精神追求的完美范例。 本书旨在带领读者，深入剖析这部鸿篇巨制，探究其结构之严谨、技巧之精湛，以及隐藏在音符背后的哲学意蕴。我们将超越简单的曲谱解读，力求还原巴赫创作时的心境，重现十八世纪欧洲音乐实践的场景，让读者得以窥见这位大师如何将严密的逻辑与至高无上的灵性熔铸一体。 二、作品的诞生与历史背景：一张安眠药方 《哥德堡变奏曲》的诞生充满了传奇色彩。它最初是为一位需要对抗失眠的贵族——戈特弗里德·冯·施梅尔茨伯爵（Count Gottfried von Brühl）所作。据说，伯爵的宫廷乐师、同时也是巴赫的学生——约翰内斯·鲁伊·哥德堡（Johann Gottlieb Goldberg），每当伯爵夜不能寐时，便会在其卧榻前演奏这部作品，以求慰藉。 我们首先会追溯巴赫的创作年代（约1741年），考察当时键盘乐器的发展状况，特别是羽管键琴（Harpsichord）的音色特性对作品构思的影响。作品的标题本身就带有历史的印记，尽管“哥德堡”之名流传甚广，但我们也会探讨其是否是巴赫本人赋予的，抑或是后世的附会。 历史背景的梳理，将帮助我们理解为何巴赫选择了一个如此基础而又富有潜力的主题——一个结构简洁、旋律优美的咏叹调（Aria），并以此为蓝本，构建起包含三十段变奏的庞大体系。 三、咏叹调：基石与蓝图 变奏曲的灵魂在于其“主题”。《哥德堡变奏曲》的咏叹调，其曲式精炼，结构清晰（通常为二部曲式，AABB）。本书将详细分析这个咏叹调的旋律线条、和声骨架以及节奏特征。 我们探讨咏叹调的“纯粹性”——它为何能承受如此多样且极端的变形？这与巴赫对调性（D大调）的运用，以及他对基本和声进行（Harmonic Progression）的精确把控息息相关。咏叹调不仅是旋律的开端，更是贯穿三十个变奏的无形“地基”，所有的技巧和情感的张力，都建立在它坚实的基础之上。 四、三十个变奏的结构解析：数学的韵律与艺术的自由 《哥德堡变奏曲》的结构是令人惊叹的。它并非随机的片段堆砌，而是一个精心策划的整体。全曲由一个咏叹调、三十个变奏和一个返始的咏叹调（Aria da Capo）构成，共三十三段。 1. 神圣的“三的律动”：卡农的几何学 全曲最引人注目的结构特征是其对卡农（Canon）的运用。巴赫以每隔三首变奏设置一个卡农，形成了清晰的骨架： 变奏 3、6、9、15、21、27 均为卡农。 这些卡农的间距和音程变化遵循严格的数学规律：从同音卡农（Unisono），逐步发展到八度、五度、四度、三度，直至最后两个卡农（变奏 24 和 27）。 本书将逐一分析这些卡农的对位技巧，揭示巴赫如何在固定的框架内，通过声部的交织、模唱和模仿，创造出无穷的音乐趣味。特别是第十五变奏（三度卡农），其慢速和忧郁的色彩，成为全曲情绪的一个重要转折点。 2. 技巧的展示：炫技与情感的交织 在非卡农的变奏中，巴赫展示了他作为羽管键琴演奏大师的极致技巧。我们将详细考察以下几类变奏： 双手的交织（Cross-hand Technique）： 例如变奏 5 和 14，双手需在键盘上频繁交叉，这不仅考验演奏者的手指灵活性，也创造出一种独特的视觉和听觉效果。 分解和弦与琶音（Arpeggios）： 变奏 1、4、10 等，展现了流畅的键盘跑动，对保持音色的均匀性提出了极高要求。 二声部与三声部模仿： 变奏 16（常被称为“法式序曲”），以庄严的序曲节奏开场，展现了对不同曲风的驾驭能力。 3. 情绪的低谷与高峰：黑白键的哲学 我们不会将这些变奏视为孤立的练习曲，而是将其置于整体的叙事线索中考察。 中段的沉思（Adagio）： 变奏 25 是一首极其著名的慢板变奏。它以其缓慢的速度、复杂的装饰音和内敛的情感张力，被誉为全曲的“黑珍珠”。我们分析其装饰音的使用，如何体现出巴赫对“表达”（Affekt）理论的深刻理解，以及其中蕴含的悲剧色彩。 古怪与诙谐： 一些变奏，如变奏 19，以其活泼的节奏和简单的模仿，带来片刻的轻松。 五、返始咏叹调（Aria da Capo）：回归与升华 当第三十个变奏结束，全曲并未直接收尾。巴赫要求演奏者“返始”（Da Capo）——回到最初的咏叹调。然而，此时的咏叹调已经不再是最初那首单纯的田园小曲。 本书将重点分析“返始”这一结构选择的深远意义。经历三十段思想、技巧、情绪的洗礼后，回归主题时，听众的内心体验已然不同。巴赫用这种方式，展现了“变化中的永恒”这一深刻的哲学命题：世间万象皆在流转，但事物（或精神）的核心本质得以保存并被新的视角所照亮。此时的咏叹调，因经历了所有变奏的洗礼，带上了一种历经沧桑后的宁静与洞察。 六、演奏实践的挑战与现代诠释 《哥德堡变奏曲》是钢琴家展示其音乐成熟度的试金石。我们将探讨： 羽管键琴与钢琴的差异： 早期羽管键琴双层键盘的特性如何影响了巴赫对声部平衡的构想，以及现代钢琴家如何在单薄的键盘上实现巴赫要求的清晰度与对比度。 速度与情感的平衡： 如何在保持严密对位逻辑的同时，避免机械化演奏，赋予作品以呼吸和生命力。 近现代录音的流派： 选取几位代表性演奏家（例如，古尔德的极端对比、佩拉西亚的歌唱性）的录音进行对比分析，探讨不同时代的理解如何塑造了我们对这部作品的认知。 七、结论：永恒的结构与人类精神的赞歌 《哥德堡变奏曲》是巴赫献给键盘艺术的最高致敬。它证明了结构、数学逻辑与至高无上的艺术美感可以完美融合。它不仅是一部技术指南，更是一部关于人类在限制中寻求自由、在重复中发现新意、在沉寂中聆听上帝之声的冥想之作。阅读本书，将是一次对音乐结构之美、对巴赫思想深度的一次深入探索。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的节奏处理极其复杂，但听起来却异常流畅自然，这是最让我感到震撼的地方。它绝不是简单的四四拍或三四拍的简单叠加，而是充满了复杂的切分和错位感。某些段落，尤其是快速的谐谑曲部分，会让人产生一种“音乐正在加速，但同时又在缓慢前行”的奇妙感觉，仿佛听众的听觉感知本身受到了某种形而上的影响。我试着去分析那些快速跑动的音符组，发现它们往往不是独立的音型堆砌，而是几个声部在进行精密的“卡农”式追逐，但这种追逐有着非常松弛的弹性，没有丝毫的机械感。而且，在全曲的张力达到顶点时，作曲家往往会选择一个出人意料的、近乎空白的停顿，这种对“寂静”的运用，比任何强音都更具戏剧性。这种对时间节奏的精妙掌控，体现了作者对音乐结构近乎建筑师般的严谨思维。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对和声色彩非常敏感的听众，而这部降E大调的弦乐四重奏，在我听来，简直就是一堂关于色彩学和对比的课程。它将明亮、温暖的E大调调性基调运用得炉火纯青，但又不断地利用那些半音进行和不协和音程来“打磨”这种明亮感，使其不至于流于平庸或过于甜腻。特别是在某些转调的处理上，简直是神来之笔，它不是生硬地跳跃，而更像是在一个固定的空间里，通过调整光线的角度，瞬间营造出全新的氛围。我注意到，作曲家似乎很偏爱使用长音的持续音（pedal point）来锚定整体的听觉空间，即使旋律线在上方如何翻腾起伏，下方总有一个稳固的低音支撑着，这种安全感极大地增强了作品的抒情深度。我曾尝试在清晨，带着微醺的慵懒感去听，效果出奇地好，那音乐仿佛与清晨的薄雾融为一体，既有清醒的轮廓，又有梦境般的柔和。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对这部室内乐作品抱有很高的期待，但实际聆听后，我发现它带来的冲击感比我想象的要更加细腻和持久。它没有磅礴的管弦乐来营造气势，全靠四个独立声部之间的微妙平衡来构建整个场景。我特别喜欢它在结构上的那种“不对称美学”。某些乐段的处理显得出乎意料，比如第三乐章突然插入的一段近乎无调性的片段，一下打破了之前建立起来的和谐感，但这种“不和谐”并非为了制造冲突，而更像是一种短暂的迷失，随后音乐又以更坚实、更富目的性的姿态回归主线。这让我联想到人生的某些时刻，那些看似偏离轨道的经历，最终反而会成为推动整体进程的关键力量。高音区的小提琴线条常常像一道穿透云层的光束，锐利而坚定，与中提琴和大提琴提供的扎实地基形成了完美的张力支撑。这是一部需要你放下所有预设，用心去倾听细节的作品，随便分心一秒，可能就会错过一次精彩的声部交替。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深乐迷，我通常对古典时期的作品有种先入为主的认知，但这部降E大调的弦乐四重奏彻底颠覆了我对“古典”的刻板印象。它具备古典时期的清晰结构和逻辑性，但其情感的深度和动机发展的复杂程度，却远远超出了那个时代主流的简洁表达。它像是一座精心规划的花园，每一个灌木和花坛的位置都有其存在的理由，但当你漫步其中时，你感受到的却是无尽的生机与自由。我特别留意了对位法的运用，它不像巴赫那样强调绝对的逻辑服从，而更像是在进行一场充满幽默感和人情味的辩论，每个声部都有自己的“观点”要表达，它们相互交织，相互支撑，有时甚至略微“抬杠”，但最终都会达成一个更丰富的共识。这部作品的美妙之处在于它的“可重听性”——每一次聆听，都会因为注意力的侧重不同，而发现全新的细节和情绪层次，它似乎永远不会被完全“听完”。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的音响世界简直是另一个维度的入口，初听时，那种由四个声部编织出的精妙结构，一下子就抓住了我。它不是那种炫技式的展示，而是非常内敛、却又充满力量的对话。我尤其惊叹于作曲家如何处理主题的变形和再现，每一个乐章的动机似乎都在不断地自我复制、演化，最终汇集成一个宏大而统一的情感景观。尤其是第二乐章，它并非传统意义上的慢板，而更像是一场深刻的冥想，仿佛时间在这里被拉伸、扭曲，只留下纯粹的听觉体验。演奏者对乐句的呼吸感把握得极为精准，从最轻微的揉弦到迸发出的强音，都像是经过千锤百炼的雕琢，毫无矫揉造作之感。听完整个作品，我感觉自己经历了一次精神上的洗礼，那些原本生活中纠缠不清的烦恼，似乎都在这精密的对位法和清晰的和声走向中得到了某种程度的梳理和解答。这不仅仅是音乐，更像是一种哲学思辨，只是它通过弦乐的共鸣来完成的。